автор текста: Вера Папкова для портала Осинка.ру
Примечание. При подготовке материала использованы лекции по моде А. Васильева.

Свадебные платья в том виде, в котором мы знаем их сейчас, появились в моде относительно недавно. До 20 века свадебных платьев как отдельного вида костюма просто не существовало! Приглашаем вас совершить увлекательный экскурс в историю свадебного костюма, начиная с 15 века. Да, да, именно таким временем датированы самые ранние изображения свадебного костюма, дошедшие до наших дней.

Из истории свадебной моды

Современное свадебное платье из коллекции Malinelli - 2005

Свадебные платья в том виде, в котором мы знаем их сейчас, появились в моде относительно недавно. До 20 века свадебных платьев как отдельного вида костюма просто не существовало! Приглашаем вас, дорогие читатели, совершить увлекательный экскурс в историю свадебного костюма, начиная с 15 века. Да, да, именно таким временем датированы самые ранние изображения свадебного костюма, дошедшие до наших дней.

Цветовые сочетания свадебного костюма, которые сложились к 19 веку и окончательно закрепились в 20-м, а именно - разные оттенки белого и экрю, появились очень поздно, только в эпоху Наполеона. До этого свадебных платьев как отдельного вида костюма просто не существовало. Свадебные платья были просто лучшими, самыми нарядными и дорогими одеждами, в которых венчались.

Заметим попутно, что термин "свадебное платье" существует исключительно в советской терминологии, поскольку брак при социализме не был церковным. В контексте разговора об историческом костюме корректней употреблять термин "подвенечное", т.е. платье, в котором "шли под венец", венчались.

Свадебная одежда сильно разнилась в зависимости от вероисповедания и конфессиональной принадлежности - то, что носили католики, православные, иудеи, мусульмане и представители других конфессий, имело больше отличий, чем сходства. Это существенное обстоятельство, поскольку оно обязывает нас обозначить рамки нашего небольшого исследования - не "свадебный костюм" вообще, а свадебный костюм преимущественно европейский, т.е. бытовавший в рамках католицизма и протенстантизма.

Самые ранние изображения средневекового свадебного костюма относятся к 15 веку. Главное, что сохранилось в готическом свадебном костюме] из древности, это его новизна - свадебный наряд должен был быть не просто лучшим из имевшихся, он непременно должен был одеваться впервые, т.е. он специально готовился к этой церемонии. Подвенечное платье заказывалось вместе с приданым невесты и составляло часть этого приданого.

Наличие приданого было необходимым условием заключения брака. Невеста должна была привнести в дом большое количество добра, с помощью которого будет осуществляться быт новой семьи. В частности, приданое включало в себя: комплекты постельного белья, парадного и повседневного; оговоренное количество платьев и других предметов одежды; набор столового серебра, ножей и ложек, а после 16 в. - и вилок; посуду; комплекты ювелирных украшений (бриллианты вошли в обиход только после 16 в., а в эпоху Средневековья ценились украшения с изумрудами, рубинами, сапфирами…); мебель, осветительные приборы, ковры и многое другое. Вклад мужа в благосостояние будущей семьи заключался в том, что он обеспечивал дом - место, где новая семья обустраивала свою жизнь. Все это тщательно фиксировалось в свадебном контракте.

Необходимо отметить, что в заключении брака в эпоху cредневековья практически не было места романтическим отношениям, браки заключались исключительно по расчету, и все условия предварительно оговаривались и фиксировались в свадебном контракте с помощью свахи. Свахи действовали во всех классах, сословиях и слоях населения и подбирали невесте жениха в соответствии с ее уровнем, обстоятельствами и даже характером. В подавляющем большинстве случаев браки заключались исключительно внутри одного сословия. У невесты был минимальный шанс с помощью замужества попасть в высшее сословие - для этого ей необходимо было быть поистине прекрасной.

Если девушка была очень молода и хороша собой, то, согласившись на брак с богатым человеком значительно старше себя, она могла подняться по социальной лестнице и даже получить титул. Однако же никакая худородная девушка, даже самая красивая, не могла стать женой особы королевской крови, по той причине, что такие браки считались морганатическими, т.е. недействительными, и дети от такого брака ни при каких обстоятельствах не могли иметь титула и претендовать на трон.

Ян Ван Эйк. Портрет четы Арнольфини, 1434 г. Прекрасно представлен "готический силуэт" платья дамы.

Поскольку подвенечное платье являлось частью приданого, в свадебном контракте тщательнейшим образом фиксировалось, сколько и каких именно тканей (парчи, бархата…), мехов и элементов декора должно уйти на его изготовление. Сторона жениха бдительно следила за тем, чтобы все условия, касающиеся подвенечного платья невесты, строго соблюдались.

В 15 в. уже носили платье с корсетом! Котарди - так называется этот тип платья с высокой талией, всегда с готическим треугольным вырезом и длинными рукавами. В эпоху готики в моде была беременность, и женщины часто носили под платьем специальные накладные "животики", чтобы ее имитировать и создать знаменитый "готический силуэт". Этот силуэт прекрасно представлен в готической скульптуре и живописи и демонстрирует нам "беременных" даже невест - таково было требование моды. Мода на беременность возникла в эпоху крестовых походов и была вызвана тем, что женщины в то время слишком подолгу были одни, пока их мужчины воевали за Гроб Господень в Палестине. Когда мужья возвращались, женщины с удовольствием беременели, и это состояние беременности ассоциировалось со счастьем и благополучием.

Другая примета того времени - мода на круглое блинообразное лицо с раскосыми глазами, похожее на монгольское. И в этом нет ничего удивительного, если учесть, что самой серьезной силой и самым крупным государством Средневековья была Орда, Татаро-монгольское ханство. Ордой была завоевана вся Средняя Азия, Русь и пространство до границ с Литвой. Кроме того, эта эпоха находилась под впечатлением от рассказов итальянца Марко Поло, посетившего, в частности, Китай, и рассказавшего европейцам о красоте тамошних женщин.

Жительницы Европы, антропологический тип внешности которых совершенно не соответствовал этому облику, делали все, чтобы приблизить свою внешность к этому идеалу. Поскольку грим был категорически запрещен церковью, им приходилось добиваться этого другими средствами. Во-первых, выщипывались и выбривались волосы надо лбом, иногда до 3 см, что делало лоб выше и покатей. Во-вторых, выщипывались все брови и все ресницы - как верхние, так и нижние. В-третьих, различными средствами провоцировались болезни и болезненные состояния, сопровождающиеся отеком лица - при отеке одутловатые щеки и заплывшие глаза создавали эффект "сощуренности" и приобретали раскосость.

Французская миниатюра, 15 в. На этой иллюстрации изображена свадебная процессия. На невесте и ее подружке хорошо видны платья-котарди и энены с тончайшей шелковой вуалью в качестве фаты.

В Средние века в Европе свирепствовали страшные эпидемии чумы, оспы и других смертельных болезней. Именно поэтому было не слишком популярно умывание и другие гигиенические процедуры, ставшие впоследствии повседневными и обязательными - люди боялись проточной воды. И имели для этого все основания, т.к. зараза распространялась, в том числе, и через воду. Естественным следствием такого положения вещей было то, что люди не слишком хорошо пахли и страдали от паразитов вроде блох, живших в одежде, и вшей. Вот почему места, где продается старая одежда, во всем мире называются "блошиными рынками" - ведь одежда продавалась там вместе с блохами. И вот почему итальянцами были изобретены духи - для того, чтобы перебивать неприятный запах, исходивший от человека.

На голове средневековой невесты красовался головной убор в форме готической башни. Такие уборы назывались эненами и могли достигать высоты 1 м. Ходить и даже стоять с таким предметом на голове было очень трудно, вот почему невесты того времени всегда смотрели лицом вниз - это позволяло удерживать энен, не позволяя ему свалиться. Цветовая гамма средневекового костюма не регламентировалась и потому была очень и очень разнообразной.

Гравюра из немецкой книги 19 в. "Zur Geschichte der Kostum". На этой гравюре хорошо видна фата из тончайшей шелковой вуали.

Самый древний элемент подвенечного платья, дошедший до наших дней - это фата. Идея фаты пришла с наступлением христианской эры, таким образом, этому аксессуару уже 2000 лет! Конкретная форма и фасон фаты варьировались в зависимости от эпохи и местности, но ее смысл, как символа целомудрия и непорочности невесты, во все века оставался неизменным. В Средние века фата делалась из шелка и стоила очень дорого.

В 15 в. при французском дворе стали устраиваться так называемые "белые балы" - гулянья и празднества, посвященные какой-либо теме, где всем гостям полагалось быть в белом. Таким образом, именно Франция ввела в моду тематические костюмы одной цветовой гаммы.

Красный цвет стал наиболее популярным для уборов невест в конце Средневековья и в эпоху Ренессанса. Однако, появление в 16 в. такого религиозного течения, как протестантизм, и его германской ветви - лютеранства, во главе которого стоял Мартин Лютер, заставило отойти от ярких цветов.

Именно из Германии происходит идея приоритета черного цвета, подхваченная затем испанцами и итальянцами. Технически воцарение черного цвета стало возможным после открытия Америки, откуда, наряду со множеством других невиданных растений и предметов, был привезен черный краситель в количестве, достаточным для массового использования на территории Европы. В предыдущие же века черная краска была слишком дорогой и недоступной большинству населения.

Подвенечные платья 16 в. повторяли модный силуэт того времени. Специальной свадебной моды не существовало, а подвенечное платье являлось, фактически, просто лучшим и наиболее дорогим из нарядных одеяний, и отличалось только своей обязательной новизной.

В эпоху Барокко в моду вошла полнота. Большие, объемные вещи с крупными рукавами, органично смотрелись на пышнотелых красавицах с пухлыми щечками. В этот период завоевали популярность подвенечные платья желтого и золотого цвета. Главным элементом их декора стало кружево, тоже превратившееся затем в традиционную отделку свадебного наряда.

Начало 17 в., эпоха мушкетеров - это время огромных кружевных воротников. Нижнее белье невесты состояло из трех и более нижних юбок и чулок до колен, и этим ограничивалось. Поскольку ношение панталон в ту эпоху считалось принадлежностью ремесла женщины легкого поведения.

Чулки держались на подвязках, представлявших собой валик, для мягкости набитый хлопковой ватой и завязывавшийся под коленом на бант из лент. Подвязки украшались не только бантами, но и изысканной вышивкой, нередко с кокетливыми девизами, вроде "Каждый охотник знает, где живут кролики" или "Если Вы забрались так высоко, то можете продолжать еще выше". Вторая половина 17 в. привносит в свадебные наряды моду на розовый и коралловый цвета.

Ж.-О.Фрагонар. Счастливые возможности качелей, 1768. Прекрасный пример наиболее модного в тот период кораллового платья.

В случае, если невеста уже была однажды замужем, т.е. вдова, предполагалось менее роскошное платье предпочтительно темных цветов, например, красное с черным подбором. Однако кружевные элементы допускались и, по-прежнему, играли важнейшую роль. Одним из таких элементов являлся воротник фрэза, который по-русски называли брыжжами или плоеным воротником.

Появлением воротника такого типа Европа тоже обязана открытию Америки - ведь только после этого события в Старом Свете появился картофель, а именно из него, как известно, делается крахмал, без которого невозможно создать подобную конструкцию. В свою очередь, распространение этого воротника привело к необходимости создания такого предмета сервировки, как вилка. До 16 в. европейцы ели с помощью ножей, ложек и просто руками. Но в плоеном воротнике обойтись без вилки было никак нельзя, если, конечно, не смириться с тем, что дорогостоящий предмет туалета будет безнадежно испорчен при первом же приеме пищи.

Далее пришла эпоха воротников-медичи. Подвенечные платья, по-прежнему, были цветными, но богато украшенными, часто золотом или вышивкой, и отделанными кружевом. В 18 в. в моду для подвенечных платьев вошли пастельные тона - нежно-голубой, нежно-розовый, светло-зеленый. Эпоха Рококо ввела в моду серебряные и серебристо-жемчужные тона.

Ж.-О.Фрагонар. Поцелуй украдкой, 1780-е гг. Туалет в серебристо-жемчужных тонах.

Юбки платьев Рококо были очень широкими, поскольку надевались на панье - специальную конструкцию, обеспечивавшую форму крутых широких боков, практически параллельных полу. Корсеты таких платьев были настолько узкими и так сильно подпирали грудь, что она практически выходила наружу. Наряд дополнялся обувью на небольшом каблучке и длинными панталончиками в сборку. Характерным элементом декора эпохи Рококо является обилие цветов и цветочных гирлянд и множества бантов, сочетавшихся с живописными, часто асимметричными подборами.

М.-К.Латур. Портрет маркизы де Помпадур, 1755. Прекрасный пример типичного туалета эпохи Рококо представляет одна из самых блестящих дам этой эпохи. Перед нами юбка на панье, узкий корсет в сочетании с глубоким декольте, изящные туфельки на небольшом каблучке, обилие цветочного декора и бантов.

Моду на светлые - слоновой кости, кремовые, но еще не белые - платья принесла с собой эпоха Неоклассицизма. Инспирировано это было раскопками в Помпеях и Геркулануме. Достоянием общественности стало множество образцов римского искусства - скульптура из светлого мрамора, знаменитые фрески и мозаики помпейских вилл, причем все эти произведения были в очень неплохой сохранности. Все это оказало очень сильное влияние на моду. Стали популярными драпирующиеся шелковые платья мраморного цвета, постепенно подводящие нас к белым платьям.

Концом платьев 18 века - из шелка на корсетах с большими фижмами была Великая Французская Революция 1789 г., которая упразднила многие привилегии аристократии и дворянства. Ушли в прошлое пудреные парики, богато вышитые роброны, корсеты, обувь на каблуках. Под влиянием идей античности, Древней Греции и Рима, в моду в конце 1790-х гг. входят высокая талия и белые платья, которые стали главенствующими в период Директории и Консульства. Эта мода стала предвестницей приоритета белого цвета в подвенечных нарядах последующих эпох.

Подвенечные платья стали белыми первоначально просто потому, что все платья в эпоху Ампир были белыми, подражая белизне античных мраморных статуй, находимых в раскопках. Силуэт этих платьев с максимально высокой талией и очень маленьким рукавчиком, со струящимися до пола драпировками из полупрозрачных тканей был навеян силуэтом античной колонны. Такой фасон не предполагает корсета, поэтому под платьем-ампир носили белье из трикотажа телесного цвета. Эта мода не была адаптирована к холодной погоде, и платье-ампир сопровождалось, как правило, теплой шалью или меховым боа. Эпоха наполеоновских войн, когда мужчин стало мало, поскольку все они воевали, ставила женщин в условия жесткой конкуренции, вынуждая их максимально обнажаться, зачастую подвергая опасности свое здоровье - воспаление легких и туберкулез были распространеннейшими заболеваниями того времени.

Ж.-О.-Д.Энгр. Мадемуазель Ривьер, 1805. Типичное платье эпохи Амир - очень высокая талия, маленький рукавчик, струящаяся полупрозрачная ткань белого цвета, белое меховое боа.

Считается, что первым белым подвенечным платьем было платье, сшитое при французском дворе для бракосочетания принцессы Мюра. С тех пор подвенечные платья остаются белыми вот уже 200 лет подряд, хотя просто нарядные платья по окончании наполеоновских войн вновь стали цветными.

Однажды закрепившись, белый цвет для подвенечного платья стал каноничным. Поскольку одно из непременных качеств наряда для бракосочетания - его старомодность и традиционность. Невеста в своем подвенечном уборе должна не выглядеть героиней своего времени, а выглядеть немного старомодно, соответствуя вкусам предыдущего поколения, к которому принадлежат родители ее будущего мужа. Быть старомодной, традиционной, добропорядочной и ассоциироваться с эпохой отцов - это важный психологический момент, учитывающийся в подвенечном уборе. Именно поэтому даже в 60-е годы, эпоху торжества мини, подвенечное мини-платье или брючный костюм, хоть и встречались иногда, но все же были большой редкостью.

Самым модным материалом для подвенечного платья в 19 веке стали блонды - особый вид кружева. Блонды были шелковыми в отличие от остальных видов кружев, которые делались из льняных нитей. Блонды отличаются необычайно красивым янтарно-золотистым оттенком белого цвета, они изготавливались на шелковой тюлевой сетке, по которой шелком же вышивались орнаменты и цветочные мотивы. До наших дней дошло очень немного платьев и фрагментов блонд, поскольку это очень нежное, легко рвущееся кружево, которое, к тому же, плохо переносит свет - сечется и разрушается. Платье с блондами шилась на шелковом чехле и непременным элементом подвенечного наряда была фата из блонд же, настолько большая, насколько это позволяло благосостояние невесты. Что касается силуэта, то после 1815 г. впервые вошли в моду рюши в сочетании с высокой линией талии.

Пукирев В.В. Неравный брак, 1862. Художник с большим мастерством выписал блонды, флер-д'оранж и жемчуг, которыми убрана печальная невеста. Также мы можем видеть короткие кружевные перчатки и венчальную свечу, по русской традиции украшенную спиральным орнаментом.

Подвенечное платье эпохи Бидермайер (1820-е - 1830-е гг) отличало большое декольте, маленький рукавчик (фонарик или жиго) и линию талии, опустившуюся к своему естественному месторасположению. Платье шилось на нижних юбках, а в низ подола принято было вшивать специальную конструкцию-рулон, предназначенную для того, чтобы платье сохраняло колоколообразную форму. Эти платья в целом соответствуют моде своего времени, но отставание от нее на два три года вполне приемлемо и даже приветствуется по причинам, о которых мы сказали выше.

Когда изобрели машинку для изготовления тюлевой сетки, блонды удешевились, но все равно продолжали оставаться очень дорогими, поскольку вышивка на них по-прежнему выполнялась только вручную.

Начиная с 1830-х гг невесты стали украшать себя специальным убором из цветов апельсина - флер-д'оранж. С тех самых пор флер-д'оранж закрепился в подвенечном наряде очень надолго и даже стал символом невесты. Цветы, вернее, бутоны, были, разумеется, искусственными и изготавливались из ваты, с листочками из шелка и бархата. Как правило, использовался комплект флер-д'оранжа, состоящий из венка, броши, прикалываемой на пояс или на вырез декольте, и маленьких веточек, которыми украшались рукава. "Изобрел" флер-д'оранж Вальтер Скотт, написавший в романе "Айвенго", что средневековые невесты обязательно были украшены цветами апельсина.

Венчальное платье 1850-х гг продолжает традицию эпохи Бидермайер, в нем также используется кружево-блонды. Аксессуарами являются короткие кружевные перчатки и ювелирные украшения. Что касается последних, то они могли быть любыми кроме бриллиантовых, потому что бриллиант - это камень замужней дамы. Наиболее предпочтительными украшениями для подвенечного убора считались жемчуг и белые камни, т.е. хрусталь.

В то же время в 1850-х годах стали входить в моду очень широкие юбки с оборками на кринолинах, в сочетании с очень широкими рукавами-пагод, которые стали характерной приметой Викторианской эпохи. Декорировались эти платья нередко брюссельским кружевом. Самым роскошным подвенечным платьем этой эпохи было заказанное в Брюсселе для французской императрицы Евгении платье с широким треном, сплошь состоявшее из брюссельского кружева. Рисунок кружева не повторялся на всей поверхности наряда.

Клод Моне. Завтрак на траве, 1865. Туалет дамы в желтом прекрасно иллюстрирует влияние историзма на костюм этого периода, он украшен подборами и контрастными темно-зелеными патами, явно инспирированными эпохой Рококо.

В 1860-х - 1870-х гг в моде был историзм, поэтому подвенечные платья нередко делались с турнюрами, разнообразными подборами и содержали реминисценции эпохи Барокко, Рококо и даже готические мотивы. В конце века, в 1890-е гг, в моду входят очень широкие рукава-жиго и более узкие платья с длинным треном. Чаще всего эти платья делались из атласа-дюшесс.

В 1900-е гг, в эпоху Модерна, объем платьев еще более сократился. Их стали отделывать машинным кружевом и специальными деревянными шишечками, обмотанными шелком - крело - характерной приметой декора рубежа веков. Другой характерной особенностью платьев этого периода является отсутствие декольте, как правило, они закрытые и имеют воротник-стойку.

Раскрашенное фото 1900-х гг. Императрица Александра Федоровна. Закрытое платье со стойкой.

С окончанием Первой мировой войны из женского гардероба исчез корсет и появилась выраженная тенденция к снижению талии. Такая же участь постигла и флер-д'оранж, который стали заменять просто букетом цветов. Сначала это были белые розы, а в 1930-е гг самыми модными цветами невесты стали каллы. В этот период стал популярен достаточно выраженный грим и яркий маникюр. В декоре наряда и прически нередко использовались перья.

В конце 1930-х гг возвращается корсет, и приносит с собой тенденцию к более широким платьям, иногда в ансамбле с небольшими жакетками. После 1935 г появляются подкладные плечи. В дальнейшем, на протяжении 20-го в., свадебные платья становятся менее каноничными, но по преимуществу в них сохраняется дух традиционализма.

автор: Осинка

5 Июля 2006 года мировая фэшн-индустрия отмечает знаковую дату - 60 лет назад в женском арсенале обольщения появилось супер-оружие, заставляющее мужчин вот уже шесть десятков лет оборачиваться им вслед - на пляжах появились первые купальники в стиле бикини!

Бикини. Сексуальная революция XX века.

Изобретение автомобильного инженера произвело термоядерный взрыв на пляжах мира. Топ-модели наотрез отказывались выходить на подиум в бикини. Для первого показа создатель купальника нанял профессиональную стриптизёршу. Церковь запрещала бикини в Италии, Испании и Португалии.

5 Июля 2006 года мировая фэшн-индустрия отмечает знаковую дату - 60 лет назад в женском арсенале обольщения появилось супер-оружие, заставляющее мужчин вот уже шесть десятков лет оборачиваться им вслед - на пляжах появились первые купальники в стиле бикини!

Бикини - одна из многих замечательных вещей, подаренных миру французами. Его изобрёл… инженер-автомобилестроитель, Луи Реар (Louis Reard), который однажды переквалифицировался в дизайнера купальных костюмов. Именно он в 1946 году представил публике то, что мы так часто встречаем на пляжах - в общих чертах это уже было то самое бикини, которое по сей день сводит с ума миллионы мужчин во всём мире.

Хотя, история моды свидетельствует, что ещё 1600 лет тому назад в Римской империи были обольстительницы, которые носили купальные костюмы, состоящие из двух деталей. Они запечатлены на древней мозаике в одном из храмов Сицилии.

Авторитетное издание в области купальников "Sports Illustrated " предлагает своё толкование термина "BIKINI" как "два" (bi), и "kini" - несколько квадратных сантиметров Лайкры. Это, конечно же, шутка. Бикини - название географическое. Это имя атолла, затеряного в Тихом океане, который сначала прославился тем, что американцы испытали на нём мощную атомную бомбу. Однако изобретение Луи Реара произвело взрыв посильнее атомного! Оно было настолько скандальным, что ведущие манекенщицы и топ-модели того времени наотрез отказывались демонстрировать первые модели бикини на подиуме. Реар решил проблему, наняв стриптизёршу из "Казино де Пари", которая впервые представила публике купальник бикини в знаменитом бассейне Делини в центре Парижа.

Ещё один курьёзный факт из истории бикини: в 1943 году Правительство Соединённых Штатов, движимое политикой всеобщей эконимии ресурсов в ходе II Мировой войны, потребовало от швейников… уменьшить количество тканей, идущих на пошив женских купальников, на 10 процентов! Генералы Пентагона должны были наградить Луи Реара как минимум медалью - его стараниями площадь купальников уменьшилась в четыре раза! На них стало уходить всего полметра ткани, вместо двух метров, которые требовались для пошива купальных костюмов старого "пуританского" фасона.

Но, похоже, автомобильный инженер перестарался. Когда информация о "бесовской одёже" дошла до кардиналов, те пришли в ужас. К счастью для Луи Реара он создавал своё бикини не во времена Святой инквизиции. Иначе одним костром бы точно стало больше! Однако, католическая церковь строго-настрого запретила женщинам появляться в бикини в Италии, Испании и Португалии. Даже в терпимой Франции общество колебалось - запрещать или нет?

Так продолжалось до середины 50-х годов. Всё изменилось с выходом на экраны нашумевшего фильма "И Бог создал женщину". В нём первая европейская секс-бомба Бриджит Бардо снялась в бикини, что враз разрушило все барьеры! После ставшего культовым фильма женщин остановить было уже невозможно. Модные купальники мгновенно заполонили пляжи в Сан-Тропе и Итальянской Ривьере. Церковь была вынуждена признать поражение. А швейные фабрики, работая в три смены, ещё несколько лет не могли справиться с заказами.

По другую сторону Атлантики события тоже развивались стремительно. Первыми секс-дивами, надевшими бикини, стали Мерилин Монро и Рита Хейворт. А в 1963 году подружка Джеймса Бонда - кинозвезда Урсула Андресс предстала перед миллионами зрителей, выходящей из морских волн в стильном бикини и с ножом, закреплённом на поясе. Как говорится, дьявол всегда скрывается в деталях - в этом купальнике уже применялась LYCRA® - эпохальное изобретение DuPont, совершившее революцию в мире моды.

Бикини с Лайкрой® (сейчас эта марка эластанового волокна принадлежит крупнейшей текстильной компании INVISTA) - это ещё одна страница вечной истории обольщения. Женщины в них стали ещё привлекательнее и сексуальнее.

Купальники с Лайкрой идеально облегают фигуру, подчёркивая все её достоинства. Ну а площадь ткани, уходящей на каждый купальник, с годами стремиться к …нулю. Вошли в моду бикини с трусиками "стринг", и ещё добрая четверть площади купальника ушла в прошлое. Если мода и дальше будет развиваться в том же направлении, то в скором времени текстильные компании, выпускающие материалы для купальников, неминуемо будут обречены на разорение. На теле купальщиц останется всего несколько сантиметров ткани и немного Лайкры®…

автор текста: Вера Папкова для портала Осинка.ру
Примечание. При подготовке материала использованы лекции по истории моды Александра Васильева с его любезного разрешения.

Каждое время обладает для истории своей ценностью, своими приметами и своим наследием. Начало прошлого века воплощало воздушность и эфемерность женского образа, который создавался утягивающим корсетом и особым покроем юбки. Это было время расцвета домов моды, ателье, ювелирных и шляпных мастерских. 1900-е годы запомнились миру именами Надежды Петровны Ламановой и ювелира Карла Фаберже...

Русская мода ХХ века: 1900-1910 годы

Каждое время обладает для истории своей ценностью, своими приметами и своим наследием. Начало прошлого века воплощало воздушность и эфемерность женского образа, который создавался утягивающим корсетом и особым покроем юбки. Это было время расцвета домов моды, ателье, ювелирных и шляпных мастерских. 1900-е годы запомнились миру именами Надежды Петровны Ламановой и ювелира Карла Фаберже...

С эпохи Петра I русская мода развивается в стиле европейских тенденций. В 1900-х гг. русская женская мода ориентировалась на два модных европейских города - Вену и Париж; а мужская - на Лондон. Представители высших сословий, как основные потребители моды, стремились вполне соответствовать европейскому стилю и черпали модные идеи именно в этих модных столицах.

Фотография В. Чеховского. Одесса. 19 июля 1906 г. Дама средних лет в прогулочном демисезонном туалете из легкой светлой шерсти. Платье отделано рюшем, шелковыми бейками и вставками из сурового кружева. Кружевные митенки и эффектная шляпа из итальянской соломки, украшенная бархатом и английскими розами, шелковый зонтик с фигурной ручкой в виде цапли.

Женская мода этого периода являлась воплощением стиля "прекрасной эпохи" и стиля модерн. Основу женского силуэта составил идеальный образ женщины той эпохи - женщины, которой чужды земные тревоги, каждодневность, заботы быта и вообще физическая работа. Женщина той эпохи, когда она еще не была эмансипирована, т.е. не работала и не имела такой необходимости, больше была похожа на прекрасный цветок, экзотическое насекомое, например, бабочку, птицу… Художники той эпохи изображали женщину в образе русалки или ундины, живущей в воде; нимфы в облаках; дриады, живущей в лесах; но ни в коем случае не в образе живого человека, который ходит по улице. Женщины в тот период не ходят по земле, они парят! Поэтому основная идея женского образа той поры - невесомость, воздушность и эфемерность. Модный силуэт, создающий такой образ, состоял из непомерно утянутой корсетом "осиной" талии; широких бедер; расклешенной колоколообразной, похожей на цветок юбки, которая заканчивалась треном (шлейфом), создававшим иллюзию "пены волн", из которых выходит это прекрасное неземное создание.

По сохранившимся платьям этого периода мы знаем, что талия утягивалась до нечеловеческих объемов в 42 - 45 см, таким образом, чтобы женщины могли сравнивать объемы своих талий с объемами шей своих поклонников.

Эпоха 1900-х гг. была эпохой небольших женщин. В моде были женщины ростом 1,55 - 1,60 м, но очень пышногрудые. Поэтому в эти годы одежда стремилась к созданию иллюзии пышного бюста. Грудь поддерживалась корсетом и культивировалась. Россия 1900-х гг. была заполонена всевозможными рецептами увеличения бюста с помощью массажей, микстур, компрессов и т.п. В одежде бюст располагался единым пышным фронтом (разделение грудей появилось только с приходом лифчиков) и драпировали его, используя всевозможные рюши и подкладные ватные подушечки, добиваясь, чтобы грудь выглядела пышно и вызывающе красиво.

Женщина этой эпохи должна была быть "манкой", т.е. приманивать мужчину своими объемами, иметь узкие покатые плечи, но не должна была быть худой. Основным предназначением женщины в ту пору было материнство. В крестьянской среде было нормально иметь по 10 - 12 детей, а в городской - по 6 - 8. Поэтому народонаселение России было высоким и составляло к 1917 г. 150 млн. человек, т.е. больше чем сегодня, к 2007-му году.
Русские женщины той поры никогда не загорали, загар считался признаком простолюдинок, крестьянок, работающих в поле. В соответствии с французскими модными канонами женщины пудрились светлой рисовой пудрой, стремясь к эффекту болезненно-бледного вида, но сохраняли при этом пикантные формы. Это была эпоха длинных волос. В моде были рыжеватые шатенки с длинными блестящими волосами, которые укладывались в сложные японообразные прически.

И крой платья благодаря форме рукавов и корсажей, и форма шляп этой поры говорили всегда о природе, а не о геометрии. Мода этого периода не любила прямых линий, углов, прямых окончаний. Актуальны были формы, напоминающие цветок или крылья насекомых - они прослеживаются и в форме рукава, и в формах головных уборов, и т.д. Женский силуэт удлинялся треном, поэтому женщина, несмотря на свой небольшой рост, выглядела выше, чем она была на самом деле, особенно сзади; а подчеркнуто узкая талия создавала элегантный, невесомый силуэт, подчеркивавший грудь, бедра и воздушное сложение женщины в целом.

Россия этих лет могла похвастаться обилием модных домов, ателье и мастерских. Только в Петербурге в 1900-е гг. действовало более 120-ти модных домов и ателье. В постреволюционные годы в Петербурге работало 2 дома моды - №1 и №2. Именно петербургские модные дома были главными в России, поскольку Петербург был столицей, и вся культурная и светская жизнь России была сосредоточена там. Москва была второй столицей и таким количеством модных домов похвастаться не могла. Самым знаменитым модным домом в Петербурге был Дом Бризак, в котором работало 60 портних. Хозяева этого дома, будучи по происхождению французами, сделали Россию своей второй родиной и открыли этот дом в 1855 г., на два года раньше, чем Ворт открыл свой дом в Париже. Дом Бризак был закрыт декретом Ленина 1918 г., а его "меховой резерв" был национализирован.

Санкт-Петербург, около 1903 г. Знаменитая певица Анастасия Вяльцева в роскошном концертном платье Дома Бризак из шелка. Платье отделано шитьем, по которому апплицированы черные ласточки; на плечах - боа из страусовых перьев.

На сегодня в России сохранилось не более пяти изделий Дома Бризак. Одно из платьев Дома Бризак находится в собрании Музея истории и реконструкции Москвы. В России нет музея моды. Отдельные коллекции костюмов имеются в Эрмитаже, Историческом музее, Музеях Царского села, Музее истории и реконструкции Москвы и некоторых других собраниях. В большинстве случаев эти коллекции не имеют постоянной экспозиции и недоступны для изучения. Ни один из вышеназванных музеев не ведет закупок, коллекции костюма пополняются только за счет даров.

Дома от кутюр в России отличала их элитарность. Например, петербургский Дом Бризак являлся Поставщиком Двора и работал исключительно для придворных нужд, т.е. клиентками этого дома были императрица, ее дочери - великие княжны, великие княгини - сестры и жены великих князей и фрейлины Двора. По высочайшему повелению императрицы Дом Бризак мог обслуживать двух клиенток, не принадлежащих ко двору - любимых публикой артисток Анну Павлову и Анастасию Вяльцеву.

Еще одним большим петербургским модным домом 1900-х гг. был Дом Гиндус, который в эпоху революции разделил судьбу Дома Бризак и канул в Лету. Третьи крупным домом моды был Дом Ольги Бульденковой, которая тоже была Поставщицей Двора, т.е. делала придворные платья. Это были особые форменные платья, которые не подвергались модным течениям, а были регламентированы Уставом Двора, утвержденным специальным императорским указом еще в 1830-е гг.

Кроме крупных домов моды работало более сотни мелких домов моды и ателье, которые как выполняли индивидуальные заказы, так и выпускали серийные коллекции. Таким образом, русская мода 1900-х гг. имела как индивидуального, так и массового потребителя, хотя показов ни один из русских домов не проводил.

Первый показ мод состоялся в Петербурге в 1916 г. Однако, в 1911 г. в Петербург привозил свою коллекцию Поль Пуаре. Разница между этими событиями в том, что в 1916 г. показывались русские модели на русских манекенщицах, а в 1911 г. Пуаре показывал на французских манекенщицах французские модели. Следующий показ моды в советское время произошел только в 1959 г., когда в СССР приехал Дом Кристиана Диора.

Самой знаменитой московской создательницей моды была Надежда Петровна Ламанова. Она происходила из дворянского рода Нижегородской губернии, портновскому мастерству обучалась в Париже, а уже в 1880 г. открыла свое производство в Москве. Ее творчество быстро завоевало признание, и она получила звание Поставщицы Двора Ее Императорского Величества. Императрица, таким образом, одевалась у Ворта в Париже, у Бризака в Петербурге и у Ламановой в Москве.

Портрет работы В.Серова. 1911 г. Надежда Петровна Ламанова.

Ламанова знаменита, в частности, своими костюмами, выполненными в 1903 г. для "Русского бала" в Зимнем дворце. Также она много работала с Художественным театром по приглашению Станиславского, ею создавались костюмы для Книппер-Чеховой, Германовой, Андреевой и ко многим спектаклям Художественного театра. Работать Ламанова предпочитала в технике наколки, или муляжным способом, когда ткань накалывается на манекен булавками, без использования плоской выкройки. Метод наколки считается вершиной портновского мастерства, и все модели от кутюр и сейчас выполняются в этой технике.

Судьба Ламановой после революции была печальна. Она была единственной из российских модельеров, не эмигрировавшей за границу - не только потому, что ко времени революции ей было уже 60 лет. Ее муж, крупнейший русский бизнесмен и благотворитель Каютов, был арестован большевиками в числе первых, и Ламанова надеялась, что ей удастся добиться его освобождения. Этим надеждам не суждено было сбыться, Каютов был уничтожен, и сама Ламанова была в 1918 г. арестована и посажена в Бутырскую тюрьму за то, что шила наряды для самой императрицы. Через несколько месяцев она была освобождена по ходатайствам Горького и Станиславского, и приказом Луначарского назначена руководить ателье по пошиву "новой советской одежды".

В 1925 г. модели Ламановой в народном стиле из полотенец и рушников (поскольку настоящих тканей в этот период в России не было) получили Гран-при Советского павильона на Всемирной выставке. Умерла Надежда Петровна Ламанова в 1941 г. от разрыва сердца на лавочке перед Большим театром.
Ламанова является основоположницей советского дизайна и конструирования, как единственный профессиональный модельер, оставшийся в стране после революции.

Работа Н.Ламановой. Строгое визитное платье бежевого цвета - наиболее ранняя работа Ламановой из хранящихся в Эрмитаже.

Русская мода 1900-х гг. тяготела к использованию отечественных материалов. В первую очередь, это касалось кружева. 1900-е гг. - эпоха большого интереса к псевдо-русскому стилю в архитектуре, мебели, живописи и, конечно, в одежде. Поэтому вологодское, елецкое, михайловское и другие льняные кружева народной работы были очень популярны и востребованы.

Кружево, изобретенное на рубеже XV - XVI вв. итальянцами, в Россию пришло из Западной Европы на рубеже XVII - XVIII вв. Тем не менее, те формы кружева, которые сохранились у нас, считаются национальными.

Яркой отличительной чертой отечественного вкуса является любовь к декору. Именно поэтому все вещи русской работы более многословны и многодельны, чем вещи, которые делались на Западе. Большинство вещей русской работы 1900-х гг. богато отделаны вышивкой (как крестиком, так и гладью), лентами, аппликациями и т.п.

Кроме отечественного, Россия была крупным потребителем европейского, в частности, брюссельского и фламандского кружева, которое закупалось в Европе. Благодаря сохранившимся таможенным ежегодникам, в которых содержалась информация обо всех ввезенных и вывезенных через границу товарах, нам известно, например, что в период 1900-х гг. в Россию было ввезено около 500 тонн страусового пера для отделки туалетов. Этот факт служит наглядной демонстрацией того, что русскому вкусу всегда было свойственно тяготение к богатству декора. Детали, аксессуары и отделка всегда играли для русской женщины огромную роль.

Русские женщины всегда были любительницами и большими потребителями украшений - как настоящих жемчугов, бриллиантов и ювелирных камней, так и бижутерии, их имитирующей. В России той поры работало огромное количество ювелиров, кроме того, пользовались спросом и привозные заграничные ювелирные изделия. Очень большое количество вещей ввозилось через западные рубежи империи - Варшаву, Ригу, Гельсингфорс.

Брошь в виде пчелы. Серебро, золото, алмазы, бриллианты, рубины, жемчуг, эмаль. Фирма Болина. Россия, Москва, 1908-1917.

Ювелирное искусство в России той поры было очень развито. Выпускались как относительно недорогие серийные вещи массового производства, так и очень дорогие украшения индивидуальной работы из золота, платины, а для более скромных потребителей - из серебра. Серебряные украшения считались совсем непритязательными, золото было нескольких отличающихся по составу сортов, наиболее популярным из которых было червонное золото розоватого оттенка. Украшения этого периода фигуративны, т.е. представляют собой конкретную ветку, цветок, бабочку, жука, паучка, и т.п.

Излюбленным мотивом украшений была летучая мышь, тема которой была, вообще, очень популярна в эту эпоху в России. Так, например, в 1910-е гг. в Москве работало знаменитое кабаре Никиты Балеева "Летучая мышь". Именно в ювелирных изделиях очень полно воплотился господствовавший в тот период стиль модерн. Ярким представителем стиля модерн был литовский художник и композитор Чюрленис. Цветовая гамма живописи стиля модерн тяготела к зеленовато-голубовато-серым тонам, что оказало влияние и на ювелирные украшения.

Микалоюс Константинас Чюрлёнис, 1909 год. "Сказка о королях".

В России традиционно любили и цветные камни - например, уральские самоцветы пользовались популярностью и в эту эпоху.

К 1910-му г. формы украшений постепенно становились более геометричными, появились бессюжетные брошки с аквамаринами, аметистами, александритами и т.д.

Именно Россия дала миру знаменитого ювелира Карла Фаберже. Расцвет стиля Фаберже приходится как раз на эпоху 1900-х гг. Основана фирма Фаберже была в Петербурге в середине XIX в., но пользоваться успехом и популярностью их изделия стали несколько позже, после того, как фирма стала изготавливать подарочные пасхальные яйца для императорской семьи.

Фирма Карла Фаберже. Пасхальные подарочные яйца.

Творчество Фаберже уникально тем, что они разрабатывали русскую тему, используя для этого как отечественные самоцветы, так и привозные камни. Тема яйца была впервые использована в ювелирном искусстве именно Фаберже.

В отличие от Европы, предпочитавшей блеклые, приглушенные тона в одежде, в России были популярны насыщенные, глубокие тона малинового, лилового, всех оттенков красного… Эта особенность русского вкуса продиктована, прежде всего, климатом и географией нашей страны. На фоне долгой мрачной зимы и неброской русской природы, мы всегда будем любить яркие цвета и богатый декор, восполняя таким образом недостаток солнца и яркости красок окружающего мира. Именно поэтому на отечественной почве плохо приживаются идеи минимализма - не только в одежде, но и в архитектуре и других видах визуальных искусств.

Фото 1910 год. Девушка в корсетном платье с декором в виде вышивки.

Одевались "богато" в России как в столицах, так и в провинциальных городах. Центрами провинциальной моды становились крупные промышленные центры - славились модницы Киева, Харькова, Одессы, Риги, Вильно, Казани, Самары… В этих городах было не только множество модных ателье, но и шляпниц, обувных производств, ювелиров…

Россия в эти годы была крупнейшим поставщиком текстиля в азиатские страны - русские ситцы продавались в Оттоманскую империю (Турцию), Иран и Китай. На весь мир славились ткани Трехгорной мануфактуры, Прохоровских мануфактур, фабрики Цинделя и многих других. Набивные ткани этих производителей шли как на экспорт, так и на внутренний рынок. В период 1900-х гг. в набойках тканей использовались мотивы господствовавшего тогда стиля модерн - ирисы, маки, анютины глазки, шиповник.

Русские изделия той поры отличает многодельность и большое количество ручной работы. Швейные машинки были завезены в Россию в 1855-м г. фирмой Зингер и широко использовались даже в деревнях, но ручной декор непременно сопутствовал созданию всякого предмета одежды.

В ту эпоху женщине выйти на улицу без головного убора было совершенно невозможно. Шляпа была главным аксессуаром русской модницы той поры, как, впрочем, и европейской. Любимым декором шляп были перья - поэтому они импортировались в таком огромном количестве, о чем было сказано выше. Главным требованием к шляпке той поры было то, чтобы она едва касалась прически, и было совершенно незаметно, как она прикреплена. Декор также стремился к достижению эффекта невесомости - птичка на шляпке должна была выглядеть так, будто она сию минуту готова вспорхнуть и улететь.

Конец 1900-х гг. Девушка в зимнем туалете, с собольей муфтой и в широкой фетровой шляпе, отделанной шелком и крыльями птицы, на плечах - горжетка из гагачьего пера.

Наиболее высоко ценились перья страуса, цапли и райской птицы. Шляпа с декором из таких перьев стоила очень дорого, что далеко не все могли себе позволить, поэтому в ход шли и перья отечественных птиц - чайка, орел, куропатка, лесные и даже домашние птицы.

Еще одним способом обзавестись шляпкой подешевле была ее покупка с рук на блошином рынке. Купленные там вещи - не только шляпки, но и платья - перешивались, перекрашивались и отделывались так, чтобы соответствовать своей новой хозяйке. Одним из популярнейших блошиных рынков в Москве был Сухаревский, куда свозились бывшие в употреблении вещи из богатых домов. Размер шляпы имел в 1900-е гг. очень сильную тенденцию к увеличению, а силуэт представлял собой шляпу с очень широкими асимметрично изогнутыми полями. Для удержания этой формы в шляпу помещался проволочный каркас. К концу 1900-х гг. шляпы стали настолько огромными, что превратились в мишень для карикатуристов; они напоминали огромные бельевые корзины, наполненные перьями.

Шляпные мастерские того времени работали по принципу ремесленной школы - владелица такой мастерской брала в обучение с проживанием девочек из малообеспеченных городских и деревенских семей. Постепенно они осваивали все технологические операции и секреты этого ремесла, начиная, конечно, с самых простых. В результате знаменитыми шляпницами становились самые талантливые и одаренные из мастериц, а все остальные, не блиставшие особыми способностями, были, тем не менее, грамотными специалистами, профессионально владевшими своим ремеслом.

Открытка начала XX века. Сухаревский рынок. Вид на Сухареву башню.

Количество шляпных ателье в столичных и провинциальных городах просто не поддается учету - их было великое множество. Некоторые из них были особо именитыми и славились по всей России, например, шляпное ателье "Вандраг", которое находилось в Москве, на Петровке.

Конец XIX - начало XX века. Лорнет. Серебро с нечеткими клеймами, бирюза. Западная Европа.

Другим характерным аксессуаром дамы того времени был лорнет - очки тогда считались принадлежностью "синих чулок" и им подобных эмансипе. Зонтик от солнца - также непременный дамский аксессуар того времени, предохранявший его владелицу от загара, ибо, как уже говорилось выше, непременным требованием к внешности тогда была "аристократическая бледность". Наиболее выдающиеся экземпляры таких зонтиков представляли собой настоящее произведение декоративно-прикладного искусства, отделывались вышивкой и кружевом, имели драгоценные ручки. Лучшие магазины зонтиков были на Невском проспекте в Петербурге и на Кузнецком мосту в Москве.

Все дамы в 1900-е гг. пользовались веерами. Это было обусловлено вполне прозаическими причинами - освещение было свечным или масляным, соответственно, чем ярче было освещено помещение, тем в нем было жарче. С массовым переходом на электрическое освещение необходимость в веере отпала, и он навсегда ушел из модного обихода в 1910-е гг. Декор вееров выполнялся в стилистике модерна, характерными их чертами были неровный край и излюбленные цветочные мотивы модерна - маки, ирисы и т.п. После Русско-японской войны 1905 г. в большую моду в России вошло все японское, соответственно, и веера стали часто декорироваться в японском стиле.

Очень популярны были перьевые веера - от самых недорогих, из петуха, которые носили горничные, до роскошных, из страуса. Страусиные веера изготавливались на драгоценном черепаховом каркасе и отделывались бриллиантовым шифром с монограммой владелицы. Все дворянские семьи в России имели свой герб и корону, которые охотно использовался в декоре различных аксессуаров - дамских сумочек, портмоне, вееров, печаток и перстней.

Русская обувь этого времени была, в основном, отечественной. Крупными обувными центрами были Москва, Петербург и Казань. Для дизайна обуви этого периода был характерен французский каблук, или каблук-рюмочка и заостренный нос. Как и у всех остальных составляющих модного туалета, особым характерным признаком русской обуви была богатая отделка бисером, вышивкой, жемчугом и т.п. Вышивка золотом по коже была очень трудоемкой, требовала значительных физических усилий, поэтому ее выполняли мужчины.

В 1900-е гг. в России была широко распространена торговля по почте, чем с удовольствием пользовались жительницы удаленных от столиц городов. Высылая денежный перевод и описание параметров покупки, они заказывали и получали по почте корсеты, зонтики, шляпки, туфли и многие другие необходимые модные предметы. Таким образом столичные моды практически немедленно достигали самых дальних окраин империи - Дальнего Востока, Сибири, Средней Азии и т.п.
Скорейшему распространению модных тенденций и новинок способствовало и то, что в России 1900-х гг. издавалось более десяти отечественных журналов мод - "Дамский мир", "Парижские моды для русских читателей", "Современная женщина" и др. В этих журналах содержались не только последние модели одежды, но и советы по приобретению модных аксессуаров, выкройки, рисунки вышивок и т.п. В 1910-х гг. появились первые цветные журналы, а в 1900-х они все были черно-белыми. Помимо отечественных, в России продавались и все иностранные модные журналы.

Модница 1900-х гг. могла переодеваться до шести раз за день - начинался день с пеньюара, затем наступал черед домашнего платья, после чего прогулочного, затем визитного, чайного, обеденного, и, наконец, бального или театрального - в зависимости от планов на вечер. Фактически все время светской женщины было посвящено смене туалетов и украшению себя. Разумеется, это предполагало не только пользование услугами модисток, шляпниц и т.п., но и наличие штата прислуги, в т.ч. домашних прачек и гладильщиц.

В каждом доме не только богатом, но даже и среднего достатка, обязательно была хотя бы одна прачка, которая стирала и крахмалила все - от белья до дневных платьев, а также детское и мужское; и другая, которая все это гладила. Для кухонных забот существовала кухарка, для остальных домашних работ - горничная. Воспитание детей было поручено сначала няне, а затем гувернантке и домашним учителям.

В 1900-е гг. в России было принято подолгу носить траур. По смерти близкого родственника - супруга, родителя, брата - траур носился в течение года. Поэтому существовала определенная мода на черные, траурные детали, аксессуары, платья. Траур подразделялся на полный, глубокий траур, который носился год; полутраур, соблюдавшийся полгода; и четвертичный траур, во время которого допускалось вместо черного носить серое и лиловое. Четвертичный траур соблюдался по родственнику не очень близкому, например, кузену или племяннику. Но вдова, в соответствии с правилами приличия, должна была относить черное в течение года без малейших послаблений.
Ювелирные украшения тоже делились на обыденные и траурные. Бриллианты во время траура носить не полагалось, траурными считались черные украшения из каменного угля и весьма популярные в то время плетеные украшения из волос.

Находившаяся на экономическом подъеме, богатая Россия 1900-х была очень привлекательна для всевозможных западных звезд, которые охотно приезжали сюда на гастроли. Блестящие европейские красавицы, актрисы и певицы, привозили с собой европейские модные тенденции, западные представления о красоте и образе жизни.
Одной из таких блистательных дам, востребованных в 1900-е гг., была итальянская певица, сопрано Лина Кавальери. Она часто и охотно приезжала с гастролями в Петербург, где пользовалась большим успехом и получала богатые подарки. Ее роскошные туалеты и драгоценности всегда служили темой для обсуждения в прессе.

Лина Кавальери

Другой знаменитой красавицей того времени, которая охотно посещала Россию с выступлениями, была бельгийская балерина Клео де Мерод. Она оставила книгу воспоминаний в которой, в частности, отмечает, что объездив с гастролями весь мир, она нигде не видела такой роскошной публики, как в Петербурге. Зрительный зал блистал бриллиантами, мехами и золотыми эполетами, и ни в одной стране мира ей не оказывался прием богаче, чем в России.

Клеопатра (Клео) Диана де Mерод

Еще одной всегда желанной и очень популярной в России заграничной красавицей была испанская танцовщица Каролина Отеро. В 2006 вышла ее биография на русском языке - книга Кармен Посадас "Прекрасная Отеро".
В те времена очень распространенной формой концертов были бенефисы - т.е. такие выступления, когда весь сбор от зала получала бенефициантка, а зрители подносили ей подарки. Такие подарки могли делаться как частными лицами, так и от имени тех или иных объединений или организаций, например, Купеческого собрания, Организации промышленников и т.п. Под подарками тогда понимались только и исключительно драгоценности, т.е. бриллианты.

Каролина Августа Отеро

Знаменитой русской звездой того времени была исполнительница романсов Анастасия Вяльцева. Она считалась одной из самых богатых женщин в России, например, у нее был собственный железнодорожный вагон, оборудованный со всем возможным комфортом и роскошью, в котором она ездила по стране с выступлениями. Общества городов, которые она посещала с выступлениями, соревновались друг с другом в богатстве и роскоши преподносимых ей подарков. Так, во время гастролей в Харбине, местным Купеческим собранием Вяльцевой был преподнесен страусовый веер, к каждому перу которого была приколота бриллиантовая брошь.

Анастасия Вяльцева

Модной красавицей была и балерина Матильда Кшесинская, любовница будущего императора Николая II. Эта дама отличалась большим умом и сильным характером, благодаря чему имела заметное влияние не только на модные тенденции, но и на ход политических событий своего времени.

Матильда Феликсовна Кшесинская

Модным в России и в Европе того времени украшением был эсклаваж - украшение, которое носилось на бархатной ленте на шее. Для тех, кто не мог себе позволить настоящих драгоценностей, выпускались их имитации. Искусственный жемчуг, который делался из воска, покрытого эмалью, пользовался широкой популярностью, как и стразы, т.е. имитация бриллиантов.

Вызывающая и выставляемая напоказ роскошь этих дам полусвета служила предметом обсуждения в прессе и в обществе. Их туалеты и драгоценности стоили целые состояния, и основная масса населения, даже и принадлежащая к зажиточным слоям, конечно же, не могла себе этого позволить. На многочисленных фото того времени, сохранившихся в архивах и частных собраниях, перед нами предстают обыватели, одетые гораздо проще, чем эти шикарные женщины - очень добротно, но не слишком модно. Немалую роль в этом играло и православие - господствующая в России религия. В соответствии с православными представлениями о морали женщинам не пристало носить вещи слишком открытые, например, очень декольтированные платья, и вообще выставлять напоказ свою фигуру.
Обыватели вели скромный и экономный образ жизни. Обывательница, в отличие от светской дамы, переодевалась в течение дня не шесть раз, а только два. Платья часто обновлялись, перешивались и перекралшивались из старых; но в общих чертах следовали основным тенденциям моды того времени.

Очень большое влияние на мировую и отечественную моду оказал транспорт. В частности, бурное развитие железных дорог, появление и развитие автомобилей и первых самолетов заставило женщин по-новому взглянуть на свой гардероб и выявило непрактичность одежды 1900-х гг. - длину и ширину платьев, узость корсета, излишний декор.
Первые автомобили, как и первые самолеты, не имели крыш, они были открытыми, поэтому огромные широкополые шляпы стремились улететь, как только автомобиль набирал скорость. Это обусловило появление тенденции к переходу на более компактные головные уборы, прочнее державшиеся на голове. В моду стали входить шарфы, которыми можно было привязать головной убор. Появляются коллекции дорожных костюмов, костюмы для путешествий и первые английские костюмы. Такие костюмы состояли из юбки с жакетом и блузки, что было более практично и давало женщинам большую свободу движения и удобство. Появляются коллекции пальто и пыльников, которые назывались словом сак, что значит мешок. Таким образом, к 1910-му г становится очевидной тенденция к большему практицизму в одежде.

Влияли на пути развития моды и достижения науки того времени. Так, в конце 1890-х гг. немецкий доктор Рентген изобрел хорошо знакомый нам сегодня аппарат, названный его именем, который позволял просветить человеческий организм. И одним из первых рентгеновских снимков стал снимок женщины в корсете, который позволил врачам с ужасом констатировать, как сильно сжимает и деформирует внутренние органы жесткий и очень узкий корсет 1900-х гг. Именно врачи первыми подняли свой голос, выступив с протестом против жесткого утягивающего корсета. Под влиянием этих данных стали появляться предложения о реформе женского туалета, в частности, об изменении форм белья в направлении более широкого корсета с завышенной талией, который не стягивал бы внутренние органы настолько сильно.

Французский модельер Поль Пуаре уже в 1905 г. предлагал модели без корсета. Эти модели не имели большого успеха, но тем не менее, к 1910-му г. отчетливо проявилась тенденция к поднятию талии, освобождавшая от принятого ранее максимально сильного утягивания.
Одной из главных модных тенденций конца 1900-х гг. был покрой блузок с напуском на талии, который назывался "голубиная грудка". Эта форма позволяла женщинам шнуроваться немного меньше и слегка маскировала талию.

Революция 1905 г. в России стала началом женской эмансипации. Женщина начинает критически оценивать отведенное ей в обществе место. На волне этих настроений хорошо воспринимается идущая из Европы тенденция к упрощению кроя и отделок, и в моду начинает вторгаться прямая линия. Подкреплялась эта тенденция и повсеместным распространением швейных машинок, которые в ту пору были только прямострочными. Мода становится как более практичной, так и более демократичной.
Однако ручная работа не утрачивает своей популярности и в этот период. Мастерские при многих монастырях специализируются на уникальной отделке белья и верхней одежды.

В этот период в России были крупные производители белья, имевшие хорошие продажи. В частности, в Москве одной из самых знаменитых фирм по производству белья была фирма "Братья Альшванг", чье белье высоко ценилось и отличалось отменным качеством. Белье разделялось по ассортименту изделий, их цене и качеству. Были отдельные мастерицы-корсетницы; те, которые шили только панталоны или лифчики под корсет, ночные рубашки или нижние юбки. Женское белье в России, как и во всем мире, было в 1900-е гг. очень объемным, а его отделка варьировалась в зависимости от покупательной способности клиентки.

Цветное белье носили только публичные женщины, приличные женщины носили белье исключительно белое и чулки белые, черные или розовые. Женщины-ученые носили синие чулки, благодаря чему и появилось известное идиоматическое выражение. Телесного цвета в белье не существовало до начала 1920-х гг. Все чулки были длиной до колена, как современные гольфы, и носились на подвязках, крепивших их под коленом. Сверху носились закрывающие колено панталоны, пышные и отделанные шитьем. Панталоны делились на закрытые и открытые, т.е. не сшитые по центральному шву, что позволяло отправлять естественные потребности, не снимая весь костюм.

Поверх панталонов носились нижние юбки - хлопчатобумажная и шелковая, из тафты специального сорта, которая придавала туалету шуршание. Считалось, что по-настоящему шикарное платье должно шуршать, издавая характерный звук "фру-фру" - упоминание об этом можно встретить, например, у Толстого в "Анне Карениной". Хлопчатобумажные нижние юбки были белыми, а шелковая должна была быть в тон ткани платья, потому что ее было видно из-под подола.

Корсеты делились на повседневные и праздничные. Зашнуровать корсет самостоятельно было невозможно, для этого необходима была помощь горничной. Или мужчины…

Поскольку образ женщины постоянно сравнивался с неким неземным воздушным существом, в этот период женщины носили только длинные волосы - никакие стрижки категорически не допускались. Первые короткие стрижки появились в 1914 г., с началом первой мировой войны. В моде были шатенки с рыжеватым отливом. Волосы всегда причесывали, распущенные волосы допускались только на сцене или в постели. Прическа этой поры представляла собой очень объемный валик, который поддерживался специальной бананообразной конструкцией из конского волоса - эта конструкция крепилась под собственные волосы, а поверх нее делался начес. Эта прическа напоминала прическу гейши, она появилась под влиянием пришедшего в 1890-е гг. японизма и продержалась в моде довольно долго. Активно использовались всевозможные заколки и гребни из черепахи или роговые, часто украшенные камнями или стразами. Волосы не принято было мыть слишком часто, в воспоминаниях современников можно встретить упоминания о перхоти на плечах дам той поры.

Домашние ванны были большой редкостью - в основном все ходили мыться в бани. Большого разнообразия моющих средств не было. Шампуни, которые тогда называли шампонями, были яичные, хвойные и крапивные и продавались в аптеках.

В макияже допускались только очень светлая пудра, блеск для губ и румяна - помада и тени не применялись, как и подводка глаз, которой пользовались только артистки. Женщина в гриме выглядела подозрительно. Ногти полировали, добиваясь, чтобы они блестели и имели естественный бледно-розовый цвет, цветные лаки для ногтей не применялись.

В России было несколько знаменитых парфюмерных фирм, таких как фабрика Брокар (теперь она называется Новая Заря), поставщик двора; фабрика Остроумова; фабрика Ралле и др. Исторически сложилось так, что находились они не в Петербурге, а в Москве. Многие из них были открыты еще 1850-60-е гг. и зачастую были основаны выходцами из Франции после наполеоновского нашествия. Они выпускали мыло, одеколоны, пудры, шампони, духи, кремы, помады и румяна. Все эти фирмы участвовали во Всемирной выставке в Париже в 1900-м г. и были отмечены дипломами, а духи фабрики Брокар и фабрики Рале получили золотые медали. О высоком уровне парфюмерного дела в России того времени говорит, в частности, такой факт - автор всемирно известных духов "Шанель №5" Эрнст Бо был до революции парфюмером на фабрике Рале в Москве.

Генрих Брокар

В 1900-е гг. в моде были цветочные духи, наиболее популярными были ароматы Сирень, Ландыш, Роза, Жасмин. Знаменитые "советские" духи "Красная Москва" были созданы в 1913 г. и назывались "Букет Императрицы". Вся косметика в России была отечественного производства.

Мужская мода рассматриваемого периода не отличалась разнообразием и подчинялась строгому регламенту как в России, так и в Англии или во Франции. Например, вечерний мужской костюм всегда состоял из черного фрака, белого крахмального жилета, белой крахмальной сорочки и белой бабочки. Для менее торжественных случаев жилетка могла быть и черной, но бабочка всегда бывала белой.
В 1910-е гг. в России входят в обиход пришедшие из Англии смокинги, носить которые полагалось с черной бабочкой.

Самой же распространенной мужской одеждой этого времени была визитка - черный жакет со скошенными полами и брюки серые в черную полоску. Кроме того, носили костюмы-тройки - шерстяные, летом - льняные, а в очень жаркую погоду - из шелка-чесучи. Шерстяные костюмы могли быть коричневыми, черными или серыми, а летние - бежевыми, белыми или светло-серыми.
Все рубашки в Росси и в Европе имели крахмальные воротник и манжеты, которые были отдельными от собственно рубашки, пристегивались к ней и отдельно стирались и крахмалились.

Отличительной чертой русского мужского стиля была мода на косоворотки, которые носили свободомысляще настроенные мещане и разночинцы. Косоворотки были льняными, ситцевыми и шелковыми. Летним головным убором была шляпа-канотье, зимой носили "боярские" шапки и т.н. "пирожки" из каракуля или бобра. Мужчины носили меховые шубы крытые сукном, с бобровым или каракулевым воротником.

Императрица Александра Федоровна и цесаревич Алексей в матросском костюме, 1910-е гг.

Детский костюм разделялся на европейский и русский. Русский костюм состоял из сарафана, косоворотки, вышитых и стилизованных. Но самой популярной одеждой мальчиков и девочек в эти годы были матросские костюмчики . Платья девочек были очень короткими, открывающими колени, линия талии у них располагалась низко на бедрах, предвосхищая моду 1920-х гг. на заниженную талию.
Мальчиков принято было коротко стричь; а девочкам завивать локоны , которые носились распущенными и украшались большими бантами - косичек в то время не заплетали.
Детские шубки шились, как правило, из светлых мехов, в отличие от взрослых, темных.

В искусстве 1910-х гг. в России происходит настоящий прорыв. Русские художники-футуристы и абстракционисты покорили мир новыми формами. Такие творцы новых форм и нового видения цвета, как Кандинский, Малевич, Ларионов, Гончарова очень сильно повлияли на всю мировую живопись и на моду.

автор текста: Вера Папкова для портала Осинка.ру
Примечание. При подготовке материала использованы лекции по истории моды Александра Васильева с его любезного разрешения

После революции, в то время как отечественные модницы перешивали одежду из всего, что имело текстильную основу, на Западе начинался бум на русскую моду. Это было связано с массовой русской эмиграцией, которая принесла на Запад свои традиции, элементы костюма и мастерство их изготовления. Любопытный факт: благодаря русским красавицам в 1920-х годах профессия манекенщицы становится модной и престижной, хотя до этого считалась занятием сомнительным, едва ли не неприличным. Обо всех переменах в моде - в продолжении нашего рассказа о русской моде XX века!

Русская мода ХХ века: 1910-1930 годы

После революции 1917 г. и по окончании Гражданской войны были предприняты многочисленные попытки создания советского стиля в моде. В частности, в 1919 г. в Москве, новой столице Советской России, были созданы мастерские так называемой прозодежды, т.е. одежды для производства и повседневной носки. Что такое советский стиль и как именно должна выглядеть одежда нового советского человека, никто толком не знал.

Основной проект сводился к идее переодевания всего населения страны в униформу, состоящую из жакета и прямой юбки для женщин и брюк и жакета для мужчин. Этот вариант серьезно обсуждался, и в 1921 г. даже была попытка его осуществления, но воплощению его в жизнь помешало то обстоятельство, что на складах не обнаружилось необходимого для переодевания всей страны количества темно-синей ткани.

Петроград, 1918 г. Чета революционеров в верхней одежде. Супруга в черной кожанке, ее муж в двубортном шерстяном пальто и фуражке.

После 1949 г. в дружественном Китае подобный проект все-таки был воплощен в жизнь, поскольку ничто не могло наглядней продемонстрировать идею всеобщего равенства всех людей - равенства имущественного, социального, интеллектуального и любого другого.

С какими бы то ни было проявлениями индивидуализма советское правительство вело беспощадную борьбу. Однако во все времена оставались люди, стремившиеся выглядеть и одеваться красиво, и в качестве ориентира этим людям служил Запад. Поэтому кардинальных перемен в азиатскую сторону в этот период все же не произошло. Люди стремились следовать общемировым модным тенденциям, используя для этого доступные им подручные средства.

Фотография С.Кузнецова, Москва, 1927 г. Модница эпохи нэпа Галина Ростовцева в коротком летнем платье нового прямого силуэта.

В послереволюционные годы в России женщины практически не носили длинных волос - короткая стрижка стала символом новой России. Во-первых, это было обусловлено бытовыми трудностями времени, а, во-вторых, соответствовало общей модной тенденции - после окончания Первой мировой войны короткая стрижка навсегда утвердилась как полноправный элемент женского образа.

Поскольку средства для осветления волос стали широко доступны только после 1929 г., а природных блондинок было не слишком много, в моде были брюнетки. Даже натуральные блондинки красились в более темные цвета, используя хну и басму.

Серьезное влияние в послереволюционные годы имел новый взгляд на сексуальность и вопросы взаимоотношений полов. Советским правительством декларировался классовый подход к сексу, считалось, что секс должен иметь пролетарскую направленность. Характерной для этого времени является "Теория стакана воды", которую проповедовала Александра Коллонтай. Суть этой теории сводилась к тому, что любовь признавалась буржуазным пережитком, а сексуальный контакт между людьми объявлялся простой физиологической потребностью, для осуществления которой требуется не больше оснований, чем для того, чтобы выпить стакан воды.

Фото М.Сахарова, Москва, 1916 г. Балерина Большого театра и киноактриса Вера Каралли в пальто, стилизованном под военную форму.

Другим уникальным явлением, не имевшим аналогов в мире, было общество "Долой стыд", организованное в 1925 г. при содействии Наркома здравоохранения под эгидой доктора Семашко. Целью этого общества была борьба со стыдом, как с буржуазным предрассудком. Члены общества должны были ходить по улице голыми и участвовать в манифестациях под лозунгами "Долой стыд!" и "Стыд - это буржуазный предрассудок". До нас дошли свидетельства иностранцев, оказавшихся в этот период в России и шокированных подобным зрелищем, а также многочисленные кадры фото и кинохроники. Деятельность общества прекратилась естественным путем в связи с наступлением заморозков.

Главным признаком моды послереволюционных лет и отличием ее от моды царского времени является ее "самодельность". Если дореволюционная мода изготавливалась из хороших материалов, профессиональными портными, с использованием дорогой отделки; то "новая мода" вынуждена была обходиться подручными, порой самыми невероятными, материалами и непрофессиональным изготовлением.

Фото, 1924 г. Сестры Нина и Лена Кроль в домашних платьях, перешитых из рясы священника.

Например, в воспоминаниях известной писательницы того времени Надежды Тэффи можно прочесть о том, из чего женщины шили себе одежду - в ход шли портьеры и занавески, простыни и другое постельное и столовое белье, скатерти и покрывала. Очень популярен был полосатый матрасный тик, как впрочем, и любые другие ткани, использовавшиеся в домашнем обиходе.

Текстиль стал продаваться в свободной продаже только после 1936 г., к тому моменту, когда весь подручный материал был уже переработан населением, и не по одному разу. До этого момента текстиль нельзя было купить, его, как и многие другие необходимые вещи, можно было только обменять.

Фото. Реклама Ленинградского Торгсина, 1933 г.

С целью изымания у населения последних припрятанных ценностей были открыты так называемые "Торгсины" (Торговые синдикаты), где в обмен исключительно на драгоценные камни, золото, серебро и платину можно было получить различные товары повседневного спроса, такие как текстиль, детскую обувь, женское нижнее белье и т.п.

Чуть ли не единственной отдушиной для модниц того времени являлись шляпки. Поначалу они были подвергнуты остракизму, как явный признак буржуазности, и полностью вытеснены "пролетарскими" косынками; но после 1924 г., с приходом НЭПа, они вернулись, вновь обрели популярность и продержались в моде до 1928 г. Их изготовлением занимались шляпницы-профессионалки и полупрофессионалки, часто перешивая сохранившиеся головные уборы, покупая подручный фетр и используя всевозможные подручные материалы. Многие изготавливали вязаные или вышитые головные уборы, подражая западным модам.

Фотография Кадысона, 1916 г. Молодая дама в темном шерстяном пальто с матросским воротником из шитья. Шляпа-каска из соломки и шелка украшена аппликацией и вышивкой.

Главной тенденцией головных уборов того времени была высокая тулья, облегающая голову; маленькие поля или их отсутствие. Шляпы напоминают каску или колокол, они так и назывались - шляпа-клош, что значит колокол по-французски. В элементах декора головных уборов находили отклик темы индустриализации и конструктивистские мотивы - например, шляпка могла быть украшена крылом, намекающим на авиацию, и т.п. Такие конструктивистские мотивы были характерны и для западной моды этого периода.

Большую проблему в это тяжелое время представляли и меха, отказаться от которых полностью не позволял суровый российский климат. Помимо упоминавшихся уже кошек, стали использоваться дешевые меха - кролик, цигейка, битые молью меха "из прошлой жизни". Крашеный кролик - самый распространенный мех этого времени.

Парадокс времени заключается в том, что, пока в России мода целенаправленно искоренялась и была лишена всяких возможностей развития, весь мир в 1920-е гг. переживал бум русского стиля. Русский стиль бурно развивался, но шел не из России, а, наоборот, с Запада. В первую очередь это связано с массовой русской эмиграцией, которая принесла на Запад свои традиции, элементы костюма и мастерство их изготовления.

Уже после 1920-го г., на первой остановке русского беженства, в Константинополе, стали открываться профессиональные и полупрофессиональные ателье русской моды. Сохранились объявления того времени об открытии меховых ателье московских и петербургских меховщиков, шляпные мастерские и др. Открывались также т.н. "магазины взаимопомощи", т.е. комиссионные магазины.

Фото, Стамбул, середина 30-х годов. Реклама русского шляпного ателье "Мод Ольга" из турецкого журнала "Мода".

Появление русских женщин на Востоке произвело фурор, поскольку мусульманский Восток того времени прятал женщину под паранджой и чадрой. Русские женщины подарили Оттоманской империи моду на платья, короткие стрижки и открытое лицо. В эту же пору впервые распространилась мода на загар.

Загар как таковой, разумеется, не был русским изобретением. Однако именно благодаря нему появилась такая популярнейшая до сих пор во всем мире косметическая процедура, как пилинг. Московский косметолог Анна Пегова, прибыв в Константинополь, обгорела на солнце настолько сильно, что кожа сходила с ее лица пластами. Увидев, что это дает заметный омолаживающий эффект, она запатентовала способ пилинга и до сих пор пилинг является патентом Анны Пеговой.

Фото. Вена, 1924 г. Русские танцовщики-эмигранты в "Русской пляске" в костюмах работы Г. Пожедоева.

Эмигранты первой волны, для того чтобы заинтересовать общество своими изделиями, стали проводить выставки кустарного творчества. Женщины-эмигрантки делали всевозможные изделия - вышитые скатерти, рубахи, деревянные бусы, портсигары и многое другое, и продавали на таких выставках. Поскольку это были изделия высокого качества и отмеченные тонким вкусом, люди в Европе стали интересоваться русским стилем и изделиями русской работы.

Русские дамы, поселившиеся за границей, выбрали для себя сарафан, душегрею и кокошник в качестве парадной одежды для праздников и выходов, что, несомненно, также способствовало популяризации русского стиля.

Русский стиль в одежде выражался, в первую очередь, в косой застежке, а также в вышивках и отделках, имитировавших русский народный орнамент. Вообще русский костюм и, в особенности, головной убор в виде кокошника, вызывал большой интерес. 1920-е гг. стали триумфом головных уборов на основе кокошника. После 1920-го г. в моду входят головной убор ярко-красного цвета, напоминающий по форме кокошник; трикотаж с вышивкой или вывязанным жаккардом в стиле русского орнамента. Еще одной новинкой 1920-х гг. стали платья, расписанные анилиновыми красителями по шелку в стиле русского лубка. Вошедший в большую моду воротник-стойка так и назывался - "боярский воротник". В верхней одежде русский стиль проявился в популярности длинных объемных пальто, обильно декорированных мехом, вышивкой и т.п.

Фото. Париж, 1922 г. Зимние пальто в русском стиле домов "Уорт", "Шанель", "Женни". Рисунок из французского журнала "Искусство и мода".

На волне успеха русской темы в Европе стали открываться ателье и мастерские, работавшие исключительно в русском стиле, которые назывались увруарами (артелями) русских женщин. А после успеха этих ателье стали открываться и первые дома моды, работавшие только в русском фольклорном стиле. Например, дом русской моды "Поль Каре" открыла в Лондоне, а затем и в Париже княгиня Лобанова-Ростовская.

Русской прерогативой на Западе стала очень модная в тот период вышивка бисером. Крупнейшим домом русской моды, открывшимся в Париже, был дом "Итеб" - сегодня в том помещении, где располагался этот дом, находится известная косметическая фирма Л'Ореаль. Ирина и Феликс Юсуповы открыли в Париже модный дом "Ирфе". Дом русской вышивки "Китмир", славившийся высочайшим качеством работы, был основан княгиней Романовой, племянницей последнего российского императора. Например, все вещи Шанель в 1920-е гг. вышивались именно в доме "Китмир". Сейчас трудно подсчитать точно, сколько всего русских домов моды было открыто на Западе, но, например, только в Париже их было более 20-ти.

Фото. Париж, 1925 г. "Прелестные вышивки Китмира". Рисунок из журнала "Жардан де мод".

Говоря о русских дизайнерах, оказавших заметное влияние на эстетику этого времени, нельзя не упомянуть имени Сони Делоне. Будучи по происхождению еврейкой из Полтавы, она вышла замуж за французского художника Делоне, принадлежавшего к авангардному направлению. Во Франции Соня Делоне стала исключительно популярным иллюстратором моды и создателем дизайнов текстиля. Ей принадлежит заслуга разработки в текстиле абстрактно-конструктивистской темы, инспирированной творчеством Малевича и Кандинского.

Первым западным модельером после Поля Пуаре, ставшим использовать русскую тему в своем творчестве, была француженка Жанна Ланвен. В сезоне 1922 - 1923 гг. она создала коллекцию рубашек и блузок на русскую тему. Сам Поль Пуаре также продолжал разрабатывать русскую тему и в 1920-е гг. Влияния русского стиля не избежал и дом Ворта, основоположника высокой моды - в коллекциях этих лет, например, присутствуют головные уборы, совершенно явственно навеянные формой русского кокошника. Кокошники стали распространенным аксессуаром вечерних костюмов.

Стилизванный русский костюм часто выбирали себе эстрадные актрисы для выступлений. Успех русского стиля был настолько грандиозен, что даже английская королева Мэри выходила замуж в кокошнике и платье прямого покроя, т.к. эта тема "Царевна-лебедь" была очень актуальной.

США. 1925 г. Обложка журнала “Вог” с рекламой “оптического платья” от Сони Делоне.

В 1920-е г. происходит очень существенное для всего женского силуэта событие - в обиход входит лифчик. После того, как корсеты ушли в небытие вместе с Первой мировой войной, был непродолжительный период, когда грудь ничем не поддерживалась, который и окончился в 1920-е гг. распространением лифчиков.

Впервые лифчик был запатентован в 1903 г. под названием "бюстодержатель", но в тот момент не получил признания и распространения, поскольку тогда носили корсеты, и он попросту не был нужен. Впервые лифчики реально используются в 1910 г. в костюмах Бакста к постановке "Шехерезады".

Таким образом, лифчик является еще одним русским изобретением, которое стало неотъемлемой частью жизни во всех странах мира. Лифчики той поры были мягкими, они никогда не поднимали грудь, а только поддерживали ее. Тогда в моде была женская фигура без особо женственных форм. Пышная грудь не была актуальной, идеалом красоты того времени считалась женская фигура "ле гарсон", т.е. мальчикоподобная.

Фото, 1926 г. Модели дома "Итеб". Рисунки из журнала "Пари-элегант".

1920-е гг. были периодом очень большого успеха русских актрис в Голливуде - пока кино было немым, определяющими были внешние данные и актерский талант, а акцент не имел никакого значения.
Благодаря представительницам русской эмиграции в мире радикально изменилось представление о манекенщицах и та роль, которую они играют в мире моды и в обществе в целом. До этого момента быть манекенщицей считалось занятием сомнительным, едва ли не неприличным.

Русские эмигрантки, блестящие светские красавицы и представительницы аристократических семей, которые вынуждены были зарабатывать на жизнь, стали первыми топ-моделями домов Ланвен, Шанель, Пуаре и др. Публика была поражена их элегантностью, рафинированностью, знанием языков и аристократизмом. Они подняли представление о манекенщицах на совершенно новую высоту и сделали роль модели очень значительной, каковой она и продолжает оставаться по сей день.

Фото 1934 г. Нина Твердая, манекенщица дома "Арданс" и одна из финалисток конкурса "Мисс Россия" в 1930 г. в Париже, в черном платье из джерси.

Именно с 1920-х гг. быть моделью стало престижно и модно, и именно русские подарили миру эту профессию в ее современном качестве. Русские красавицы имели грандиозный успех в мире. Начиная с 1928-го года, в Париже был организован конкурс "Мисс Россия". В том же 1928 г. титул "Мисс Нью-Йорк" получила русская красавица Валентина Кашубо, бывшая дягилевская балерина. На конкурсах красоты, проходивших в эти годы в Берлине, Гамбурге, Лондоне и других городах, очень часто победительницами становились русские красавицы.

Стоит ли говорить, что в Советской России ни о каких подобных конкурсах не могло быть и речи? Идея женской красоты в этот период в России не только никак не культивировалась, но, напротив, всячески искоренялась.

В соответствии с господствовавшей тогда идеологией, женщина должна была восприниматься как боевой товарищ, коллега, соратник в борьбе за построение социализма.

Однако, определенные параллели между развитием русского стиля на Западе и в России все-таки можно провести. Они связаны с работой двух талантливых российских художниц Степановой и Поповой. Не имея, по понятным причинам, своего Дома моды, они реализовывали свой творческий потенциал в театральных костюмах и в эскизах для журналов. Хотя эти идеи не получили воплощения в материале, в их эскизах разрабатывается актуальная тогда для всего мира русская народная тема.

Фото. Москва, 1928г. Студенты Художественного училища 1905 года вместе с педагогом Е.Н.Якубом в повседневной одежде.

Одной из важных новинок в русской моде 1920-х гг. был спортивный конструктивизм. В этом направлении явно ощущалось влияние архитектуры конструктивизма, представленной в России творчеством Ле Корбюзье, Родченко, Татлина и др. Модным элементом костюма, выдержанном в этом направлении, был, например, купальный костюм.

В эпоху НЭПа в СССР очень активизировалось немое кино, и появились первые отечественные кинозвезды, ставшие всеобщими эталонами красоты - Ольга Жизнева, Вера Малиновская, Анель Судакевич, Анна Стен и др. Успех этих актрис был локален и не выходил за границы Советской России. В своем имидже и гриме они подражали западным, голливудским образцам.

Фото. Москва, 1926г. Советские актрисы в ролях нэпманш в нарядных костюмах.

Под влиянием НЭПа стали вновь открываться модные ателье. Наиболее распространенным видом их изделий были платья в стиле "чарльстон" с заниженной талией, отделанные вышивкой или аппликацией; возродилось множество шляпных мастерских.

Основной потребительницей моды того времени была нэпманша - обеспеченная женщина, не отягощенная излишним культурным багажом, но зачастую отягощенная лишним весом. И соответствующие черты не замедлили проявиться в самой моде - из нее исчезла грация. Все модели 1920-х гг. выглядят бесформенно и мешковато; низкая талия подчеркивает живот. Обращает на себя внимание простота обуви и причесок, отсутствие или минимальное количество аксессуаров.

Мужская мода в СССР имела еще меньше развития, чем женская. Мужчины, пришедшие к управлению страной после революции, в массе своей не были людьми культурными, не имели развитого эстетического чувства, не интересовались искусством и были начисто лишены вкуса к одежде. Что и было определяющим фактором, не позволявшим развиваться мужской моде. Достаточно вспомнить, что на всех многочисленных портретах Ленин, например, изображался в одном галстуке - синем в белую крапинку.

Фото слева. Ростов-на-Дону, 1921г. Молодой человек в пиджаке английского образца и в галифе.

Фото справа. Петроград, 1924г. Выпускница техникума Е.Васильева в летнем платье с заниженной талией.

В целом, одежда Ленина на фото и портретах представляет собой классическую мужскую одежду 1910-х гг. с одной только разницей - "буржуазный" котелок сменила "пролетарская" кепка. Интересно, что кепка сама по себе не была "пролетарским" изобретением - она пришла из американского городского костюма.

Редким примером небезразличия к одежде был поэт Маяковский, который одевался в заграничные, часто американские, костюмы и был секс-символом своего времени. Долгое время Маяковский был кумиром Ив Сен-Лорана - хотя они не были знакомы лично, но в доме Ив Сен-Лорана висел его портрет.

Культовым предметом нового советского времени стала кожаная куртка, неразрывно связанная, в частности, с образом чекиста и комиссара. Возникает вопрос - откуда в скудные первые годы советской власти могло взяться столько отменной кожи и кто так качественно отшил такое большое количество одинаковых курток? Разумеется, этого быть не могло.

Знаменитые кожаные куртки были отшиты еще до революции, во время Первой мировой войны для вновь организуемого авиационного батальона. В то время они так и не были востребованы, а потом случайно были обнаружены на складе и выданы чекистам и комиссарам в качестве униформы.

Фото. 1921г. Члены Комиссии по продразверстке в верхней одежде, реквизированной у "буржуев".

Похожа и история буденовки, которая тоже считается символом революции. Буденовка, имитировавшая шлем древнерусского воина, была нарисована художником Васнецовым в годы первой мировой войны как новая модель шлема для царской армии, тогда же они были отшиты и лежали на складах. Новым хозяевам страны оставалось только нашить на них красные (а иногда синие) звезды из подручных материалов.

На Западе мужская мода 1920-х гг. отличается от предыдущего десятилетия, главным образом, мягкостью материалов и линий, отказом от жестких подкладок. Мягкий воротник рубашки, часто вязаный галстук, обилие трикотажа - во всех этих деталях сказывалось влияние спортивного стиля. В моду вошли маленькие усики, от которых впоследствии все отказались, когда они стали ассоциироваться с образом Гитлера.

В 1929 г. в Нью-Йорке произошел крах биржи. Наступили времена Великой Депрессии. Мода 1930-х гг. стала гораздо более консервативной, чем в 1920-е гг., как на Западе, так и в СССР. Модный силуэт вернулся к более женственной линии - т.е. талия вернулась на свое естественное место, грудь и бедра стали подчеркиваться. Пестрые ткани в одежде сменились темными. В моду вошли блондинки.

В Москве на Сретенке в 1934 г. открылся первый советский Дом моды, который назывался "Трест Мосбелье". Руководительницей этого треста стала Н.П.Ламанова, которой в то время было уже за 70 лет, и которая представляла старую школу моделирования.

Фото. Москва, 1924г. Актриса и манекенщица Александра Хохлова в вечернем платье с поясом из бус работы Надежды Ламановой.

Сталинская эпоха опустила над СССР непроницаемый железный занавес. Все контакты с Западом были окончательно прерваны, в страну перестали поступать модные журналы и какая бы то ни было информация о модных тенденциях и новинках.

Определяющим в образе советской женщины стал стандарт - главное было ничем не выделяться, быть как все и выглядеть почти униформенно. Ни о какой индивидуальности не могло быть и речи. Шляпы в очередной раз были подвергнуты остракизму, их место в женском гардеробе занял берет - черный, синий, или считавшийся особо шикарным белый. Толпа стала совершенно однородной и безликой.

Мех в очередной раз стал признаком буржуазности и большим дефицитом, поэтому основной зимней одеждой стали стеганые на вате пальто. С обувью стало совсем плохо, ее донашивали до полного рассыпания, зимой очень выручали валенки.

Безусловно буржуазным и преследуемым элементом были объявлены все украшения и бижутерия. Духи и косметика также практически были исключены из обихода. Самым популярным цветом становится белый, символизирующий радость, счастье и душевный подъем, которые якобы постоянно испытывают советские граждане. В русле той же символики лежала и популярность спортивной темы как в жизни, так и в одежде.

Фото. 1924г. Группа служащих в повседневных темных костюмах из шерсти и хлопчатобумажного полотна. У некоторых на ногах валенки.

Очень большой проблемой было нижнее белье. Первая советская фабрика по производству белья называлась "КИМ" (Коммунистический Интернационал Молодежи) и открылась в Витебске в 1932 г. На этой фабрике выпускались мужские кальсоны, семейные трусы и зимние женские панталоны с начесом.

Мужская мода 1930-х гг. в СССР выглядела не менее убого. Сталин, подражая своему заклятому врагу и конкуренту Троцкому, носил хорошо знакомый всем по фотографиям военизированный френч. С галстуком велась борьба, как с признаком буржуазности. Летняя одежда стала белой, типичный летний мужской костюм состоял из белых полотняных штанов и косоворотки навыпуск. Зимний костюм состоял из того же самого набора предметов, но темного цвета. Все это, как правило, имело вид слегка несвежий и явно помятый.

Все виды головных уборов окончательно вытеснила кепка. Исключением и особым шиком была разве что тюбетейка, символизировавшая братскую дружбу с народами Средней Азии. Трикотаж широко использовался в мужском гардеробе - свитера, шарфы и т.п. В то время невозможно было представить даже сам разговор о мужской моде - это было полное табу.

Детская мода этого времени была практически полностью самодельной. Самой популярной детской одеждой был самовязаный трикотаж из остатков.

Фото. 1920-1925г. Слева: девочка в коротком платье из набивного ситца и полотняной обуви; в центре: Маргарита и Анатолий Бахваловы в дорогих нарядных костюмах; справа: 4-х летний мальчик в вязаном полосатом трико.

Единственным модным событием, связанным с Западом, был показ моделей Эльзы Скиапарелли, который прошел в 1935 г. Излишне пояснять, что мероприятие было абсолютно закрытым и посетить его могли только жены кремлевских начальников. В 1938 г. в качестве туриста СССР посетил Кристиан Диор, в то время еще не открывший свой Дом моды. Серьезные изменения в ситуации произошли только перед самой Второй мировой войной, когда к СССР были присоединены западные территории, откуда стали поступать новые модные веянья и собственно товары, произведенные на Западе.

автор текста: Вера Папкова для портала Осинка.ру
Примечание. При подготовке материала использованы лекции по истории моды Александра Васильева с его любезного разрешения.

Развитие отечественной моды в 1930-1950 годы тесно связано с военными действиями и появлением в стране трофеев, которые советские солдаты массово привозили из европейских стран. Можно сказать, что Вторая мировая война подарила советской женщине совершенно новое отношение к себе и своему гардеробу - наши дамы стали более ухоженными и более женственными, чем в предыдущий период.

Русская мода ХХ века: 1930-1950 годы

В советской моде конца 1930-х гг. наблюдалось заметная тенденция к западному стандарту. Это было обусловлено тем, что в результате Пакта Молотова – Риббентроппа государства Прибалтики, часть Польши, Западной Украины и Бесарабия были заняты советскими войсками. Это были территории с довольно развитой модной индустрией – там существовало некоторое количество высококлассных модных ателье, обувная и шляпная промышленность, продавались французские духи и т.п. Для советских военнослужащих, офицеров и, в особенности, их жен все это, как и само по себе обилие товаров и тканей, было большой новинкой.

Одним из самых элегантных городов на присоединенных территориях считался Львов. Как только он был занят, в него стали с большой охотой ездить на гастроли советские артисты, поскольку оттуда можно было привезти ткани, меха, одежду, сумки и аксессуары.

Фото. Анель Судакевич в модном летнем ансамбле: блузка с подкладными плечиками и удлиненная юбка в цветочный рисунок. Модная обувь, широкополая шляпа, клипсы, причесана по последней моде. Подмосковье, 1938 г. Собрание Б. Мессерера, Москва.

В 1940-м гг. в результате Финской войны в состав СССР вошла часть Финляндии. В городе Выборге (бывший финский Выппури), например, в это время уже были электрические холодильники. Многие из этих городов к приходу советских войск были обезлюдевшими – например, финны, отступая, оставили Выборг неприкосновенным. Квартиры были наполнены мебелью, постельным и столовым бельем, гардеробы – одеждой, холодильники и кладовые – едой и т.п.

По воспоминаниям участников событий известно, что при взятии Выборга было принято решение – основные части впустить в город только спустя три дня, а за это время всеми доступными средствами «лишить город буржуазного лоска», т.е. создать видимость разрухи и развала, а не буржуазного уюта и чистоты. Это решение было продиктовано тем, что невозможно было заставить молчать такое множество солдат и военнослужащих, которые могли широко распространить информацию о том, что буржуазная жизнь, оказывается, гораздо комфортней, красивей и приятней советской. Аналогично развивались события и в Вильнюсе, Каунасе, Риге…

Советское руководство очень боялось непосредственного контакта с заграницей больших масс населения. Но, несмотря на все заградительные меры, полностью исключить этот контакт было невозможно, таким образом западные веянья в моде все-таки начали оказывать влияние на СССР.

Вторая мировая война стала знаковым событием, повлиявшим на все без исключения стороны жизни не только в СССР, но и во всем мире. Радикальное влияние оказала она и на мировую моду.

Фото. Анель Судакевич в модельном пальто из сукна, с подкладными плечами и в модной фетровой шляпе. Москва, 1937 г. Собрание Б. Мессерера, Москва.

Мужчины повсеместно ушли на фронт – женщины остались одни. Им больше не для кого было одеваться, и не во что было одеваться, и стало вообще совершенно не до того, чтобы одеваться, поскольку на их плечи легли многочисленные суровые тяготы военного времени. Повседневная жизнь стала скудной, тяжелой и часто опасной – это естественным образом привело к тому, что люди стали одеваться так, чтобы быть незаметными. Определяющими качествами одежды стали ее функциональность, тепло, удобство, прочность и немаркость.

Силуэт женского костюма в годы войны становится военизированным. В частности, яркой приметой того времени становятся подкладные плечи в женской одежде. Они были предложены Эльзой Скиапарелли еще в коллекции 1935 г., и с наступлением войны заняли лидирующие позиции в силуэте, год от года расширяясь и увеличиваясь в размерах.

Подплечики были обязательным элементом и летних блузок, и зимних платьев, и пальто. Своего апогея они достигли к 1947 г., когда были сметены новой волной предложенного Кристианом Диором New Look.

Фото. Ленинград, 1946 г. Заслуженная артистка Ленинградского театра музыкальной комедии Л.А. Колесникова в модном платье с подкладными плечами. Платье отделано муслиновым воротником в горошек и перламутровыми пуговицами; наряд дополняет кожаный черно-белый пояс.

Главной тенденцией европейской женской моды 1940-х гг. было подражание тирольско-баварскому костюму – это происходило подспудно и не выражало никаких политических тенденций, характерную для этого стиля одежду носили одинаково широко как в Германии, так и в СССР. В качестве основных элементов этого стиля можно назвать, в первую очередь, рукав-фонарик; а также блузки, сарафаны, сильно расклешенные вещи в талию длиной чуть за колено.

Ткань, в основном, использовалась в рисунок. Модным рисунком этой эпохи были мелкие цветочные букетики на штапеле, ситце, крепдешине. Но самым популярным рисунком военных лет был, конечно, горошек.

Стрижки 1930-х гг. и укладки волнами вышли из моды автоматически по понятным причинам – парикмахерские закрылись, мастеров не было. Соответственно, волосы становятся длинными – чем короче волосы, тем чаще требуется обращаться в парикмахерскую для поддержания прически, а длинные волосы можно просто убрать, не прибегая к услугам мастеров. Проблемы с уходом за волосами сформировали самую популярную прическу военных лет – кок надо лбом и пучок сзади, часто покрытый сеткой. Макияж этого времени это, прежде всего, яркие губы – в эпоху дефицита мужчин манкость приветствуется, губы рисуются выше и ниже их естественных границ, что делает рот больше. Выщипанные брови дополняли образ; как и сигарета или папироса – постоянная спутница трудных времен.

Фото. Манекенщица в стильной модели от Елены Ефимовой из ателье Художественного фонда, отражающей влияние западной моды. Фотография Г. Петроусова, «Советская женщина», 1946, №4.

Чулки становятся дефицитом еще большим, чем в предыдущие годы – вплоть до того, что женщины рисуют карандашом на ноге шов и пятку, имитируя чулок на голой ноге. Альтернативой отсутствовавшим чулкам стали белые носочки. Платье с подкладными плечами, белые носочки и босоножки – типичный женский образ тех лет.

1940-е гг. – это эпоха обуви на платформе. Она была изобретена раньше, а исторически вообще восходит к античности и Древнему Китаю, однако именно в военные годы платформа обрела небывалую популярность, поскольку была доступным выходом из положения – ее можно было изготовить самостоятельно. Большинство платформ этого времени выстругивались кустарным способом из липы, а затем на них набивались хлястики или союзки из ткани, обрезков кожи и т.п. Именно война ввела в обиход совершенно новые материалы для производства обуви – впервые в США появилась обувь из пластика – ведь вся обувная кожа использовалась на нужды армии.

По понятным причинам об украшениях в военные годы думали значительно меньше, чем до войны. Популярность приобрели украшения дутого золота, позволявшие из малого количества золота изготовить якобы массивное, а на самом деле пустое внутри изделие.

Не менее популярной, чем тирольско-баварская, была во время войны испанская тема. Популярными мелодиями предвоенного времени были Рио-Рита, самба, румба и ча-ча-ча – танцы Карибского происхождения. Особенно популяризировались они через США, где традиционна любовь ко всему заграничному. Поскольку от Европы США были отрезаны войной, их ближайшей испаноязычной заграницей оказались Куба, Ямайка и Мексика. Влияние испано-карибской темы в моде военных лет было очень велико и проявлялось в популярности ткани в горошек (традиционный андалусский орнамент); цветов и гребней в волосах.

Фото. Кинозвезда Любовь Орлова в модном открытом платье с широкой многослойной юбкой в стиле моделей Кристиана Диора. Многочисленная бижутерия, золотые браслета и бриллиантовые кольца, грим, прическа и маникюр свидетельствуют о большей женственности в советской моде 1950-х гг. Фотография Г. Вайля. Москва, 1952 г.

Распространенные в это время тюрбаны тоже пришли не с мусульманского Востока, как можно было бы подумать, а с Кубы, где такими тюрбанами заматывали голову работницы на плантациях сахарного тростника.

Шляпы продолжали быть модными всю войну. Как только была снята осада Москвы и блокада Ленинграда, мастерицы-шляпницы поспешили вернуться из эвакуации с Урала, Волги, из Средней Азии и т.п. 1940-е гг. – это эпоха шляпниц-надомниц – в коммунальных квартирах "шляпные ателье" устраивались прямо в единственной жилой комнате мастерицы, которая служила и спальней, и мастерской, и салоном.

Военная мода в СССР разделялась на две категории – мода оккупированной зоны и мода тыла. Многие территории были в оккупации два года – значительный срок, в течение которого местное население контактировало с немцами, и, так или иначе, происходил обмен информацией и привносились западные взгляды. На всех оккупированных территориях фашисты массово открывали недорогие кинотеатры, в которых постоянно демонстрировались немецкие фильмы, в основном развлекательного характера, с типично немецкими звездами, как Марика Рекк. Эти фильмы были призваны приучить население оккупированных территорий к образу уютной и красивой немецкой жизни.

Фото. Киноактриса Людмила Целиковская в модном английском костюме с подкладными плечами. Модная фетровая шляпа убрана густой вуалеткой. Москва, 1947 г.

В тылу работали другие пути проникновения идей западной моды. Начиная с 1942 г. Красный крест Америки, помогая СССР, стал присылать вещевые посылки с американской одеждой. Это были ношеные вещи, которые присылались мешками совершенно бесплатно и бесплатно же распределялись на местах – в учебных заведениях, на заводах, в больницах и т.п. Это были вещи совершенных новых для СССР фасонов, из неизвестных здесь тканей.

Таким образом, несмотря на нежелание советского руководства, Запад вторгся в СССР своими модными идеями. Произошел контакт с западным миром, обогативший и расширивший кругозор советского человека.

Даже во время войны продолжали выходить советские журналы мод. Самым популярным был журнал «Модели сезона», который выпускался черно-белым на оберточной бумаге в карманном формате. В нем были представлены перепечатки из американских и, как ни странно, немецких модных журналов. Описываемыми в этих журналах модными тканями были панбархат и паншифон (шифон с бархатным рисунком); крепдешин, креп-жоржет и креп-марокен. Многие из этих тканей уже в 1944-м г. стали появляться в комиссионных магазинах – это были первые трофеи из Венгрии, Чехословакии, Румынии, Маньчжурии, Харбина и т.п.

Фото. Актриса немецкого кино Мади Раль в белой блузке с пышными рукавами в баварском стиле и в клетчатой укороченной юбке. Мюнхен, 1941 г.

Трофеи и трофейная мода вообще были совершенно выдающимся явлением послевоенного времени. Взорам советских солдат, входящих в европейские страны, представал совершенно невиданный образ жизни и такие предметы материального быта, которых никто не мог себе даже представить. На родину, в СССР, хлынул настоящий поток трофеев – везли абсолютно все – предметы мебели, одежды, посуды, быта…

Добравшись до СССР, эти предметы расходились по комиссионным магазинам и толкучим рынкам. Толкучие рынки были организованы уже в конце войны на подмосковных железнодорожных станциях. Многие товары, дотоле совершенно недоступные в СССР, массово стали продаваться.

Именно с незнакомством советских людей с западными предметами связаны некоторые курьезы трофейной моды – например, известны случаи, когда роскошные предметы белья, вроде богато декорированных пеньюаров и ночных сорочек, принимались за вечерние туалеты и одевались в этом качестве. Кроме собственно предметов туалета в СССР попало и большое количество западных журналов о моде, кино, открыток с изображениями кинозвезд и т.п., что, конечно же, тоже оказало сильное влияние на манеру одеваться. Образ «трофейной красавицы» стал самым модным.

Фото. Солистка Большого театра Наталья Шпиллер в модном трофейном костюме с отделкой из чернобурок и в стильном бархатном тюрбане с мантильей из вуали. Вена, 1945 г.

Одним из шикарных модных аксессуаров стали трофейные часики и украшения. Самыми популярными трофейными украшениями были красные гранаты чешского происхождения. Наступил бум на все меховое - в послевоенные года было просто необходимо иметь меховой ток, воротник, муфту, горжетку и т.п.

Нельзя не сказать и о колоссальном влиянии трофейных кинолент. Западные кинозвезды - Лоретта Янг (Юнг), Марика Рекк, Зара Леандер и др. - стали модными символами и образцами для подражания. Отечественные киноактрисы - Марина Ладынина, Лидия Смирнова, Людмила Целиковская, Любовь Орлова, Зоя Федорова, Татьяна Окуневская и др. - также оформляли свою внешность, подражая западным звездам, их гриму, прическам и манере одеваться.

Под влиянием большого притока информации и товаров, мода послевоенных лет стала значительно более женственной и изысканной, чем в предыдущий период. Можно констатировать, что в результате войны советская мода претерпела заметное обуржуазивание; женщины стали выглядеть более ухоженными, больше интересоваться своими нарядами и внешним видом.

Непродолжительное время после окончания войны в СССР, впервые за все годы советской власти, было благосклонное отношение к иностранцам-союзникам – американцам, англичанам, французам. Именно в это время в СССР появляются первые "стиляги" – молодые люди, подражающие западной моде. Они всеми способами доставали и выменивали американские туфли и другую одежду, слушали американский джаз и танцевали буги-вуги. Уже в 1947-м г. они подверглись критике в журнале "Крокодил".

Фото. Советская туристка из состава делегации Минкультуры во время поездки в Италию в модном полосатом платье с нижней юбкой из капрона. В руках - элегантная сумка на длинном ремне. Италия, 1954 г.

Краткий период «братания» с союзниками быстро закончился, наступило время холодной войны. Всех иностранцев из страны выслали, а с проявлениями западной моды вновь стали беспощадно бороться. Апофеозом стиляжничества и преступной идеологии был объявлен, в частности, предложенный в 1947 году Кристианом Диором стиль. Одним из основных "вредоносных" качеств этого стиля была его сексуальность, которая, как известно, всегда признавалась советской идеологией практически преступлением. В журнале "Советская женщина" в том же 1947-м году было опубликовано письмо с большим количеством подписей под названием "Дадим отпор западным модам". Вслед за этим подобные "письма" и публикации прокатились широкой волной по советской прессе, в них объяснялось, насколько неидейно, ненужно и вредно советской женщине копировать западные образцы.

В 1944-м году в СССР открылся и стал издавать свой журнал Всесоюзный дом моделей на Кузнецком мосту.

На рубеже 1949-1950-х гг. состоялся визит в СССР Мао Цзэдуна – началась эпоха Великой дружбы СССР и Китая, продлившаяся до конца 1950-х гг. Началась крупномасштабная торговля с Китаем, которая позволила одеть население СССР в продукцию китайской легкой промышленности. В СССР хлынул поток т.н. "китайского ширпотреба" – вещей, которые поразили воображение советских людей, поскольку были яркими, цветными, качественными, доступными по цене и никогда прежде в СССР не виданными. В быт и гардероб советских людей широко и надолго вошли товары китайского производства.

Фото. Группа стиляг в модных платьях и лаковой обуви на низком каблуке. Москва, 1958 г.

Мужская мода этого периода 1940-1950-х гг. также подверглась значительным изменениям. В результате войны в СССР появилось много высококлассных мужских портных-евреев, ставших беженцами с западных территорий, спасаясь от фашизма. Все советское руководство после войны одевали портные-евреи из Польши и Литвы. Главным портным советской элиты был портной Зингер. Обувь для советской элиты изготавливали обувщики-армяне из числа тех, которые вернулись в СССР после войны из Сирии и Ливана.

Мужская мода менялась не так быстро, как женская. Трофейное влияние коснулось ее, главным образом, в области тканей и покроя пиджаков. В 1940-е гг. распространилась мода на рубашки с мягкими воротниками без галстука.

Стиль New Look, предложенный в 1947-м г. Кристианом Диором, несмотря на все гонения, все же окольными путями проник в СССР, хотя и потребовалось на это от шести до десяти лет. Этот стиль предлагал совершенно новый женский силуэт – без подплечиков, с покатыми плечами; с бюстом, поднятым благодаря грации; сильно утянутую талию и очень широкую юбку в 1,5-2 солнца на подъюбниках. Поначалу новый силуэт был встречен в штыки не только в СССР, но и на Западе.

Общество, привыкшее за годы войны к достаточно мужественному облику женщины – боевой подруги, было не готово воспринять новый образ, являвший собой воплощенную утонченность и женственность. С неодобрением после долгих лет материальных тягот и дефицита товаров воспринимался и колоссальный расход ткани, который требовался на изготовление этих многослойных сверклешеных юбок. Не говоря уж о том, что New Look требовал от женщин поменять весь свой гардероб – обзавестись нижними юбками, грациями, чулками, трусиками-бикини, туфлями на шпильке и т.д., сменить прическу и обеспечить тонкую талию.

Фото. Модель из коллекции Christian Dior в новом стиле New Look, Париж, 1947 г.

Однако, несмотря на все это, новый стиль был обречен на успех, поскольку женщины, лишившиеся в войне огромного количества мужчин, были поставлены в условия жесткой конкуренции, победить в которой могли только самые сексапильные, а именно сексапильность и была гвоздем стиля New Look. В 1949-м г. Кристиан Диор предложил и узкий силуэт, который, конечно же, был также с негодованием осужден советской идеологией как буржуазный, развратный и неподобающий женщине – строительнице коммунизма.

В 1955-м г., уже при Хрущеве, в Дом Кристиана Диора пришел Ив Сен-Лоран, который ввел в моду крупные банты, гипюр и силуэт линии Y. В СССР ни о каком New Look’е не могло быть и речи вплоть до смерти Сталина в 1953-м г. Да и позднее все это по-прежнему оставалось вне кругозора советской женщины, представления о моде которой продолжали ограничиваться трофейной и китайской модой.

Окончательно стиль New Look утвердился в СССР только в 1956-м г., с выходом на экраны фильма «Карнавальная ночь», в котором Людмила Гурченко одета в модель Диора, предложенную им в 1947-м.

Однако, как бы то ни было, по после смерти Сталина железный занавес стал понемножечку приоткрываться. Сначала за границу выпустили на соревнования советских футболистов. Затем на гастроли поехал Большой театр – вся труппа с оркестром. Затем цирк, ансамбль Моисеева, ансамбль "Березка"… На протяжении всех 1950-х гг. выездные артисты и спортсмены служили основным каналом проникновения в страну западных модных веяний – они привозили не только новые идеи и впечатления, но и товары на продажу.

Самой элегантной женщиной в СССР считалась, безусловно, Любовь Орлова. Многие свои туалеты она шила и перешивала сама.

Фото. Кинозвезда Любовь Орлова в модном открытом платье с широкой многослойной юбкой в стиле моделей Кристиана Диора. Многочисленная бижутерия, золотые браслета и бриллиантовые кольца, грим, прическа и маникюр свидетельствуют о большей женственности в советской моде 1950-х гг. Москва, 1952 г.

Рядовая советская женщина 1950-х гг. выглядела практически так же, как и в 1940-е, т.е., попросту, старомодно. Плечики, вышедшие из моды на западе в 1947-м, в СССР не снимали до 1959-го г. В образе советской женщины очень медленно и понемногу начинают проступать черты сексапильности, которыми образ западной женщины блистал все 1950-е гг. Так, в 1953-м г. в СССР отменяют запрет на декольте, и Всесоюзный дом моделей одежды выпускает коллекцию платьев с вырезом. Возникает практика показов моделей в клубах и домах культуры.

Приветствовались в предлагаемых моделях дешевизна тканей; незамысловатость и ограниченное число деталей кроя; рентабельность их в производстве и удобство в эксплуатации. Во всем необходимо было строго придерживаться ГОСТов. Копирование с западных журналов запрещалось. Позволялось взаимодействовать только с модными журналами стран социализма – Болгарии, Польши, ГДР, которые, в свою очередь, ограниченно перепечатывали западные модели. Таким образом, мировые модные тенденции опосредовано все-таки проникали в СССР, но происходило это с безнадежным отставанием.

Показы и съемка для отечественных журналов были организованы непрофессионально – модели самостоятельно причесывались и гримировались, не существовало культуры модной фотографии, все делалось практически кустарно.

Над модниками и модницами по-прежнему смеялись, это не поощрялось. Общественным мнением культивировался образ женщины-труженицы, которой чужды «тряпичные» интересы буржуазных бездельниц. Характерной приметой того времени были создававшиеся всеми домами моделей специальные сельские и рабочие коллекции – одежда для доярок, птичниц, штукатуров и т.д. Проводились специальные "рабочие показы".

Фото. Советские модели в рабочей одежде для уборщиц и доярок, показанной на международной выставке моды в Будапеште в 1955г.

Советская детская мода также была унифицирована. Школьная форма была обязательной для всех учащихся. Девичья форма была слепком с дореволюционного образа гимназистки – коричневое платьице, черный повседневный и белый парадный фартучек – в середине 1950-х советская школьница должна была выглядеть точно так же, как гимназистка 1913-го г. Огромную проблему представляло в ту пору белье для детей, которого в СССР попросту не выпускалось, поэтому дети ходили в перешитом взрослом белье, не подходящем по размеру.

Событием, ставшим поистине культурным шоком для всей советской страны, стал Фестиваль молодежи и студентов, состоявшийся в 1957-м г. в Москве. Это cамым непосредственным образом отразилось на отечественной моде. Появились первые фарцовщики – люди, профессионально занимавшиеся перепродажей заграничных вещей. Термин «фарцовщик» происходит от искаженного английского «for sale», т.е. «на продажу».

В 1959-м г. в СССР состоялся первый после показа Поля Пуаре в 1911-м г. западный показ мод – был приглашен Кристиан Диор. Проходил этот показ в ДК "Труд". Манекенщицы были француженки.

Модельеры русского происхождения, уехавшие после революции, продолжали в то время успешно работать в разных странах. Одна из них, Грохольцева, долго работавшая в Харбине, после войны вернулась в СССР, и была назначена главой Рижского дома моделей. Вот почему рижские моды считались в тот период верхом совершенства – ими руководил профессиональный дизайнер. Более того, родная сестра Грохольцевой, жившая в Сан-Франциско, регулярно присылала ей в Ригу журнал "Вог", так что неудивительно, что рижские моды отличались необычайной актуальностью и изысканностью.

Фото. Манекенщицы в нарядных бальных платьях, выполненных под влиянием парижских мод. Будапешт, 1955 год.

К этому периоду относится появление чулок-паутинок. Конечно же, они были большим дефицитом, их носили подолгу, по мере возможности зашивали, замазывали лаком и даже поднимали спустившиеся петли. Первые колготки появились в США в 1960-м г., но в СССР только в 1969-м.

Текстиль в 1950-е сильно изменился – в моду вошли абстрактные рисунки и, как актуальная примета времени, рисунки в форме ядерного гриба. Вообще форма гриба – в шляпах, в абажурах, в дизайне мебели – была в этот период очень популярна.

Модельеры русского происхождения продолжали иметь большой вес и влияние в мире мировой моды в 1950-1960-е гг., хотя в СССР, по понятным причинам, об этом известно не было.

В Европе продолжали работать русские модные дома – например, дом нижнего белья "Хитрово" в Париже. Этот дом специализировался на выпуске эксклюзивного белья, пеньюаров, рубашек из натурального шелка, с богатым дорогостоящим ручным декором.

Фото. Манекенщица в модельном платье из коллекции Дома Кристиана Диора во время показа в Москве, 1959 г.

Другое известное русское имя в мире западной моды – Валентина Николаевна Савина, работавшая в 1930-40-50-е гг. в Нью-Йорке. Американцы считали ее самой европейской из всех американских создателей моды. Она создавала образы многих звезд своего времени, например, Греты Гарбо. Именно Савиной принадлежит знаменитая фраза "Норка - только для футбола" – она носила исключительно соболя, а норку считала простецким мехом для посещения футбольных матчей.

Еще одним знаменитым русским домом в Париже был дом "Лорбелен", который специализировался на узких корсетных платьях в стиле New Look. Именно в доме "Лорбелен" был создан знаменитый каучуковый корсет для Марлен Дитрих, в котором она запечатлена на большинстве известных фото – у актрисы была некрасивая очень плоская фигура, и корсет придавал ей недостающие формы. Все портнихи в "Лорбелен" были русские.

Главным женским образом на зЗападе в эти годы является, безусловно, Жаклин Кеннеди. Мало кому известно, что создателем ее образа был выходец из России, петербургский дизайнер Олег Кассини, эмигрировавший после революции сначала во Францию, а затем и в Америку. Именно его выбрала Жаклин Кеннеди в качестве личного дизайнера, так что с полным правом его можно назвать автором одной из икон стиля ХХ века.

Фото.На Всемирном фестивале молодежи и студентов. Девушки одеты в широкие юбки стиля Нью Лук, мужчины в цветных рубашках. Москва, ВДНХ, 1957 г.

Ирина Голицина, русская эмигрантка – дизайнер моды, которая до сих пор живет в Риме, была очень популярна в 1950-е и особенно 1960-е гг. Именно она предложила женский брючных костюм-пижам, который получил название "палаццо" и представлял собою парчовую пижаму-клеш.

В 1957-м г. умер Кристиан Диор, а с ним ушел и стиль. Модный силуэт претерпел существенные изменения – на смену жестко приталенному пришло прямое платье, лидирующие позиции заняло т.н. «маленькое черное платье». Изменились и прически, уступив место высоким пучкам на голове, которые назывались "Бабетта" по имени героини Бриджит Бардо в фильме "Бабетта идет на войну". Прическа-бабетта очень прижилась в СССР, ее очень любили носить актрисы и певицы того времени – Светлана Светличная, Лариса Голубкина, Майя Кристалинская, Людмила Зыкина и др. В СССР одинаково модными были две разновидности бабетты – просто высокий начесанный пучок и плетеный пучок, который назывался "хала", потому что напоминал пышный плетеный хлеб.

Едва ли не единственным гламурным женским образом СССР того времени была Майя Плисецкая. Она была первой советской артисткой, которую сфотографировал журнал "Вог". До нее в "Воге" появлялось множество русских женщин, но все они были эмигрантками. Плисецкую снимал знаменитый американский фотограф Ричард Аведон, номер с ее фото произвел настоящий фурор на Западе.

Фото. Прима-балерина Майя Плисецкая в атласной блузке с запахом-кимоно и со светлым лаком на ногтях. Фотография Г. Вайля, Москва, 1956 г.

Наступала совсем новая эра в жизни человечества – в 1961-м г. в космос полетел Юрий Гагарин, а в 1963-м – Валентина Терешкова. Это положило начало новой, "космической" моде. В моду вошли мини-юбки, впервые предложенные в Лондоне в коллекции Мери Куант, а затем и в Париже; сапоги из кожзаменителя на низком каблуке; сарафаны с застежками-молниями; шлемы и "космические" очки. Покорение космоса советскими людьми стало началом новой "космической" моды, но в СССР она не разрабатывалась, а разрабатывалась во Франции.

Влияла на моду и политическая обстановка в мире – Кубинский кризис, холодная война, шпиономания… В начале 1960-х гг. французско-испанский модельер Кристобаль Баленсиага предложил новый силуэт женского платья – мешкообразный, собранный снизу и напоминающий каплю. И был немедленно обвинен американской модной прессой в том, что он чуть ли не является агентом СССР, пропогандирует идеи КГБ и проводит линию на изуродование западной женщины.

Кубинский кризис, сделавший актуальным образ Фиделя Кастро, и хрущевская оттепель, породившая поколение шестидесятников, популярнейшим автором в среде которых был Хемингуэй, сделали необычайно модным образ бородатого мужчины в свитере грубой вязки.

В 1960-е гг. появились первые фильмы о знаменитом Джеймсе Бонде, широко растиражировавшие "шпионскую"стилистику. Спортивный стиль в моде смыкался с космической темой, многие дизайнеры стали использовать в своих моделях отстрочку. Актуальным женским образом того времени была совсем юная спортивная особа, поэтому женская грудь в этот период совершенно выходит из моды и в идеале стремится к нулю. Новинкой 1965-го г. стал предложенный Пьером Карденом свитер-лапша.

Фото. Кинозвезда Ирина Мирошниченко - символ красоты 1960-х; модная прическа и грим того десятилетия. Москва.

В моду входят крашеные блондинки, и на женских головах царствуют высокие начесы. Макияж этой эпохи – белые губы, яркая подводка глаз и светлый тон.

Советские лидеры 1960-х гг., в первую очередь, Хрущев, не отличались элегантностью. Несмотря на то, что личным портным Хрущева был итальянец, специально прилетавший из Рима.

В 1968-м г. в Америке зародился стиль хиппи.

автор текста: Вера Папкова для портала Осинка.ру
Примечание. При подготовке материала использованы лекции по истории моды Александра Васильева с его любезного разрешения.

Для нового периода в моде стало характерно появление тотального дефицита и магазинов "Березка". Каждая модница мечтала добыть советский "Вог" - прибалтийский журнал "Силуэт", в котором можно было увидеть зарубежные тенденции и переснять выкройки. Это было время расцвета хиппи, фольклора, ретро и первых панков. И именно этот период отмечен началом творчества легендарного Славы Зайцева, который был и остается до сих пор самым известным кутюрье страны.

Русская мода ХХ века: 1960-1980 годы

Эпоха правления Брежнева получила название «период застоя», но в области моды даже это застойное время можно считать прогрессивным по сравнению со сталинскими годами. В 1967-м г. страна жила под знаком великого юбилея – 50-летия Революции. В ряду торжественных мероприятий, посвященных этой знаменательной дате, было и приглашение с показом дома Шанель.

Вообще в 1960-е гг. участились различные ярмарки и выставки с участием западных фирм. Западные товары, проникавшие в страну таким образом, конечно же, не поступали в широкую продажу, а распределялись среди людей, близких к кругам, ведавшим внешней торговлей. Появились закрытые магазины-распределители, например, знаменитая 100-я секция ГУМа – там по специальным талонам среди высокопоставленных людей и членов их семей «распределялись» западные товары, в основном, финские и австрийские. Вещи тогда ценились не по их дизайну или авторству, а исключительно по их происхождению – если про вещь говорилось «югославская», «итальянская» и т.п., это автоматически означало «шикарная».

Фото. Манекенщица Янина Черепкова в модельном костюме. Поках мод в ГУМе 24 июня 1960 г. Собрание Я. Черепковой, Москва.

Появилась целая сеть закрытых магазинов, которые назывались «Березка». Эти магазины торговали не на рубли, а на боны и сертификаты, в которых получали часть своей зарплаты советские граждане, по долгу службы имеющие отношение к загранице – работники посольств и торгпредств, сотрудники аэрофлота, моряки и т.п.

Открытая советская торговля представляла собой нечто совершенно удручающее – как по сервису, так и по ассортименту товаров, а вернее – по их полному отсутствию. Понятием, вполне определяющим состояние торговли того времени, было понятие «дефицит». Если в магазине появлялся какой-то товар, представляющий интерес, никто не говорил про него «продается», это называлось «выкинули» или «выбросили» - за любой мало-мальски стоящей вещью молниеносно выстраивалась очередь, и вещь скупалась в считанные часы. Идея моды в целом не поощрялась официальной идеологией, считалась ненужной, даже вредной и растлевающей молодежь.

Новое время предлагало свои эталоны красоты. Одной из самых красивых женщин в СССР того времени считалась актриса Наталья Фатеева. Очень гламурным образом этой поры была актриса Ирина Скобцева. Образами-секси были Светлана Светличная и Наталья Селезнева.

Фото. Слева: Наталья Фатеева, Москва, 1965 г. Справа: Киноактриса Ирина Скобцева в летней гипюрововй блузке. Москва, 1960 г.

Фото. Слева: Актриса Наталья Селезнева в модном плаще с металлическими пуговицами и в полосатом поло. Москва, 1968 г. Справа: Киноактриса Светлана Светличная - звезда 1970-х гг., Киев, 1977 г.

В 1965-м г., по окончании Текстильного института, во Всесоюзный дом моделей пришел работать Вячеслав Зайцев. Это было большим событием, важным для развития моды в СССР. До него в советском модном бизнесе практически не было мужчин. Зайцев был и остается талантливым художником, он интересовался западными тенденциями и воплощал их в русском прочтении. Он был первым отечественным модельером, к которому потянулись звезды театра и кино. Зайцев, безусловно, был главным модельером страны в конце 1960-х – начале 1970-х гг. Ему принадлежат многие широко известные модные образы тех лет – он одевал Эдиту Пьеху, он создал знаменитый балахон Аллы Пугачевой и т.п.

Фото. Певица Алла Пугачева в красном платье-хитоне с черными разводами. Концерт на стадионе в Симферополе 1979 г. Собрание Т. Малинкиной, Москва.

После 1968-го г. в СССР стал постепенно проникать зародившийся в Америке стиль хиппи. Начиная с сезона 1972-1973 г. хиппи появляются в СССР – молодые люди с длинными волосами в джинсах-клеш. Одним из главных путей проникновения модных западных веяний в СССР стала поп-музыка.

Магнитофонные записи группы «Битлз», рок-оперы «Иисус Христос - суперстар» были сверхпопулярны в то время. В моду стал возвращаться стиль унисекс, который, в частности, выразился в том, что женщины на время расстались с гримом и декоративной косметикой. «Натуральные», ненакрашенные лица, веснушки, пот, длинные, часто не очень свежие волосы, стали каноном красоты. Женщины и мужчины носили практически одинаковые джинсы с низкой талией, туники, бусы и амулеты.

В 1970-е гг. во всем мире и в СССР в моде присутствуют несколько главных тенденций. Это эклектично-фольклорное направление – восточноевропейские вышитые дубленки, народные блузки и вышитые кофты, турецкая обувь, сумки через плечо, изделия из кожи, жилеты, индийские сари, марлевые кофты, цыганские юбки и т.п. Кумир этого периода Ив Сен-Лоран ввел в моду стиль ретро, вернувшись к довоенной эпохе начала 1930-х гг. Стиль ретро стал одним из главных направлений и продолжает оставаться таковым вплоть до сегодняшнего дня. Также в моду вошел стиль поп, часто аляповатый и граничащий с безвкусицей.

Фото. Эстонские манекенщицы в пляжных костюмах из набивного ситца и сатина работы Саймы Крик. "Силуэт", лето 1973г. Таллин.

Основным конструктивным отличием моды 1960-х от моды 1970-х гг.было то, что в 1960-е гг. основной упор делался на цельность ансамбля – платье, брючный костюм и т.п. А в 1970-е костюм представлял собой набор самостоятельных элементов одежды со значительными вкраплениями трикотажа – например, батник (приталенная блузка типа мужской рубашки), вязаный жилет в стиле ретро и длинная юбка. Силуэт юбок макси и миди был, в основном, расклешенным, часто спиралевидного кроя.

Любимым цветком этого времени стала ромашка, сменившая популярный в 1950-е ландыш. Она встречалась в текстах популярных песен, изображалась на тканях, в вышивках и т.п. Новинкой 1970-х гг. стало возвращение в русле моды на ретро обуви на платформе, в частности – сабо.

Ткани становились год от года все более цветастыми. В моде были так называемые «бабушкины рисунки» в мелкий цветочек, штапель стал дефицитом. Популярности его способствовала показанная Славой Зайцевым в 1973-м г. «Штапельная коллекция», в которой он использовал все залежавшиеся ткани отечественного производства. 1970-е гг. – это эпоха обилия аксессуаров, в частности, шляп с мягкими обвисающими полями. В эпоху хиппи, или, как их еще называли, детей-цветов, пиком моды было декорирование цветами всех аксессуаров и предметов одежды и обуви. Для первой половины 1970-х гг.характерно также смешение орнаментов – например, гороха с полоской. Одним из популярнейших аксессуаров того времени была шаль, главным образом, вязаная крючком.

После 1968-го г. навсегда умер диктат моды в отношении длины – стали допустимы самые разные длины одновременно. В 1974-1975-е вернулось мини, его отличие от мини предыдущей модификации – сильная расклешенность. Настоящий триумф переживает в эту эпоху трикотаж, в частности, кофты и кардиганы-унисекс, вещи грубой ручной вязки, вязаные головные уборы. В моду вошел грим в стиле ретро – выщипанные в ниточку брови; цветные тени для век; накрашенные ресницы; т.н. «коррекция лица» – румяна или темная пудра на скулах; помада перламутровая или с эффектом «мокрого» блеска.

Фото. Манекенщица Валентина Малахова в брючном костюме и репсовой куртке. "Мода стран социализма", 1968г.

Фольклорная направленность одежды проявлялась в простоте кроя и используемых материалов. Именно благодаря этому в СССР обрела большую популярность одежда собственного или кустарного производства. Появилось множество мастеров, шивших на продажу батники, джинсы, юбки-спирали и вязавших модные шапочки, длинные шарфы и т.д.

Фото. Манекенщицы Галя Иванова и Татьяна Михалкова, в шерстяном жилете и пончо отделанных гуцульским орнаментом. Москва, 1971 г.

Основными источниками модных предметов одежды в 1970-е гг. были не магазины, а толкучие рынки, в первую очередь, в крупных портовых городах – Одессе, Владивостоке, Калининграде, Ленинграде. Из стран социализма наиболее продвинутой в отношении моды была Польша, и польские туристы везли в СССР модные вещи, а в обмен увозили икру, водку и золотые украшения. В Ленинград, гонимые действовавшим у них на родине сухим законом, по однодневной визе ехали финны, которые также везли чемоданы модных вещей для обмена на водку.

Вторая половина 1970-х гг. отмечена полным триумфом стиля ретро с элементами других направлений, таких как стиль диско и стиль панк. О моде конца 1930-х – начала 1940-х гг. напоминали, прежде всего, вернувшиеся подкладные плечи. Приметой стиля диско стали блестящие ткани, а его наиболее яркими представителями – музыкальные группы «АББА» и «Бони М». Джинсы были смещены с пьедестала моды атласными брюками-банан с золотой отстрочкой или кантом. В моду, несмотря на их дефицитность, стали возвращаться меха, в особенности пушистые, типа енота или песца.

Фото. Манекенщица Элла Шарова в костюме из штапеля на показе моделей Славы Зайцева и Общесоюзном доме моделей одежды.Москва, начало 1970-х гг.

В советских домах моды того времени часто устраивались показы, которые отличала своя специфика. Манекенщиц было мало, они должны были показать всю коллекцию, многократно переодеваясь. Им часто не предоставлялась обувь, т.е. они должны были пользоваться на показах своей или одевать одну пару обуви по-очереди.

Для изменения внешности очень популярно было использовать парики. Манекенщиц никто не обучал ни движению, ни профессиональным приемам работы на подиуме. В целом показы оставляли впечатление доморощенности и самодеятельности. Представляемые на показах коллекции, как правило, воспроизводили модные западные тенденции, но лишали их особых остромодных деталей и делая более обыденными.

Фото.Манекенщица Таллинского дома моделей в вязаной крючком шали с кистями. Фотография из журнала «Силуэт», 1971 г.

Фото. Манекенщица Татьяна Чапыгина в вечернем туалете в стиле ретро. «Журнал мод», 1979 г.

Особой проблемой было найти мужчин-манекенщиков, поэтому в их роли часто выступали случайные люди, вроде шофера или охранника дома моделей.

Наиболее продвинутыми на запад считались и были в СССР прибалтийские республики – в Риге, Таллинне и Вильнюсе не только успешно работали Дома моделей, но и издавались свои собственные модные журналы, которые считались образцами стиля во всем СССР. Наиболее известным был таллиннский журнал «Силуэт», за которым гонялись все модницы страны – его без преувеличения можно назвать советским «Вогом». Не меньшей популярностью пользовались и журналы «Ригас модес» и литовский «Банга». Прибалтика вообще для всего населения СССР выполняла роль совершенно недоступной тогда заграницы; модницы всей страны стремились попасть туда, чтобы посмотреть, как выглядят, к примеру, рижанки – и взять с них пример.

Фото. Манекенщицы в вязаных свитерах, шапках и модных длинных шарфах. «Журнал мод», зима 1979 г.

В 1976-м г. в Лондоне появились первые панки. Непосредственного влияния на советскую моду они в тот период не оказали, но тенденции стиля панк проявились в аксессуарах – вошли в моду украшения из металла, часто в форме бритвочки; стало популярным носить на одежде множество булавок; вошла в моду юбка из шотландки с запахом, закалывающаяся на огромную декоративную булавку.

Нововведением стиля панк стал вошедший в моду после цветового буйства предыдущих лет черный цвет и мода на кожаные вещи, в частности, черные кожаные брюки-дудочки. Заметно повлиял стиль панк и на прически – после длинных волос в моду вошли стрижки, начесы и залаченные волосы, которые продержались в СССР еще 10 лет. Джинсы и все джинсовое вновь заняли абсолютно лидирующие позиции – джинсовым было все: от обуви до головных уборов и от зонтиков до детских колясок. Существовала целая индустрия по производству поддельных джинсов в СССР, продавались и нелицензионные копии фирменных джинсов, сделанные в Турции, Египте, Польше, Венгрии и др.

автор текста: Вера Папкова для портала Осинка.ру
Примечание. При подготовке материала использованы лекции по истории моды Александра Васильева с его любезного разрешения.
В цикле материалов по Русской моде XX века использованы иллюстрации из книги Александра Васильева "Русская мода. 150 лет в фотографиях" с разрешения автора.

Этим материалом мы завершаем рассказ о русской моде XX века. В России 1980-е годы отмечены флагом Перестройки и появления первых "челноков", которые начали привозить первую одежду из Польши и Турции, а чуть позже открывать первые бутики. Это период большого влияния Японии, бесформенной и многослойной одежды, подкладных плеч, стиля гранж и моды... на Versace, которого в послеперстроечной России безоговорочно полюбили "новые русские".

Русская мода ХХ века: 1980-1990 годы

Первая половина 1980-х гг., эпоха похорон советских вождей, была отмечена тотальным промтоварным дефицитом и общим унылым настроением. С 1985-го года, с началом Перестройки, ситуация изменилась. Появились кооперативы и совместные предприятия, на рынке начали появляться производимые ими товары. В конце 1980-х появились т.н. "челноки", которые стали закупать и привозить товары сначала из недалекого зарубежья, например, Польши, а позднее из Турции и Китая. В начале 1990-х гг. продвинутые "челноки" стали открывать бутики и ездить за товаром уже на Кипр, в Грецию, в Италию или даже во Францию.

Моду 1980-х отличает геометрия силуэта, большие подкладные плечи, тяжелые ткани и пришедший из Японии эффект многослойности одежды. В отличие от приталенного силуэта 1970-х, в 1980-е силуэт становится бесформенным, скрывающим линии фигуры, с талией, часто опущенной на бедра. Мода на широкие подкладные плечи сказалась и на мужском силуэте, который приобрел оттенок ретро 1940-1950-х гг. и стал более мужественным.

Фото. Манекенщицы (слева Лариса Фомичева) в платьях с подкладными плечами из тканей в геометрический рисунок. «Мода стран социализма», Москва, 1988 г.

Подкладные плечи вернулись в моду с легкой руки французских дизайнеров Клода Монтана и Тьерри Мюглера. В 1980-е гг. подкладными плечиками снабжалась вся одежда вплоть до маек и нижнего белья.

Очень сильно в этот период в моде влияние Японии, которое пришло в СССР с опозданием, только в 1990-е гг. Японская кухня, суши, зеленый чай, японская бытовая техника стали повальным увлечением Запада. На этой волне увлечения Японией стали популярны и японские дизайнеры моды – Йоджи Ямамото, Иссей Мияки, Токио Кумагаи, Реи Кавакубо, Кензо и др. Их мода была совершенно особенной, поскольку ориентировалась на японскую конституцию тела, сильно отличную от европейской – японская женщина некрупна, ей свойственна хрупкость, у нее не бывает большой груди. Благодаря япономании из модного силуэта 1980-х ушли талия, грудь и бедра, актуальными стали небольшие женщины и многослойный силуэт. В моду вошли геометрические линии и резкие цветовые сочетания (черное и белое, черное и розовое…), пришедшие из техники.

Это была эпоха, когда тело пряталось под одеждой, в моде были вещи заведомо больших размеров, т.е. чуточку велики – брюки на сборках, свободные рубахи, очень объемные свитера, объемные пиджаки, огромные пальто.

Фото. Манекенщица Ирина Мачарет в костюме для деловой женщины работы ОДМО. Москва, 1985 г.

Огромную роль в 1980-е гг. играет британская мода. Одним из британских канонов красоты того времени был певец Бой Джордж – его макияж напоминал одновременно гейшу и индейца. Идея унисекс является одной из популярнейших в моде, а в СССР приходит с традиционным опозданием. После некоторого перерыва в моду возвращается мини-юбка, на этот раз с заниженной талией. Грим приобретает оттенок вульгарности – большие яркие губы, сильно подведенные глаза, и, как завершение облика, челка перьями и обилие пластиковых украшений. Входит в моду образ сильной, волевой женщины; стиль милитари и заигрывание с национальной историей.

Самым авангардным модельером второй половины 1980-х гг. стал Жан Поль Готье. Именно Готье и Кристиан Лакруа стали теми модельерами, которые вернули женщинам грудь. Самой знаменитой моделью Готье того времени стал корсет для певицы Мадонны, с чашками жесткой конической формы. Это ознаменовало возвращение в моду женского силуэта 1990-х, который пришел на смену бесформенности 1980-х.

В СССР в 1988 г. прошел первый конкурс красоты. Сам по себе он не имел никакого значения, но стал вехой, после которой в Россию пришли западные модельные агентства, началось увлечение русскими манекенщицами.

Глобальные политические события – развал СССР, образование новых государств, падение Берлинской стены, прекращение существования социалистического лагеря, затяжной военный конфликт на Балканах – изменили расклад сил и вектор интересов и вложения средств в мире, мода в этот период отошла на второй план и впала в некоторый застой. 1990-е гг. – классический пример такого кризиса, когда мода вышла из моды. Именно этим обусловлено появление нового стихийно возникшего стиля, который получил название гранж, имевший явный оттенок стиля милитари. Одеваться богато стало немодно, наоборот, престижно стало одеваться бедно. Гламур вышел из моды.

Фото. Костюмы из коллекции «Конверсия» Тамары Каркотенко, стилизованные под традиционную кавказскую одежду. Конструктор Ольга Козак. Фотография А. Башиченкова. Самара, 1990 г.

Стиль гранж выражался в том, что к одежде, которую носили мужчины и женщины, нельзя было применить определение «модная» – ее можно было назвать практичной, удобной, немаркой… Эталонами для подражания стали беженцы, неквалифицированные рабочие, крестьянки. В моду вошел стиль «жертвы военных действий», поскольку именно такая картинка чаще всего мелькала на телеэкранах. Стиль гранж не приветствовал одежды, подходящей по размеру – вещи должны были быть огромными или, наоборот, слегка маловатыми. Брюки с талии спустились низко на бедра, проймы стали очень низкими. В моду вошли кеды, военизированная обувь, камуфляжные расцветки и тотальный черный цвет. Вещи стали иметь поношенный, потертый вид, стали использоваться вареные ткани, необработанный край, иногда откровенные дыры.

Высокая мода долго не могла оправиться от этого кризиса и все, чем она смогла ответить на него в 1995-м г., был стиль минимализм, сводившийся к лаконичному силуэту и отсутствию деталей. Канон красоты также находился под влиянием политики – одним из главных женских образов этого времени стала принцесса Диана Уэльская. Стиль гранж повернулся к ретро, но к ретро 1920-х гг. – в моду вошли маленькие шапочки, боа, снова приталенные вещи, маленькие плечи. Новинкой 1990-х гг. стали корсеты, вновь предложенные Кристианом Лакруа, который проложил линию исторического максимализма в моде. Ярким представителем исторического максимализма в России можно считать Валентина Юдашкина.

Фото. Журналист Алексей Макаревич в комплекте джинсовой одежды в стиле "дестрой". Москва, 1990 г.

В силу особенностей отечественного менталитета особой любовью в постперестроечной России стал пользоваться Джанни Версаче – модельер, который в эпоху нарочитой бедности создавал богатство и роскошь. Именно Versace был первым западным бутиком, открывшимся в Москве, и был обречен на успех среди «новых русских» благодаря обилию золота, богатому декору и нарочитой, бросающейся в глаза роскоши.

Во второй половине 1990-х гг. в моду возвращается цвет и блеск в тканях, возвращается гламур . Сначала это был гламур минималистический – маленькие платьица и костюмчики без подкладных плечей; грим, напоминающий грим стиля диско.

Фото. Фотомодель Оксана Кузьмина в куртке и шляпе из коллекции "Шутка" Работы Андрея Шарова. Фотография К. Рынкова. "Красота", осень 1995 г.

В России, в силу специфики отечественной демографической ситуации, а, проще говоря, недостатка мужчин, для женщин характерна более явная демонстрация сексуальности, чем на Западе. Глубинной основой моды всегда так или иначе была сексуальность и вопрос взаимоотношений полов. В конце ХХ века произошел ряд событий, которые в корне изменили место сексуальности в человеческой жизни – стало возможным искусственное зачатие и анонимное деторождение; женщины стали заниматься омужичивающими видами спорта, вроде бодибилдинга; стали более независимы материально и сексуально; приобрели мужские черты поведения… Все это оказывает сильное влияние на развитие моды, вернее сказать, на его – развития – практически отсутствие.
Современное состояние русской моды можно оценить как в целом позитивное – появилось значительное количество отечественных модельеров; их профессиональный уровень достаточно высок; некоторые из них участвуют в показах в Париже и Милане и демонстрируют там свои коллекции. Безусловное русское влияние на мировую моду происходит в результате большого количество очень богатых русских, которые, являясь клиентами и покупателями мировой моды, тем самым диктуют ей свои вкусы.

автор текста: Ася Моржавикова для портала Осинка.ру

Великий дизайнер моды Кристиан Диор когда-то предупреждает модниц: "…постарайтесь не ошибиться и не одеться на вечеринку с коктейлем, как на званый ужин, и наоборот.» Так в чем же отличие вечернего и коктейльного платьев? Как складывалась история этих нарядов, ставших сегодня незаменимыми? Об этом мы расскажем в серии статей, посвященных эволюции моды. Сегодня – первая часть.

От роскоши к простоте и обратно: эволюция вечернего и коктейльного платья.

Великий дизайнер моды Кристиан Диор разделял понятия - вечернее и коктейльное платья. Вечерним он называл элегантное платье для второй половины дня, а коктейльным считал нарядное платье для раннего вечера. Диор предупреждает модниц: "…постарайтесь не ошибиться и не одеться на вечеринку с коктейлем, как на званый ужин, и наоборот. Это будет грубый промах!" Так откуда же пришел к нам обычай наряжаться на выход? Как эволюционировали вечерние наряды?

Эволюция вечернего платья

В истории вечернего платья всегда прослеживалась тенденция: от роскоши к простоте и обратно.

Во второй половине XIX – начале XX века появилось платье, открывшее новое направление в моде – это платье с тюрнюром. Тюрнюр – это конструкция из волосяной подушечки, подкладывающийся под юбку сзади чуть ниже талии, композиционный центр платья сместился назад и был создан новый силуэт. Его изобрели французские модельеры во главе с Чарльзом Вортом. Первая юбка с тюрнюром появляется в 1870 году.

Фото. Джеймс Тиссо "Бал".

Юбка эффектно драпировалась на тюрнюре с помощью многочисленных складок, пуфов, плиссированных оборок и бантов, а заканчивается длинным шлейфом и веерообразным треном. Лиф плотно облегает фигуру, затянутую в длинный, ниже талии, корсет. К фасонам таких платьев лучше всего подходили плотные шелка типа репса, крепа, фая или муара.

Платья второй половины XIX века шилось очень узким спереди, из-за этого дамам приходилось семенить маленькими шажками. Сзади такое платье как бы "обрушивалось" вниз целым каскадом лент, бантов, кружевных рюшей, бахромы.

В вечерних платьях того времени преобладали тонкие цветовые сочетания: жемчужно-серый оттенок черного и белого, цвет сливочного масла – желтовато-кремовый, «винный» - коричнево – красные тона, фиолетовый, лиловый. Разные по фактуре ткани сочетались между собой различными оттенками какого-то одного цвета. Эффект строился на оттенках, создаваемых комбинированием блестящей и матовой поверхности ткани.

Фото. Франсиско Гойя. "Королева Мария Луиза в турнюре (панье)." ок.1789

Ассиметрично расположенные складки юбки отделывали страусовыми перьями.

В 80-90 - е года XIX века наиболее изысканным считалось черное бархатное платье, украшенное у ворота и на рукавах старинным кружевом, слегка пожелтевшем от времени.

На рубеже XIX и XX века, с наступлением эпохи стиля модерн, женская фигура приобретает готическую вытянутость. Вспомним блоковскую Незнакомку, закутанную в шелка. Закрытое до подбородка серо-зеленое или пепельно-серое платье с многочисленными воланами, бантами и кружевом – было символом загадочной женщины серебряного века.

С начала 1900–х годов происходит увлечение "морской" темой. В моде строгий, «правильный» силуэт, сдержанное цветовое решение, полупрозрачные ткани – газ, шифон, шелк, тюль. Расширенный в плечах рукав, юбка в форме колокола, многочисленные оборки. Украшения – усиливали, так как платья модны из неярких тканей. Броши, кольца, браслеты, серьги из многоцветной эмали, перламутра, мозаики. Цветы, нити жемчуга, каменные букетики очаровательные атрибуты вечернего наряда.

Фото. Джеймс Тиссо "Бал на корабле"

1901-1905 гг. – в моде силуэт в виде буквы S: из-за конструкции корсета – очень узкого, стягивающего талию, спереди на груди получался напуск – "голубиная грудь".

Бальные платья имели юбку с треном, который красиво раскрывался веером вокруг туфелек. Силуэт в форме S создавал образ женщины-цветка – хрупкого и экзотического – лилия, орхидея.

Кружева, изящная вышивка, отделка бисером и огромные шляпы завершали образ светской дамы.

С 1903 года платья становятся свободнее, постепенно исчезают корсеты. В 1908 году парижский модельер П. Пуаре представил модель, созданную под влиянием искусства Древнего Рима, Греции и Японии. В салонах дамы в туникообразных платьях с завышенной талией из полупрозрачных светлых тканей.

Платья в восточном вкусе были с узкой юбкой, лифом свободного покроя и расширенными рукавами – «японкой». Пояс охватывал талию и завязывался сзади или на боку пышным бантом.

Фото. Д.Н. Кардовский. "Бал в петербуржском дворянском собрании", 1913.

Большое влияние на вечерние платья светских дам оказали "Русские сезоны" - балеты Дягилева. После премьеры балета "Шахерезада" с ослепительными костюмами Бакста в моду вошли персидские мотивы. Дамы стали носить чалмы и маленькие тюрбаны из шелка и бархата с пышными черными, белыми, голубыми перьями. С вечерним платьем надевали маленький тюрбан из парчи.

Если в начале XX века царствовали зашнурованные корсетные платья - платье в форме песочных часов выгодно подчеркивало тонкую талию и глубокое декольте – то вскоре ему на смену пришли свободные конструкции, платья-рубашки.

В целом эволюция вечернего платья XX века происходила следующим образом. В 20-е годы – светское общество увлекалось театральной модой, поэтому дамы ходили в узких платьях длиной до колена. В 30-е годы наступает период роскоши и гламура: в моде платья с атласным блеском, меха и бриллианты. В те годы были придуманы все основные "фишки" для вечерних платьев, которые кутюрье используют и до сих пор.

Силуэт вечернего платья сильно изменился в 40-е годы, когда нехватка тканей из-за долгой войны спровоцировали моду на узкие и короткие вечерние платья. Именно тогда Коко Шанель придумала знаменитое "маленькое черное платье" рубашечного покроя, которые будет актуально во все времена. 50-е годы подарили модницам женственность: нижние юбки, широкие пояса, пуританский закрытый верх и целомудренный низ.

Фото. Марчелло Дудович (1878-1962) "Танец"

Начиная с 60-х годов фасоны вечерних платьев становятся смелее. Именно тогда в моду вошли - мини. В моде - платья умопомрачительных расцветок, на них появляются замысловатые геометрические рисунки.

Но вместо платья на ужины, официальные приемы и дружеские вечеринки женщины стали облачаться в брючный костюм.

70-е годы породили спрос на экстравагантность, и платья стали похожи на карнавальные балахоны. А в 80-е годы наступает время почти вульгарной роскоши: крупные клипсы, колье из золота и драгоценных камней, платья из золотых и серебряных тканей, блёстки. В 90-е годы модельеры постепенно вернулись к ретро-стилю: в качестве декора снова начали использоваться оборки, рюши, воланы.

Сейчас дизайнеры отмечают полное смешение стилей. Вечернее платье может шокировать, эпатировать публику или, наоборот, поражать своей скромностью и невинностью. Главное, по признанию кутюрье, у каждого вечернего платья должен быть свой шарм. Сдержанностью хорошего вкуса ныне отмечена длина одеяний: никакого вызывающего минимализма.

В силуэте платья преобладают мягкие и округлые линии. На первый план выходит художественная драпировка фигуры: туники, свободно ниспадающие складки, накидки, палантины, пелерины. Женщина теперь - это предмет искусства, поэтому вновь популярны узоры и орнаменты, как традиционные, так и древние.

Фото. П. Крук "Маранго".

Актуальны длинные платья с декольте в виде "лодочки" или буквы "V". Вечерние платья дизайнеры рекомендуют делать простыми по крою, полуприлегающими, если они из бархата и тяжелого шелка. В нарядах из тонких и тончайших тканей сохраняется "бельевой" стиль (почти комбинации) на тонких бретельках. При этом тонкую ткань (шифон, вискозу с крупной набивкой в виде лилий, орхидей или роз) как бы прячут под несколькими слоями тончайших тканей, создавая изысканный и приглушенный по цвету орнамент.

Фото. Модель из коллекции Rocco Barocco , сезон "осень-зима 2010/2011".

Фото. Модель из коллекции Valentino, сезон "осень-зима 2010/2011".

Фото. Модель из коллекции Versace, сезон "осень-зима 2010/2011".

Эволюция коктейльного платья

Коктейльное платье получило свое название от напитка, который подают в определенное время суток – на вечеринке с коктейлями. Названия коктейлей – "Shady Lady", "Pink Rose" или "Fallen Angel" – вдохновляли модельеров на создание платьев из шифона с драпировкой на груди, коротких жакетов-болеро, шелковых лифов, крошечных шляпок с перьями и сумочек, украшенных вышивкой, в которые помещался разве что носовой платочек или губная помада.

Фото. Edward d'Ancona "Женский портрет".

Первые коктейльные вечеринки ознаменовали наступление эры сухого закона в США: светское времяпрепровождение вернувшихся с фронтов Первой мировой войны мужчин и работавших в тылу женщин потребовало принципиально нового вида одежды, менее формального, чем требовалось для официальных ужинов, и более изысканного, чем повседневная одежда. Коктейльное платье было задумано как демократический вариант вечернего платья. Оно было рассчитано на молодых женщин, поэтому едва доходило до колен, на нём отсутствовали рукава и воротничок. Кроме того, считалось, что верхняя и нижняя часть коктейльного платья должны "уравновешивать" друг друга: чем более открытым был низ, тем более строгим и закрытым должен был быть верх и наоборот.

Ткани брались дорогие, но не роскошные, преимущественно это были шелка или шифон. Коктейльные платья были менее официальные, чем вечерние туалеты, но более изысканные, чем повседневная одежда.

Коктейльные наряды очень быстро распространились повсеместно. Их стали носить не только молодые девушки, но и женщины более зрелого возраста. А в 1926 году, с появлением «маленького черного платья» – это стало самым изысканным и элегантным решением коктейльного платья.

Фото. Bradshaw Crandel "Женский портрет".

В послевоенные годы этот наряд пережил свое второе рождение. Появилась мода на этнические узоры и ткани с экзотическим рисунком. Длина платья уменьшается, декольте становятся все откровеннее и соблазнительнее.

В послевоенные годы платья украшают блестками и декоративной вышивкой. В 50-е годы коктейльные платья стали шить с пышными юбками и глубоким вырезом, узкой юбкой и вышивкой. Входят в моду облегающие силуэты подчеркивающие фигуру. Аксессуары остаются неизменными.

С 60-х годов для коктейльных платьев наступает эпоха забвения. Так длится до 90-х годов. В это время известные дизайнеры начинают включать в свои показы коктейльные платья, и наступает третья волна их популярности.

Появившись еще в двадцатых годах прошлого века, коктейльное платье пережило почти век - от интерпретации его в знаменитой коллекции Кристиана Диора New Look и нарядов Одри Хэпберн от Юбера де Живанши до последних дизайнерских коллекций haute couture. Коктейльное платье по популярности может сравниться, пожалуй, лишь с признанной классикой мира моды – «маленьким черным платьем», некогда придуманным Коко Шанель.

Традиционно коктейльное платье сопровождали аксессуары: миниатюрные сумочки с ручкой-цепочкой, украшенные блестками, куда помешались лишь пудреница и мелочь, туфли под цвет платью или сумочке, перчатки длиной до локтя, благодаря отсутствию рукавов подчеркивающие изящность женской руки, и маленькие кокетливые шляпки. Аксессуары как необходимая часть коктейльного наряда просуществовали до середины шестидесятых годов.

Фото. Леонид Ефремов "Танго".

В тридцатые годы коктейльные вечеринки из почти закрытых мероприятий превратились в повсеместное явление, а коктейльные наряды пополнили гардеробы не только молодых светских дам, но и женщин в возрасте благодаря появлению в 1926 году «маленького черного платья» - черный надолго стал самым элегантным решением для коктейльного платья.

Послевоенная эпоха принесла коктейльному платью буквально вторую жизнь - благодаря распространению моды на этнические узоры и экзотические ткани, появившемуся в конце сороковых годов. Коктейльные наряды становятся все более демократичными, обнажая все больше: уменьшается длина, появляется соблазнительное декольте и практически полностью исчезают рукава. Декор коктейльных платьев послевоенной эпохи превосходит все мыслимые пределы: чем больше блесток и декоративной вышивки украшает наряды, тем лучше. Наконец, в пятидесятых коктейли превратились в особую культуру - как и коктейльные платья, радовавшие ценительниц моды появившимся разнообразием стилей: пышные юбки и глубокий вырез, узкие юбки и вышивка на вороте, облегающие платья, подчеркивающие фигуру узкие платья. Непременным аксессуаром остается все та же миниатюрная сумочка в тон платью, туфли и перчатки.

Наконец, третья волна популярности коктейльного платья зародилась в девяностых. Голливудские дивы демонстрировали на красной дорожке винтажные творения - поскольку на протяжении нескольких десятков лет дизайнеры не обращали внимание на коктейльные наряды, - а крупнейшие модные бренды вновь начали включать коктейльные платья в свои коллекции.

Фото. Fernand Toussaint. Портрет женщины в вечернем платье.

Сегодня коктейльное платье - непременный элемент большинства дизайнерских коллекций вне зависимости от сезона. По традиции, основными тканями для создания изысканных и элегантных ансамблей служат ткани, максимально выгодно подчеркивающие фигуру - все те же шелк, шифон и роскошный атлас, в платьях из которых щеголяли модницы начала XX века. Аксессуары, сочетающиеся с коктейльным платьем, также не изменились со времен первого его появления - правда, теперь вместо миниатюрной сумочки на цепочке женщины все чаще выбирают вечерний клатч. Уместными мероприятиями для коктейльного платья считаются всевозможные вечеринки, банкеты, посещение театра, где предусмотрен не слишком формальный дресс-код.

Коктейльное платье внешне пережило множество изменений. Если в начале оно было средней длины, и его Фасон обязательно обнажал руки и шею, то сегодня оно имеет разнообразные фасоны, длину и размер. Длинное или короткое, светлое или темное, прозрачное или из более плотной ткани. Выбор наряда зависит только от Вас, и, конечно, от места, куда Вы его собираетесь надеть. Театр, балет, свадебное торжество, вечеринка, званый ужин, обед – целый список местечек, куда девушки с удовольствием надевают коктейльное платье.

В наше время коктейльные платья являются непременным атрибутом семейных торжеств, корпоративных вечеринок, праздников. Их надевают в ночной клуб, казино, на свидание в ресторане.

Вас пригласили на торжество!

Так как же правильно выбрать наряд, если вас пригласили на торжство?

Собираясь на прием, помните: согласно нормам этикета, одежду с декольте лучше не использовать до 18 часов; обнаженные плечи уместны только с 19 часов; позволить себе декольте на груди желательно после 20 часов, а глубокое декольте гармонично будет смотреться после 22 часов. Подбирать декольтированную одежду следует с учетом возраста и комплекции. Женщинам с признаками старения кожи и худышкам носить декольте противопоказано. Если к вечернему платью надеты перчатки, то действует правило: чем короче рукава, тем длиннее перчатки.

Фото. Фабиан Перез (Fabian Perez). Brunette at The bar.

На приемы рекомендуется надевать одежду строгих, скромных линий и умеренных тонов. На завтрак, чай, коктейль можно облачиться в платье обычной длины, платье-костюм или деловой костюм. Если вы надели шляпу, то во время приема снимать ее нельзя. Кстати, хозяйка приема шляпу никогда не носит. На торжества, начинающиеся в 20 часов и позднее, рекомендуются вечерние платья (более нарядные и открытые), шелковые, матерчатые, лайковые, кружевные перчатки, а дополнение к наряду - сумочка небольшого размера из шелка, парчи, бисера. Вечерние платья могут быть обычной (средней) длины или до пят (платье в пол). В последнее время возрождается мода ходить на вечерние приемы в длинных платьях.

Для пошива одежды на приемы, начинающиеся до 20 часов, модельеры рекомендуют использовать шерсть, шелк, для вечернего платья - шелк, тафту, парчу, кружева, креп. Обычное дневное платье для приема - это короткое платье строгого фасона, закрытое или с небольшим вырезом и рукавами (3/4 или длинными). Материал может быть любой расцветки, гладкий или с выделкой. В летнее время предпочтительны светлые тона материалов, осенью и зимой - более темные. Для стран с теплым климатом платья могут быть с короткими рукавами и с большим вырезом. Дневное платье из материала хорошего качества (шелка, шерсти) пригодно для приемов "а ля фуршет" от 17.00 до 20.00 часов.

Не каждая женщина сегодня может позволить себе дорогое вечернее платье, особенно от известных кутюрье. Поэтому дизайнеры пытаются разработать демократический вариант платья «на выход», уменьшив его стоимость. Не всегда даже звезды кино и эстрады могут купить такие платья, поэтому часто они предпочитают их брать напрокат. Так, например, Николь Кидман почти всегда на приемах появляется в платье от "Шанель", Ким Бесинджер и Джоди Фостер неравнодушны к Армани, а Джулия Робертс часто выбирает наряды от Валентино.

Чтобы коктейльное платье смотрелось на вас идеально необходимо правильно подобрать аксессуары к нему. Большое внимание уделите выбору обуви, если ваше платье короткое. Если на вас надеты украшения из жемчуга, золота, серебра с россыпью бриллиантов, а также чулки в мелкую сеточку, то ваш образ идеально дополнит маленькая сумочка из парчи или атласа, расшитая бисером.

Правила "светской львицы":

Фото. Коктейльное платье можно надеть с болеро или жакетом до талии. Модель из коллекции Carlos Miele, сезон "осень-зима 2010/2011".

Выбирая вечернее или коктейльное платье, помните несколько важных правил:

1. Ткань для вечернего платья должна быть более изысканной, чем материал повседневного платья. Самый беспроигрышный вариант в выборе цвета вечернего платья – чёрный. Платье можно надеть с болеро или жакетом до талии. Форма юбки – узкая или пышная - остаётся на ваш выбор, в зависимости от пристрастий и особенностей фигуры.
2. Для коктейля больше всего подойдет маленькое платье без бретелей или с глубоким декольте, дополненное коротким жакетом - болеро. В жакете вы будете отлично выглядеть на улице, а без него – на приёме. Платье для коктейлей можно шить из самых роскошных тканей – тафты, атласа, шифона, и даже шерсти. Цвет по-прежнему лучше выбрать торжественный чёрный.
3. Лаконичное платье для коктейля отлично дополнит экстравагантная шляпка. Материал, цвет, украшения (вышивка, цветы, ленты или перья)шляпки могут быть сколь угодно разнообразными. Единственное, в чём нельзя ошибиться, это размер шляпки! Вы вправе надеть как большую шляпу, так и совсем маленькую, но не забывайте, что в маленьком помещении неуместны огромные шляпы.

Фото. К платью для коктейля нужно тщательно подбирать аксессуары, такие как обувь и сумочка-клатч. Модель из коллекции Blumarine, сезон "осень-зима 2010/2011".

Фото. "Маленькое черное платье" по-прежнему актуально.
Модель из коллекции Monique Lhuillier, сезон "осень-зима 2010/2011".

Фото. Глубокое декольте только украшает коктельное платье Модель из коллекции Elie Saab, сезон "осень-зима 2010/2011".

автор текста: Ася Моржавикова для портала Осинка.ру

В наше суетливое время его увидишь не часто, ну разве в театре или в сувенирной лавке. А ведь когда-то он был незаменим: считался предметом роскоши и оружием, его использовали для передачи движения в танце и чтобы подать тайный знак кавалеру, а иногда и по прямому назначению - чтоб защитить себя от жары и духоты. Вы догадались, о чем сегодня пойдет речь? Правильно, о веере!

Забытый язык. О веере.

В наше суетливое, стремительное время эта изящная вещица встречается редко. Веер сегодня используют разве что в театральных постановках, на костюмированных праздниках, или в качестве украшения квартиры – бумажные веера стали часто вешать на стену. А ведь когда-то эта милая "безделица" имела огромное множество смыслов.

С момента своего появления веер приобретал всё большее значение. Сначала он был средством защиты от духоты и насекомых, и назывался опахало. В древности в странах с жарким климатом, таких как Индия и Египет, опахало делали из листьев пальм и лотосов. До сих пор точно не установлено кому принадлежит идея создания этого уникального предмета. Японцы оспаривают первенство изобретения веера китайцами и индийцами. Но тот факт, что обыкновенный лист превратился из средства охлаждения в предмет роскоши и власти, является неоспоримым.

В Древнем Египте опахало являлось атрибутом величия фараона и признаком высокого достоинства. Эта принадлежность гардероба обозначала положение важной особы в обществе, её высокий статус. Веера часто носили лица царской фамилии, которые даже имели специальный титул – "носитель веера с левой стороны". Подобные функции имел веер в Индии и Персии. В Древней Греции, Риме, и на Крите использовались восточные опахала из листьев и перьев, в частности – павлиньих на деревянной или костяной основе. В Риме такое опахало на ручке называлось флабеллум. А молодые невольники, обмахивающие веером своих хозяек, звались – флабелеферами.

В Древнем Китае веер являлся важным знаком сословного различия. Существовала особая иерархия, чётко контролирующая кому какой веер носить. Привилегированные лица, например, члены царской семьи, владели опахалом, которое было украшено золотом и нефритом. Сановники (или мандарины) пользовались опахалом из серебра и слоновой кости. Самым простым был веер учёного – из вощёной бумаги. Уровень и сложность исполнения веера - изысканность формы, дороговизна материала, техника, в которой работал мастер - имели определяющее значение. Декор веера зависел не только от статуса его хозяина, но и от возраста, профессии, а также от времени года, события, местности.

Надписи и рисунки, которыми художник с ювелирной точностью, вручную покрывал веер, не только несли важную смысловую нагрузку, но и делали этот аксессуар настоящим произведением искусства.

Веер в Китае и Японии имеет давнюю историю. Традиции, связанные с этой вещицей, замысловаты и удивительно красивы, в них зашифровано бесконечное множество символов и смыслов.

Китайские поэты относили возникновение опахала к эпохе императора У-Вана, жившего во втором тысячелетии до нашей эры. Позже появились круглые бумажные веера на ручке, которые в I веке нашей эры у Китая заимствовала Япония - веер "утива".

В японском языке четко различаются два типа веера - утива и сэнсу. Сэнсу – веер китайского происхождения из пластин, которые могут складываться и разворачиваться.

Во многих японских книгах и фильмах можно увидеть, что, так называемый боевой веер был сделан на раскладной основе сэнсу. Таким веером японские воины могли не только нанести ощутимый удар по голове противника, но и, резко развернув веер, разрезать ему горло: кромки такого веера затачивались остро! Ребра такого веера делались из ценных пород древесины (сандала или японского кедра, реже - из бамбука) и оклеивались затем японской бумагой.

В ХII в. Веера - сэнсу стали предметом реквизита придворных дам, чью утонченность и чувственность очень удачно подчеркивали изящные полукруглые очертания веера. Отойдя от полной страстей жизни при дворе, многие аристократки становились монахинями храма Миэйдо, сохранив в своих руках сэнсу как одну из частей грешного мира, которые разрешалось держать в монастыре. Отсюда второе название некоторых разновидностей этого типа веера - "миэйдо". Кроме того, древние японские легенды гласили, что именно такие веера были в руках богов. Они стали своего рода признаком родовитости человека, в чьих руках находился этот веер. Позже это иерархическое значение было утрачено, и сэнсу стал одним из прелестных образцов декоративно-прикладного искусства и желанным сувениром к Новому году.

Утива - это веер в виде лепестка или опахала, сделанный из единого куска дерева или из проволоки, обтянутой шелком или из картона; традиция считает его чисто японским изобретением. В период Эдо веера - утива получили большое распространение и особенно полюбились в среде артистов. Появились новые мотивы картин, выполненных на веерах, они становились все более сложными и изысканными. Веера в это время становятся неотъемлемым атрибутом среднего класса, актеров, гейш и борцов сумо. Их популярность способствовала и росту популярности вееров, которые выпускались в огромных количествах до самого конца ХIХ в.

Одновременно с появлением в Японии зонтиков от солнца возник и новый вид веера - оги. Оги еще иногда называют "солнечным веером" из-за его легкости и внешнего вида, напоминающего часть солнечного диска с исходящими лучами. Оги применялся и применяется танцорами, популярен он и у гейш (которые порой используют его в традиционных танцах). Относительно небольшое количество ребер, легкость в складывании и разворачивании, а также большая возможность для нанесения рисунка делают оги незаменимым для опытного артиста. Впрочем, в средние века оги, как и другие веера, был знаковым предметом и также служил признаком состоятельного положения и богатства.

Вскоре моряки и путешественники привезли диковинку в Европу. Там веер прижился всего на несколько столетий. И хотя на Западе он не обрёл столь богатую историю, как на Востоке, всё же, стал предметом роскоши в руках светских барышень.

Был придуман особый тайный язык жестов, на котором общались избранные. Язык веера появился во Франции в эпоху Людовиков (хотя некоторые считают, что он пришел из Испании), а потом перекочевал и в Россию. Веер являлся неизменным спутником дам всех возрастов на приёмах и балах. Обмахиваться веером барышни начинали уже в возрасте 13-14 лет.

Язык этого выразительного аксессуара был полон нюансов и отражал почти всю гамму эмоций дамы из высшего общества. Существовала целая система жестов и положений веера в руке, каждый из которых обозначал какую-то фразу или кокетливый намёк. Приведем лишь несколько примеров. Когда девушка открытым веером дотрагивалась до левого уха, это означало: "Будьте осторожны, за нами следят". А когда барабанила закрытым веером по ладони левой руки, то, как бы говорила: "Я сделалась недоверчива". Чтобы признаться в любви, достаточно было коснуться раскрытым веером ладони правой руки, а когда кавалеру хотели сказать резкое "ненавижу", то закрывали веер и подносили к правому плечу.

Подавать собеседнику свой веер верхним концом – значит выразить ему свою симпатию и расположение. А нижним концом – выказать своё презрение.

В наше время веер утратил свой таинственный язык и превратился в безмолвный сувенир… Веера вешают на стену, в качестве дизайнерского украшения. Иногда их можно увидеть в руках горожан в разгар лета, когда воздух застывает от жары и пекла. В остальных случаях этот аксессуар выглядит экзотично. И только в Японии и Китае веера до сих пор используются танцорами, исполнителями традиционных песен и актерами театров. В их руках веер оживает и обретает язык! В танце веер может символизировать различные предметы, от кисти до боевого меча. Зрелище танцующего с веером всегда завораживает и потрясает красотой.

автор текста: Наталия Горюшкина для портала Осинка.ру

Символ власти и знак папского могущества, атрибут знатной патрицианки и незаменимая вещь на пляже, шляпа на бамбуковой палке и трость-трансформер, защита от непогоды и герой романтических историй... И все это - такой знакомый нам самый обычный зонтик. Но оказывается историй такой обычной вещи может быть необыкновенной.

Зонтик - от символа власти к символу романтики

Сегодня сложно представить нашу жизнь без этого аксессуара, особенно в дождливые дни весной и осенью. А летом, на отдыхе, мы не мыслим пляж без его старшего брата. Вы наверное догадались, что речь пойдет о зонтике - история которого при ближайшем рассмотрении оказывается весьма интересной.

Но и история слова "зонтик" не менее интересна и необычна. В русский язык слово "зонтик" пришло из голландского языка в XVIII веке с легкой руки Петра I вместе с другими морскими и военными терминами. Один из них - zonnedek (зонедек) - означал "тент, навес из ткани над палубой". Постепенно зонeдек "обрусел", потерял одну букву из серединки, а окончание -дек как-то постепенно сменилось на созвучное ему - тик, и появился такой благозвучный русскому уху "зонтик". А дальше сработала привычная логика, если суффикс -ик уменьшительно-ласкательный, то, раз существует зонтик, значит, должен быть и большой зонтик, т.е. зонт. Вот так и появилось иностранное слово "зонт", не существующее больше ни в одном языке мира, кроме русского.

Вильям Пакстон "Девочка с китайским зонтиком", 1908 г.

Самое древнее упоминание о зонте находится в церемониальных книгах Китая. Именно эта страна и считается его родиной: по одной из версий бедный плотник соорудил для своей жены "крышу, которая всегда при ней". Его изобретение с удовольствием подхватили знатные особы - ведь на Дальнем Востоке белый цвет лица традиционно считался признаком знатности его обладательницы. Наверное поэтому из средства защиты от солнца зонт в средневековом Китае постепенно превращается в символ власти, могущества и богатства. Это сейчас для нас китайские зонтики - это что-то несолидное и дешевое. А в древнем Китае зонтики императоров были жутко дорогими: они изготовлялись из особой рисовой бумаги, расписывались вручную придворными художниками, украшались перьями, вышивкой, драгоценными камнями и, конечно, стоили баснословных денег. Интересно, что зонты часто были многоярусными. Чем больше ярусов-этажей, тем выше положение при дворе его владельца. Императорский зонт мог иметь более двадцати этажей.

А японский зонтик изначально был головным убором, чаще всего соломенным, к которому была приделана ручка. В древности в Японии "шляпа" и "зонтик" традиционно обозначались одним словом. Позднее зонтики делали из особого рода японской бумаги, иногда специально промасленной, чтобы защищать от дождя, и бамбука, позволить себе их могли только знатные. Не удивительно - ведь их, в отличие от шляпы, приходилось носить в руках.

Китагава Утамаро II. (?- 1831). "Такигава III из дома Огия".

Второй возможной родиной зонта считают Египет, но и тут он был символом власти, пользоваться им могли только фараоны.

С Востока зонт перекочевал в Древнюю Элладу, где перестал быть олицетворением власти. Позднее, в III веке до н.э., зонтик попадает в Древний Рим, где снова становится предметом, принадлежащим исключительно знати. Знатные римлянки-патрицианки защищали себя от солнца изящными зонтами из кожи с металлическими спицами. Что примечательно, и в Греции, и в Риме мужчины зонтами не пользовались, он считался исключительно женским аксессуаром.

После варварских завоеваний Римской империи зонт надолго исчез с европейской исторической арены, и вернулся туда только в XII веке, и снова как символ власти. На этот раз - папской.

В 1414 г. при въезде папы римского Иоанна XXIII в город Констанц сенсацию у местной публики вызвал необычный предмет, который торжественно несли вслед за папой. Один весьма наблюдательный очевидец - Ульрих из Рихенталя - описал это так: "Вслед за папой ехал [рыцарь] в доспехах на большом коне и держал в руке длинный шест, на шесте была высокая заостренная [наверху] шапка, вверху узкая, а внизу такая широкая, что цепляла за обе стороны переулка. Она была поделена на желтые и красные [полосы], спускавшиеся сверху вниз. На шапке было золотое навершие, а на навершии стоял золотой ангел с золотым крестом в руке".

На самом деле речь шла, конечно же, не о шляпе, а об особом зонтике от солнца, именуемому при разных папах ombrellino, umbrellino или umbella. Постепенно он, наряду с апостольскими ключами, стал обозначать светскую власть пап и превратился в важный геральдический символ.

Исключительным правом на использование зонтов, кроме пап и императоров, обладали лишь венецианские дожи. А простые люди предпочитали укрываться от непогоды широкополыми шляпами и плащами.

1415 г. Папский "зонт". Миниатюра из Хроники Ульриха фон Рихенталя. 1464 г.

Чтобы превратиться из столь значимого символа в предмет повседневного обихода зонту потребовались несколько веков. Считается, что европейскую моду на зонты ввела итальянка Мария Медичи, ставшая женой французского короля Генриха IV в 1600 году. Постепенно зонтики стали неизменным атрибутом европейской дамы. Причем, по обилию отделки, кружев, цветов и воланов на зонте можно было судить о богатстве и статусе женщины.

И все это время зонты служили для защиты от солнца, а не от дождя. Об этом говорит и само название: итальянское umbrella (от лат. — umbra) и английское sunshade, в переводе — "тень", французское parasol, что означает — "для солнца». А в немецком "Словаре мод для дам (Frauenzimmerlexikon)", изданном в 1715 году, сказано, что "парасол" - это зонт, предназначенный для защиты от солнца.

Защитой от дождя зонт стал лишь в XVIII веке, когда в обычный дождливый лондонский день 1750-го года английский писатель Джонас Хануэй вышел на улицу с зонтом, чем жутко насмешил окружающих. Не удивительно, ведь с зонтом тогда ходили только лондонские дамы, и не в такую погоду.

"Зонт – верное доказательство того, что у тебя нет экипажа", - в итоге грустно заметил Хануэй. На самом деле, Хануэй привез этот зонт из путешествия по Персии, где он к тому времени уже использовался как защита от дождя, и к тому же был складным.

Иван Крамской "Женщина под зонтиком (В поле)". 1883 г.

Постепенно общественное мнение относительно зонта в качестве защиты от дождя и мужского атрибута изменилось, что не удивительно в стране, где бОльшую часть года идут дожди. К тому же, в сложенном виде такие зонты так напоминали привычные сердцу любого англичанина трости. Такую, более привычную для нас форму зонт приобрел благодаря Сэмюэлу Фоксу, который в 1873 году запатентовал его складную конструкцию. И вот уже модные журналы тех времен пестрят изображениями стильных денди с зонтами-тростями - в это время появляются, например, специальные модели для вечера из черного дерева и часто оправленные золотом или серебром, или зонты, предназначенные для прогулок по сельской местности, выполненные из прочного ясеня или ореха, и часто в комплекте с флягой.

Одним из первых популяризаторов зонта как мужского аксессуара стал писатель Даниель Дефо, чей герой Робинзон Крузо смастерил себе зонт из козлиных шкур. После этого долгие годы солнечные зонты в Англии называли "робинзонами".

Так постепенно наряду с парасоль в гардеробных Европы появляется и его двойник, по аналогии названный "параплюи" (в переводе с французского - "для дождя"). Ну правильно, чтобы не перепутать!

В России зонты появились в конце XVIII века. Они пришли к нам вместе с модами, модистками и прочими парижскими новинками. Но несмотря на то, что зонт пришел из Франции, французский вариант его названия — "парасоль" — россияне не приняли (в отличие, например, от украинцев, которые называют зонт "парасоля").

Девятнадцатый век стал временем настоящего триумфа зонтов: к сороковым годам XIX века удобные, складные зонтики стали модными у мужчин и у женщин. Их носили с собой на все случаи жизни и тщательно подбирали к оттенку платья.

Гюстав Кайботт "Площадь Европы в дождливый день", 1877.

Зонты часто делали с красивыми костяными ручками (ручки со временем тоже стали складными) и с прикрепленными к наконечникам кольцами — чтобы было удобно носить. Украшенные бахромой и кружевом элегантные дамские зонтики от солнца по-прежнему были самым актуальным товаром, однако все активнее стали входить в обиход и более практичные "дождевые" модели - без кружев и воланов, но зато выполненные из плотной ткани, часто со специальным покрытием из воска. Наверное не случайно ко второй половине XIX века такие вот "практичные" зонты завоевали всеобщую популярность, значительно опередив по распространенности кружева и рюши. Причем, их носили не только мужчины, но и женщины.

В начале XX века изящные и вполне бесполезные кружевные женские зонтики еще сохраняли некоторую популярность, но после Первой мировой войны, к 20-м годам, они уступили место практичным бумажным моделям от солнца и клеенчатым - от дождя. Похожие изменения Первая мировая внесла и в мужские гардеробы: так популярные ранее зонты-трости концу 30-х постепенно выходят из моды.

Однако мода XX века почти не коснулась пляжных зонтов - их по-прежнему делали из полосатой ткани, с фестонами или бахромой по нижнему краю.

Зинаида Серебрякова "Ментона. Пляж с зонтиками", 1931.

Естественно, инженерная мысль не обошла такой предмет, как зонтик - изобретательская мысль всячески стремилась сделать его компактнее. Так 1928 году немецкий инженер Ганс Гаупт запатентовал телескопический карманный зонтик, а в 1936 году его фирма "Книрпс" предложила публике первый карманный зонт-автомат. Это привело к тому, что во второй половине XX века зонтик - и дамский, и мужской - уменьшился до размеров сумочки или портфеля и окончательно превратился в рядовой практичный предмет повседневного быта.

Впрочем, окончательно потеряв к концу XX века свою былую статусность, зонт вскоре обрел новый имидж. Побывав и прикрытием от дождя и солнца, и элегантным аксессуаром, он превратился в романтический атрибут.

Этому мы во многом обязаны кинематографу, активно эксплуатировавшему эффектные эпизоды с двумя влюбленным под зонтом. Одни названия отечественных и зарубежных кинофильмов говорят сами за себя: "Двое под одним зонтом", "Зонтик для новобрачных" и конечно "Шербурские зонтики".

Леонид Афремов "Двое под дождем".

В ХХ веке зонт постепенно из самого обыкновенного аксессуара для дождливой или, наоборот, солнечной погоды постепенно превращается в необыкновенный. Современные зонты поражают своим необычным дизайном, расцветками, оригинальными формами и принтами, превращаясь в защиту не только от плохой погоды, но и плохого настроения.

автор текста: Наталия Горюшкина для портала Осинка.ру

Часто люди воспринимают дождливую погоду как нечто скучное и наводящее тоску. Порой в дождь не хочется даже выходить на улицу. Наверное, для чтобы хоть как-то изменить это отношение к непогоде, дизайнеры всего мира стали придумывать необычные зонтики. И ведь неплохо получилось - убедитесь сами!

Зонтик - непростой взгляд на простую вещь!

Зонтик - не такая простая вещица, как мы привыкли. Необычная, c необычной историей (о ней мы говорили в предыдущей статье) и поэтому наверное немного сказочная. Помните персонажа сказки Андерсена, знаменитого Оле-Лукойе? У него был волшебный зонтик - разноцветный, нарядный, с интересными картинками. Его Оле раскрывал над послушными ребятишками, и им всю ночь снятся волшебные сказки. А ведь написала эта сказка была очень давно... Однако, пришли времена, когда мечты великого сказочника стали реальностью.

Обычно люди воспринимают дождливую погоду как нечто скучное. Порой в дождь не хочется даже выходить на улицу. Ведущие фирмы-производители зонтов приняли этот факт как вызов. Они решили изменить это отношение к непогоде и создали целый ряд достаточно необычных зонтов. При этом экспериментировали не только с сочетанием цветов, а также с изобретением новых форм, конструкций и механизмов зонта.

Фото 1. Алексей Пивоваров. "Оле-Лукойе". Иллюстрация к сказке Г.Х. Андерсена

Например, в конце XIX века предлагалось совместить зонтик со складным ручным громоотводом. Для этого сверху устанавливали длинный металлический стержень, который соединялся с землей проволокой. Владелец зонта, укрывшись под шелковым шатром, крепко держал в руках деревянную ручку - изолятор. Если учесть, что грозы обычно сопровождаются сильным дождем - полезное, хотя и довольно опасное изобретение.

А в США в середине XX века, очевидно под влиянием феминисток, была разработана модель зонта, защищавшая не только от дождя, но и от хулиганов и грабителей: подвергшись нападению на улице, дама наживала на ручку зонта, в ответ он выпускал облако слезоточивого газа и включал сирену.

Другие, наоборот, увидели в зонте идеальное орудие для убийства: так зонтик - неотъемлемый атрибут джентльмена - превратился в оружие, "жалящее ядом". Это не выдумка, а самое что ни на есть реальность шпионского мора: считается, что именно таким образом в 1978 году в Лондоне был убил болгарский диссидент Георги Марков. Он почувствовал легкий укол в голень, а когда обернулся - увидел рядом человека с зонтом, который вежливо извинился. Однако укол оказался смертельным. Аналогичный зонт с вмонтированной в него капсулой с ядом и выпрыгивающей иглой, можно увидеть в музее МВД и ... в известном французском кинофильме "Укол зонтиком".

Фото 2. Зонтик-сумочка от Seung Hee Son.

Но зонт так и остался зонтом, а не оружием самообороны или нападения, он и по сей день защищает нас от непогоды. А иногда и от плохого настроения.

Каких только расцветок не бывают современные зонты! Сейчас никого не удивишь зонтом в форме цветка или сердечка. А для детей производители предлагают модели с глазками и ушками, словно это не зонт, а какой-то сказочный зверек

Дизайнеры не обошли вниманием и мужские зонтики. Но в этом случае ставка была сделана не на форму купола, а на рукоять. Она может быть изготовлена как из дерева, так и из метала. При этом их форма в виде кастета, рукояти револьвера, эфеса шпаги, лапы льва выглядят весьма оригинально.

А как вам зонт, в сложенном виде напоминающий по форме .... бутылку? Или, складывающийся в симпатичную дамскую сумочку, как зонт от Seung Hee Son на фото 2? Причем, зонтик складывается влажной стороной внутрь, и вам больше не придется ломать голову, куда девать мокрый зонт в помещении или в транспорте. Правда, теперь помимо цвета зонтика придется выбирать и цвет сумочки, которая будет из него получаться. Но эти хлопоты можно отнести к приятным.

Фото 3. Фруктовый зонт - лучший антидепрессант в промозглые осенние дни.

Но больше всего, конечно, дизайнеры экспериментировали с расцветкой зонта. Причем, не только снаружи, но и изнутри. Так совершенно обычный с виду черный зонт-трость от компании "Альпикс групп" изнутри украшен полноцветным изображением фруктов (лимон, киви, апельсин, арбуз - на выбор!) в разрезе (фото 3). Сочность и яркость такого "фруктового наполнителя" будет приятно контрастировать с серой и мрачной дождливой погодой, создавая хорошее настроение и приятные летние ассоциации.

Тем, кто равнодушен к фруктам, возможно придется по душе зонт фирмы Hsiao. Сверху он покрыт особой "электронной" бумагой, а в рукоятке размещены компьютерные чипы, батареи питания и элементы управления, благодаря которым можно изменять картинку на поверхности зонта, и даже подобрать к нему подходящее звуковое сопровождение. Например, изображение леса можно сопроводить щебетанием птиц. В зонт изначально встроено шесть "тем", а те, кому этого недостаточно, могут закачивать темы из Интернета.

Еще один веселый зонт разработали дизайнеры Yu-ting Cheng, Yu-hsun Chung и Shaw-chen Chen. Их изобретение - зонт Wheel & Seal (в переводе с английского - "Вези и печатай"), ничем не отличается от обычного в дождливую погоду. Зато в сложенном виде он может ехать за владельцем благодаря маленькому ролику на конце (фото 4). Причем, ролик тоже не простой - он оставляет на асфальте отпечатки в виде улыбающейся рожицы.

Фото 4. Зонт Wheel&Seal с роликом на кончике зонта от дизайнеров Yu-ting Cheng, Yu-hsun Chung, Shaw-chen Chen.

Дальше всех пошли дизайнеры британской компании SquidLondon - они придумали необычный зонт-хамелеон, меняющий расцветку при попадании влаги (фото 5). Такие зонты-хамелеоны получили имя Squidarella. Идея пришла в голову художнику Джексону Поллоку, которого отличает его уникальная манера нанесения красок. Картины Поллока - это размещенные в хаотичном порядке яркие, красивые и оригинальные фрагменты. Именно такими становятся и придуманные им зонтики. Но не сразу, а только после того, как намокнут.

Фото 5. Зонт-хамелеон от SquidLondon в сухом (слева) и мокром виде.

Подобный эффект достигается благодаря использованию особого гидрохромного красителя. Если зонт сухой, то купол окрашен в заурядный черно–белый либо черно–серый цвет, но как только влага попала на поверхность зонта, на нем проявляется необычный рисунок, выполненный в очень ярких и сочных тонах. Так на куполе могут проявиться персонажи из известных мультфильмов, очертания графически расчерченных цветных домов, необычные узоры, а может быть просто крупные яркие кляксы, или множество других оригинальных композиций.

После того, как зонт принесли в помещение и он начал высыхать, рисунок постепенно тускнеет до следующего намокания под дождем. С таким необычным зонтом-хамелеоном вы точно не будете скучать серыми дождливыми буднями, а главное - не останетесь незамеченным в серой толпе. А еще такой зонт может стать веселой шуткой. Хотя, будьте осторожны в выборе объекта для розыгрыша - вряд ли респектабельному джентльмену понравится, когда его солидный черный зонт станет розовым или расцветится всеми цветами радуги.

Фото 6. Зонт, предсказывающий дождь от компании Ambient Devices.

Зонт, меняющий цвет от дождя это, конечно, весело, но совершенно бесполезно, а вот зонт, предупреждающий о надвигающихся осадках... Такой зонт-предсказатель разработала компания Ambient Devices.

Зонт, названный Ambient Umbrella автоматически получает свежую погодную сводку с сайта производителя через сеть Ambient’s Infocast. И всякий раз, когда в течение следующих 12 часов ожидается дождь, на ручке зонта зажигаются специальные светодиоды, и она светится тем ярче, чем вероятнее наступление осадков. Теперь не нужно мучиться сомнениями - брать ли его с собой на прогулку или нет.

Фото 7. Электрический зонтик Diy (DIY Electric Umbrella), с ним вы не заблудитесь в темноте.

Фото 8. Зонт "Кaпли светa (LightDrops)" от Sang-Kyun Park, работает от "дождевых" батарей.

Вообще - электронный зонт теперь не новость. Гурманам предлагаются различные варианты зонтов с LED-подсветкой. Например, это могут быть зонты со светящейся ручкой (светится синим цветом, как меч у всякого правильного джедая!), а встроенный в рукоятку фонарик подсвечивает дорогу. В других вариантах светится сам купол - или едва заметно, создавая на куполе зонта приятный рисунок звездного неба, или достаточно мощно, как электрический зонтик Diy (DIY Electric Umbrella) (фото 7). Согласитесь, с таким зонтом очень удобно обходить лужи в темное время суток. Не говоря уж о том, что от такой иллюминации разбегутся все тучи!

Причем, некоторым таким вот светящимся моделям даже не нужны батарейки. Пример - зонт "Кaпли светa (LightDrops)", aвтор Sang-Kyun Park (фото . Он назван так не случайно - дождевые капли, ударяя по специальной мембране, размещенной на куполе такого зонта, вырaбaтывaют энергию, которaя и используется для подсветки чудо-зонтикa.

После всего этого идея вмонтировать в ручку зонта радио, кажется, приходит сама собой. И не только радио, ведь, держа в руках зонт, не очень-то удобно пользоваться мобильным телефоном... В таких случаях на выручку приходит зонтик с блютуз от Михaила Стовского. Помимо синхронизации я телефоном, этот гаджет работает еще и как радиоприемник. Наверно, для того, чтобы было веселее шагать по лужам шагать под музыку.

Предпочитаете гулять только под любимые композиции? Не беда. В рукоятку зонта от SDESIGNUNIT вмонтирован mp3-плейер. Стереоколонки располагаются под куполом зонтика, что создает особый звуковой эффект, которому не помешает даже шум дождя.

Фото 9. Зонт с выходом в интернет от японских изобретателей.

Куда более продвинутой получилась разработка японских изобретателей (фото9). Их зонт оснащён новейшей электроникой: цифровым компасом и встроенной фотокамерой, которая соединена с вебсервисом. В пути можно делать фотографии, которые через беспроводный Интернет в течение пары минут загружаются на специальный портал. При прогулке в незнакомом месте, зонт определяет местоположение, предлагая трёхмерную карту и цифровой компас. Но говорят, сейчас уже появились зонты и со встроенным навигатором.

А ведь еще совсем недавно настоящей сенсацией был зонт-солнечные часы от японского дизайнера Kota Nezu (фото 10). В его изобретении кончик зонта выполнял роль стрелки, а вся разметка нанесена на купол. Ну и чтобы часы работали точно, в ручку вмонтирован компас. Одно огорчает - такой зонт работает лишь в солнечную погоду.

Фото 10. Зонт-солнечные часы от японского дизайнера Kota Nezu.

Едва взглянув на зонтик, изображенный на фото 11, вы наверное, разочарованно скажете: "Неправильный зонт"... Как раз наоборот, зонтик SENZ - самый что ни на есть правильный, ибо разработан с учетом всех аэродинамических законов. Он обещает выдержать порывы ветрa до 70 м/ч, и при этом не будет выворачиваться внутрь или уносить своих владельцев, а еще он не даст дождевым струям окатить вашу спину при сильном ливне.

Фото 11. Зонтик SENZ - торжество аэродинамики.

Изобретатели позаботились и о братьях наших меньших - ведь им-то куда чаще чем нам, людям, приходится гулять под дождем. Вот здесь-то и пришла на помощь компания Hammacher Schlemmer, давно и успешно продающая необычные товары для животных. Недавно компания представила свой новый товар: The Dogbrella (от английского dog – "собака" и umbrella – "зонт") (фото 12). Это самый настоящий зонт для собак, с появлением которого у владельцев больше не будет повода отменить прогулку из-за плохой погоды.

Конечно, дизайнеры ничего нового тут не изобретали, а просто поменяли местами купол зонта и трость, которая теперь держит его сверху. Внутри купола имеется цепочка-поводок, длина которой рассчитана так, чтобы собака не выходила за пределы зонта. Dogbrella изготовлен из прочного полиэтилена, который выдерживает не только дождь, но и дождь со снегом.

Преимущества же использования этого своеобразного зонта очевидны: это комфорт и питомца, и его хозяина, ведь собака останется чистой, а в квартире не будет пахнуть мокрой шерстью. Правда, хозяину теперь придется нести на прогулке уже два зонта - для себя и для собаки.

А ведь многие зонты не нужно держать в руках. Та же компания Компания Hammacher Schlemmer предлагает интересный выход – зонт, который крепится к спине и не занимает рук. The Backpack Umbrella (от англ. "зонт-рюкзак") представляет собой стандартный зонт, который крепится на спину владельца при помощи ремней – через плечи и вокруг пояса. Во время дождя зонт вынимается из чехла и легко закрепляется над головой владельца, оставляя ему прежнюю свободу движений. Конечно, когда дождя нет, вы будете выглядеть как парашютист, что не очень эстетично, зато в остальном концепт весьма оригинален и удобен.

Фото 12. The Dogbrella - зонт для собак.

Совсем другое решение нашли японские дизайнеры - их зонт имеет длинную гибкую ручку, которая обматывается вокруг плеча. Но самый необычный - прозрачный зонт в стиле birdcage ("птичья клетка") (фото 13). Эта модель вообще не имеет ручки, надевается на плечи наподобие рюкзака, а в разложенном виде по форме напоминает купол, который укрывает не только голову, но и плечи. Не удивительно, что эта модель особенно пришлась по вкусу велосипедистам - можно крутить педали под проливным дождем и оставаться сухими.

Фото 13. Прозрачный зонт в стиле birdcage ("птичья клетка") надежно укроет от дождя.

Фото14. Двойной зонт теперь самая обычная вещь. Кстати - очень удобная!.

Не обошли изобретатели зонтов и влюбленных: "зонтик для новобрачных" из одноименного кинофильма - это совсем не вымысел, а очень удобная штука (фото 14). Тем более, что в сложенном виде он лишь немногим больше обычного складного "одиночного" зонта.

Как видите - изобретательская мысль не стоит на месте. И кто знает, может какой-то из этих зонтиков, который воспринимается нами сейчас как приятное чудо, вскоре станет самым обычным зонтом. И дождливый день уже не будет казаться нам таким скучным и монотонным.

Автор: Наталия Горюшкина для портала Осинка.ру
Примечание. При подготовке статьи использованы материалы одноименной лекции Татьяны Кулахметовой.

Очень часто мы слышим фразы вроде: В древнем Египте в моде были парики. Или тугой корсет снова вошел в моду в середине XIX века... Понятно, что речь идет о традициях и привычках в одежде, а вовсе не о моде в нашем современном понимании. Итак, что же такое современная мода? Как она возникла? Давайте попробуем разобраться...

Фабрики, универмаги, куртизанки. Как формировалась современная мода.

Очень часто мы слышим фразы вроде: "В древнем Египте в моде были парики" или "тугой корсет снова вошел в моду в середине XIX века"... Понятно, что речь идет о традициях и привычках в одежде, а вовсе не о моде в нашем современном понимании. Итак, что же такое современная мода? Давайте попробуем разобраться....

Для начала давайте откроем толковые словари... Вот что пишет про моду словарь Даля:

МО́ДА ж. франц. ходящий обычай; временная, изменчивая прихоть в житейском быту, в обществе, в покрое одежды и в нарядах; обык. По моде, и мышь в комоде...

Модель из коллекции ESTER ABNER, весна-лето 2012-2013.

Словарь Ожегова более многословен:

МОДА -ы, ж. 1. Совокупность вкусов и взглядов, господствующих в определенной общественной среде в определенное, обычно недолгое время. Войти в моду. Выйти из моды. Дань моде. Одет по последней моде. М. на короткую одежду. Ввести в моду новый фасон. 2. мн. Образцы предметов, отвечающие таким вкусам (обычно об одежде). Журнал мод. 3. Манера поведения, обычаи (прост.). Взял моду ругаться. * В моде - моден (в 1 и 2 знач.). В моде - макси. Кружево не в моде.

А если с житейской позиции, кого мы называем модно одетым? Очевидно тех, кто носит то, что общественно одобряемо сейчас. И правда, если оглянуться на наше общество, то можно заметить, что все мы примерно одинаково одеты, все носят похожий набор вещей и примерно по одной цене. Т.е. современная мода - она массовая, доступная и от этого демократичная. И тут становится понятно, почему так неудачен пример с египетскими париками. В те годы парик был символом власти, и далеко не каждый мог носить его (даже имей он для этого средства).

Причем, массовость современной моды не знает границ - примерно то же самое носят люди и в Америке, и в Европе. А главное - модные тенденции распространяются по земному шару очень быстро, такая высокая скорость распространения - это тоже одна из основных черт современной моды.

Дамы в нарядных платьях. Страница из дурнала мод. 1900 г.

После всего этого становится понятным, что это все могло быть реализовано не раньше чем на рубеже 19-20 веков. Для массовой моды необходимо массовое производство, а это проблематично, если платье шьется вручную, непременно украшается ручной вышивкой, кружевом. Просто потому, что оно получается очень дорогим, и менять его в соответствии с какими-то веяниями в обществе могли себе позволить только сливки общества.

Теперь становится понятным, почему в толковании слова "Мода" по Ожегову встречается фраза "определенная общественная среда". Ведь до середины XIX века единственной общественной средой, в которой пульсировала моды была среда аристократии. Высший свет был основным потребителем моды, и, как ни странно, он же был и основным ее создателем. В кинофильме "Герцогиня" (англ."The Duchess", 2008 г.) есть такая фраза: "О, какое на вас чудесное платье, вы сами его придумали?" парадоксально, но дамы придумывали свои наряды сами. И модные журналы тех лет были больше похожи на светскую колонку: "... Маркиза М. на ежегодном балу в ратуше была в платье из голубого муара с бантами на подоле". И вот уже остальные дамы нашептывают своим портнихам - где должны быть банты в их следующем платье, какой должна быть вышивка и сколько кружев нашить на подоле, чтоб им удалось непременно перещеголять маркизу М на следующем светском рауте.

Так что ж произошло в конце XIX - начале XX века, что сделало моду из исключительно аристократического явления доступной большинству? Предлагаю сделать краткий экскурс в историю. А помогут нам - старинные фотографии и картины.

Историческая фото-галерея

автор текста: Горюшкина Наталия для портала Осинка.ру

Школьная форма всегда была объектом дискуссий… Одни считают, что она необходима, так как дисциплинирует, настраивает на рабочий лад. Другие придерживаются мнения, что единая форма вредит гармоничному развитию личности и убивает индивидуальность. А вы знаете, что в следующем году школьной форме в России исполнится 180 лет? И, к слову, это были очень интересные 180 лет!

Форменная история: школьная форма в России

Вот и начался новый учебный год... В это раз он принес родителям куда больше хлопот... И самая главная их них - школьная форма... Она снова стала объектом дискуссий, споров и самых разных мнений... Одни считают, что школьная форма необходима, т.к. дисциплинирует, настраивает на рабочий лад. Другие придерживаются мнения, что она вредит гармоничному развитию личности и убивает индивидуальность.

А ведь в следующем году школьной форме в России исполнится не много, не мало - 180 лет. Как же менялась она про протяжении свой столь долгой истории?

Школьная форма, пожалуй, одно из немногих модных явлений, чья точная дата рождения известна - 1834 году. Именно в этом году был принят закон, утвердивший внешний вид гражданских мундиров служащих госучреждения Российской империи. К ним относились и гимназические и студенческие мундиры. Согласно закону все государственные служащие должны были носить форменную одежду, соответствующую их чину и званию, согласно "Табеля о рангах". А поскольку гимназии относились к государственным учреждениям, в форменные сюртуки облачились не только преподаватели, но и учащиеся. Так, все педагоги в государственных учебных заведениях (гимназиях) носили форменные сюртуки. Исходя из этого, было естественным введение и для учащихся форменных костюмов.

Д. Жуков "Провалился", 1885 г.

Пристрастия тогдашнего Императора Николая I определили и внешний вид формы для гимназистов: она имела полувоенный вид. У учащихся гимназий были светло-синие фуражки с чёрным козырьком, цветным кантом и эмблемой. Эмблема прикреплялась к околышу и представляла собой две серебряные пальмовые ветви, между которыми размещались инициалы города, номер гимназии и буква "Г" - "гимназия" (например, "СПБ.3.Г." - Санкт-Петербургская Третья гимназия). Зимой, в холода, к фуражке полагались наушники из черного фетра на коричневой байке внутри - они надевались прямо на ухо, как чехол, по низу были соединены черной резинкой. Также в сильные морозы и метель носили башлык цвета натуральной верблюжьей шерсти, отделанный серой тесьмой.

Повседневной формой гимназистов обычно была шерстяная суконная гимнастерка синего цвета с серебряными выпуклыми пуговицами, подпоясанная черным лакированным ремнем с серебряной пряжкой с теми же буквами, что и на фуражке, черные брюки без канта и ботинки на шнуровке. Летние гимнастёрки были из коломянки - грубой плотной льняной ткани. Старшеклассники обычно ходили не в гимнастёрках, а в куртках со стоячим воротником, как у морского кителя.

Имелась и выходная форма: темно-синий или темно-серый однобортный мундир с обшитым серебряным галуном воротником. К мундиру надевали крахмальный воротничок.

Гимназическая шинель была обязательна. Внешне она напоминала офицерскую - светло-серая, двубортная, с серебряными пуговицами, синими петлицами в цвет фуражки, с белым кантом и пуговицами. Шинели были "холодные", зимой к ней пристегивали серую стеганую подкладку на вате. Вместо шарфа носили черный суконный нагрудник, как у матросов. Ученикам младших классов разрешался зимой черный каракулевый воротник.

Книги и тетради носили в ранце. Он был совсем не похож на наши школьные рюкзаки - из черной кожи, крышка обшита тюленьим мехом серо-зеленого цвета.

Владимир Маяковский, гимназист 2 класса. Снимок 1904 г.

В некоторых гимназиях полагались не синие, а серые гимнастерки и куртки, из-за них гимназистов частенько дразнили "сизяками". Помните, у Льва Кассиля в "Кондуите и Швамбрании": "То были торжественные дни всеобщего признания моего величия и длинных брюк навыпуск. Мальчишки кричали мне на улице: "Сизяк!" Сизяками дразнили гимназистов. Я был горд, что меня теперь тоже можно так дразнить.

Солнце сияло на моем животе, отражаясь в латунной бляхе кожаного кушака. На бляхе чернели буквы "П. Г." - "Покровская гимназия". Выпуклые блестящие пуговицы, как серебряные божьи коровки, выползли на серую гимнастерку..."

Такая полувоенная школьная форма просуществовала вплоть до 1917 года, вот только фасон ее незначительно менялся несколько раз - в 1855, 1868, 1896 и 1913 годах.

Форма гимназистов была таким же сословным признаком, как и форма взрослых: ведь в гимназиях могли учиться лишь дети дворян, интеллигенции и крупных промышленников. Форму носили не только в гимназии, но и на улице, дома, во время торжеств и праздников. Администрация учебных заведений и прежде всего надзиратели строго следили за соблюдением всех правил ношения формы, причем не только в стенах гимназии, но и вне ее. Но по неписаным правилам гимназисту на улице полагалось обязательно скрывать номер гимназии, в которой он учился, чтобы остаться неопознанным, если он совершал нарушение. Для этого номер выламывали с фуражки, а ремень переворачивали, чтоб бляха с номером гимназии была не видна.

Девичья школьная форма появилась намного позднее – в 1880 году. Как раз в это время начало появляться государственное образование для девочек, а значит - им тоже нужна была школьная форма.

Ученицы Сапожковской женской гимназии с директором гимназии Носовой Анной Дмитриевной, 1913 г.

До нас дошло описание формы Бийской женской прогимназии, созданной в 1880 году на деньги местных купцов. Тамошним уставом было предусмотрено ношение трех видов одежды. В первую очередь - это "обязательная форма для ежедневного посещения", которая состояла из так хорошо многим знакомого коричневого платья из камлота - мягкой шерстяной ткани с добавлением шелка, и шерстяного фартука чёрного цвета. Платья были закрытые ("глухие"), одноцветные, самого простого покроя. Устав требовал "содержать платье в чистоте, опрятно, не носить его дома, ежедневно разглаживать и следить за чистотой белого воротника". Парадная форма состояла из этого же платья, белого фартука и нарядного кружевного воротничка. В парадной форме гимназистки посещали театр, Еленинскую церковь по праздничным дням, в ней ходили на рождественские и новогодние вечера. Также "никому не запрещалось иметь отдельное платье любой модели и покроя, если средства родителей позволяли такую роскошь".

Цвет и фасон школьной формы девочек мог отличаться в разный учебных заведениях. Например, из воспоминаний Валентиной Савицкой, выпускницы 1909 года московской гимназии № 36, мы знаем, что цвет ткани платьев у тамошних гимназисток был разным, в зависимости от возраста: у младших он был темно-синим, в средних классах - цвета морской волны, а у выпускниц – коричневого. И традиционные фартуки - черный и белый.

Смольный институт. Урок рисования. Выпускной альбом института 1889 года.

А вот форма воспитанниц Смольного института состояла из платья с коротким рукавом, фартука или передника, пелеринки и нарукавников на тесемках. Цвет формы также зависел от возраста: в 6 - 9 лет - коричневый (кофейный), в 9 - 12 лет - голубой, в 12 - 15 лет - серый и в 15 - 18 лет - белый. Первым трем возрастам полагались фартуки и передники белого цвета, даже в повседневном варианте, а вот самым старшим выдавались зеленые.

Однако вскоре после Октябрьской революции в 1918 году в рамках борьбы с буржуазными пережитками и наследием царского режима был издан декрет, отменявший ношение школьной формы. Это было и понятно - в те годы форма для многих была непозволительной роскошью.

Из воспоминаний Валентиной Савицкой: "...Старая форма считалась символом принадлежности к высшим сословиям (была даже презрительная кличка для сентиментальной девочки — "гимназистка"). Считалось, что форма символизирует несвободу, униженное, подневольное положение ученика. Но у этого отказа от формы была и другая, более понятная причина — бедность. Ученики ходили в школу в том, что могли предоставить им родители."

Учащиеся 3-го класса Образцовой средней школы, 17 декабря 1937 года.

Обычно это были брюки и рубашки-косоворотки у мальчиков и простые платья у девочек. К концу 1920-х годов популярность у молодежи приобретают блузы.

А. Кержнер "В первый класс", 1950 г.

И. Аристов "Пионерка", 1958 г.

В. Корнеев "Школьники на концерте", 1952 г.

Период такой вот "бесформенности" длился больше 30 лет. Как ни удивительно, но впервые школьная форма в СССР появляется лишь в 1949 году, и ... во многом повторяет школьную форму царской России. Отныне все мальчики обязаны были носить в школу серые военные гимнастерки с воротником стоечкой, с пятью пуговицами и с двумя прорезными карманами с клапанами на груди. Обязательным элементом школьной формы был ремень с пряжкой и фуражка с кожаным козырьком, которую ребята носили на улице. Строго регламентировались причёски - под машинку, как в армии.

Советская школьная форма. Кадр из к/ф "Старик Хоттабыч", 1956 г.

Повседневной формой для девочек снова стали коричневые шерстяные платья с черным фартуком, по праздникам черные фартуки меняли на белые, с широкими оборками по бретелям, завязывающиеся сзади на бант. Вот только в отличие от гимназисток шляпки советским школьницам не полагались. Платья носили с белыми воротничками и манжетами (это было обязательно), их можно было отделывать кружевом.

Больше никаких украшений в форме для девочек (и уж тем более - для мальчиков) не допускалось. Даже причёска должна была отвечать определенным требованиям - "модельные" стрижки до конца 50-х годов были под строгим запретом. Девочки обязательно носили косы с бантами - чёрными или коричневыми (повседневными) или белыми (парадными). Банты других цветов по правилам не разрешались. Ленты в те годы были только атласные - они очень быстро мялись и теряли вид, поэтому их надо было все время гладить и хранить, скатав в рулончик.

Ю. Ляхов "Пионерка", 1950 г.

Тогда же обязательным атрибутом формы у школьников стала коммунистическая символика: у пионеров – красный галстук, у комсомольцев и октябрят – значок на груди.

Школьную форму той эпохи можно увидеть в фильмах "Первоклассница", "Алёша Птицын вырабатывает характер", "Старик-Хоттабыч", "Испытательный срок" и др. Сейчас это выглядит необычным, но в 50-е годы было принято носить школьную форму и вне школы - ее надевали в театр, на концерт, на прогулку в парк, в гости и на праздники.

С начала 1960-х годов форма мальчиков приобрела более "мирный" вид. Теперь это был серый полушерстяной костюм - брюки и однобортный пиджак с тремя черными пластмассовыми пуговицами. Под пиджак рекомендовалась белая рубашка. В младших классах было принято нашивать белый воротничок поверх пиджачного воротника ( как в к/ф "Дети Дон-кихота", помните?). Фуражку заменил тёмно-синий берет. В 1960-ом году такая новая форма появилась в Ленинграде, а с 1962 года - стала обязательной по всей стране, хотя многие школьники до середины 1960-х годов ещё ходили в школу в старой.

Советская школьная форма образца 1962 года. Кадр из к/ф "Внимание, черепаха", 1970 г.

А форма девочек ... осталась прежней. Изменения коснулись лишь причесок - косы перестали быть обязательными, разрешили носить "хвостики", появились стрижки. Но поистине революцией стало появление капроновых лент, которые не теряли форму даже после нескольких использований. Благодаря им в "ассортименте" школьных причесок, особенно у младших школьниц, появились большие пышные банты, частенько разноцветные.

Очередная реформа школьной формы произошла в 1973 году. И снова она коснулась только мальчиков: теперь их школьная форма представляла собой синюю куртку из полушерстяной ткани, украшенную эмблемой на рукаве и пятью алюминиевыми пуговицами, с поясом, манжетами, погончиками и карманами с клапанами на груди. Современный обладатель модного гардероба без труда найдет в ней сходство с покроем .. традиционных джинсовых курток. И не зря - ведь в те годы джинсовый стиль был столь популярен, что нашел свое воплощение даже в одежде школьника.

Школьная форма образца 1974года. Кадр из к/ф "Приключения Электроника". 1979 г.

А вот девочкам снова не повезло. Правда их школьная форма, официально оставшаяся неизменной, стала более свободной. Теперь уже никто не ограничивал фасоны и материал, из которого шились платья и фартуки. Единственным условием был только коричневый цвет платья, а вот его оттенки в разных регионах могли быть свои. Особенно ценились школьные платья из тонкой шести кофейного цвета с юбкой-плиссе, которые шили на заказ в московском ателье "Машенька". Помимо красивого стильного фасона у них было еще одно важное преимущество - они не лоснились на подоле и локтях, и их не надо было каждую неделю отпаривать через тряпку, смоченную в уксусе, чтобы убрать этот предательский блеск.

Если платья были почти у всех одинаковые, то фартуки - очень разные: и самые простые, из дешевой х/б или полушерстяной ткани, и стильные и красивые, из шелка, атласа или гипюра (даже черные, повседневные), с оборками, кружевом, защипами, пелеринами, плиссированными или гофрированными крылышками. Их или шили сами, или заказывали в ателье. И даже доставали по блату: Очень красивыми стали и сменные воротники и манжеты к школьному платью - мамы и бабушки-рукодельницы шили и вязали их своим красавицам, украшали вышивкой и щедро обшивали кружевами.

Школьный двор 1 сентября, снимок 1980-х гг.

В начале 1980-х была введена форма для старшеклассников (такую форму мальчики начинали носить с восьмого класса): брюки и куртка сменились на брючный костюм все того же синего цвета с голубой эмблемой на рукаве.

Первая и единственная реформа школьной формы для девочек произошла только в 1984 году, и коснулась она также только старшеклассниц: в школах Москвы и с Ленинграда для был введён костюм-тройка синего цвета, состоящий из юбки-трапеции со складками спереди, пиджака с накладными карманами и жилетки. Юбку можно было носить либо с пиджаком, либо с жилетом, либо весь костюм сразу. Но эта форма была пошита .... все из той же мнущейся и лоснящейся ткани, что доставляло их обладательницам не меньше хлопот, чем раньше.

Но уже в 1988 году некоторым школам в порядке эксперимента разрешили отказаться от обязательного ношения школьной формы. В 1992 году школьную форму отменили во всех школах Российской Федерации в знак того, что в стране полностью победила демократия. Запрет снят, ходить можно в чем угодно, лишь бы одежда была чистой и опрятной.

Школьная линейка 1 сентября 2009 г.

Однако оказалось, что такой плюрализм имеет свои минусы. Подростки большую часть своего времени проводят в стенах школы, и им отнюдь не все равно, в чем предстать перед одноклассниками, участились требования детей купить новый модный наряд. С другой стороны- не все модные вещи оказывались уместны в повседневной обстановке.

Все это привело к тому, что с 1999 года утвердилась обратная тенденция: школьная форма стала вводиться вновь, по инициативе администрации учебных заведений и родителей. Многие школы, лицеи и гимназии, особенно наиболее престижные, утвердили свою собственную форму, подчёркивающую принадлежность учеников к учебному заведению. ее шьют на заказ из ткани выбранной расцветки, причем, родители могут выбрать понравившуюся модель по каталогу. Нередко, как и в царских гимназиях, цвет формы меняется с возрастом учеников: младшеклассники носят форму более ярких или пастельных цветов, учащиеся старших классов - строгих и сдержанных.

Появились и "облегченные" варианты, например трикотажная жилетка определенного цвета с эмблемой учебного заведения на груди - и для мальчиков, и для девочек.

Но в большинстве школ под понятием "школьная форма" чаще подразумевается деловой стиль одежды для учащихся – элегантный, удобный, практичный, так называемый "дресс-код".

Школьная форма младшего звена Гимназии № 19 г. Тольятти.

И вот наконец школьная форма снова стала обязательной. Но на этот раз ее внешний вид будут определять руководители регионов, муниципалитетов или образовательных учреждений. А чтобы им было легче определиться с выбором, дизайнеры в этом сезоне предложили великое множество моделей - на любой вкус и кошелек.

Но вот чего среди школьных моделей точно не будет, так это суконных гимнастерок и коричневых платьиц. Они теперь навсегда - достояние истории.

Автор: Горюшкина Наталия
Фото: Азарова Надежда для портала Осинка.ру

Слова "история" и "мода" мы обычно употребляем только в одном словосочетании - "история моды". И мало кому приходит в голову заглянуть с другой стороны - а как история влияет на моду, как меняются модные предпочтения со сменой эпох, войнами и революциями. Именно такой подход выбрали организаторы выставки "Мода в зеркале истории". И сегодня мы поговорим о 19 веке…

Мода в зеркале истории. XIX век: барышни, прогулки и балы!

Слова "история" и "мода" мы обычно употребляем только в одном словосочетании - "история моды". И мало кому приходит в голову заглянуть с другой стороны - а как история влияет на моду, как меняются модные предпочтения со сменой эпох, войнами и революциями. Именно такой подход выбрали организаторы выставки "Мода в зеркале истории" - известный историк моды и коллекционер Александр Васильев и Музей Москвы.

Итак, как же отражалась история в модных тенденциях? Предлагаем пройтись по залам музея...

Фото. На выставке "Мода в зеркале истории".

А начинается все с начала XIX века. Франция при новом властителе Европы императоре Наполеоне I (1804 – 1815) стала мировым лидером не только в политике, но и в искусстве. Эталоном для подражания стала Римская империя, благодаря имперским амбициям французов и раскопкам в городе Помпеи. Волна увлечения стилем ампир (от фр. "empire" - "имперский") охватила весь мир.

Россия в правление Александра I, убаюканная патриархальным устоем, "спала". Русская аристократия во всем подражала Франции: говорила и одевалась по-французски. С.П. Жихарев в "Записках современника" писал, что перед праздниками у француженки мадам Обер-Шальме был "такой приезд, что весь переулок заставлен каретами". Русские модницы с усердием копировали стиль empire. Преобладали платья-"сорочки" с высокой линией талии. Их шили из английского полупрозрачного хлопка: нежной вуали, муслина, газа, батиста. Под платье надевали тонкий чехол или розовое трико, чтобы фигура просвечивала сквозь ткань.

Фото. Платье дамское, х/б ткань, Россия, 1810-е гг.

Вот о чем в 1803 году писал журнал "Московский меркурий": "...Если у женщины не видно сложения ног от башмаков до туловища, то говорят, что она не умеет одеваться или хочет отличиться странностью. Когда нимфа идет, платье искусно подобранное и позади гладко обтянутое, показывает всю игру мускулов ее при каждом шаге...". Подол платья украшали вышивкой в тон ткани. Подобный наряд был у Наташи Ростовой на ее первом балу. "...На них двух белые дымковые платья на розовых, шелковых чехлах с розанами в корсаже. Волоса должны были быть причесаны а lа grecqe" (Л.Н. Толстой. Война и мир).

Популярность английского хлопка в мире вызвала разорение французских (лионских) производителей шелковых тканей. В пику Англии Наполеон I издал указ, по которому аристократки должны появляться на балах в шелковых нарядах. Так мода переплеталась с политикой.

Фото. Веера в стиле "Ампир". Кость, рог, шелк, вышивка блестками. Франция, 1800-е гг.

Фото. Веер-опахало в стиле "Ампир". Картон, гравюра, дерево. Ридикюли. Бархат, шелк, вышивка гладью, металл, золочение. Туфли бальные. Атлас. Франция. 1800-1810-е гг.

Императрица Франции Жозефина ввела в обиход дорогие кашмирские шали и сумочки-ридикюли из бисера в форме ананаса. Разнообразием отличались веера, украшенные ручной росписью. Шелковые туфельки без каблука — "родственницы" пуантов, дополняли образ модницы. Однако редингот и спенсер русские дамы позаимствовали у англичанок. Для зимы шили накидки на меху, с опушками по краю.

Начавшаяся Отечественная война 1812 года вызвала в Россия невиданный прежде патриотический подъем. Высшее сословие сражалось за свободу Отечества, изучало русский язык и историю, народные обычаи и обряды. Подобно птице-феникс сожженная врагом Москва возрождалась из пепла. Здания возводили из камня, в классическом стиле. В 1815 году для Верхних торговых рядов было построено новое здание. В 1822 году возвели Манеж, в 1824-м Малый театр, в 1825-м - Большой. По проекту В.П. Стасова в 1830-е годы были построены Провиантские склады (теперь здесь Музей Москвы). Манифестом было провозглашено о возведении в Москве памятника Отечественной войне 1812 года - Храма Христа Спасителя.

После победы в войне с Наполеоном в европейскую моду вошли меховые шапки а-ля russe, широкие салопы, подбитые мехом, и просторные штаны а-ля cosak. Патриотки одевались в платья, напоминающие сарафаны. Мирное время вновь напоминало о балах. Увлечение венским вальсом привело к укорачиванию и расширению юбок. Мода на стиль ампир постепенно сдавала позиции - бывшие кумиры потерпели политическое фиаско и канули в Лету.

Фото. Спенсер, х/б ткань, Франция, 1820-е гг.

Фото. Платье дамское, набивной ситец, репсовый пояс с пряжкой. Россия, 1830 г.

Фото. Платье бальное, шелк, жаккардовый пояс. Франция, 1830 г.

В первые десятилетия XIX века были изобретены паровые машины, паровоз, пароход. В Европе прокладывали железные дороги. Однако индустриализация подавляла человека. Новый стиль в искусстве – романтизм - воспевал гармонию природы с одухотворенной творческий личностью. В литературе обозначился интерес к возвышенной поэзии и романам. Глашатаем романтизма стал английский поэт лорд Байрон. В России чуть позже появился свой гений — А.С. Пушкин.

После смерти Александра I в декабре 1825 года к власти пришел Николай I. За годы своего тридцатилетнего правления он ревностно укреплял самодержавие и подавлял "вольнодумство". Патриотизм был в моде, указом от 27 февраля 1834 года царским особам и фрейлинам предписывалось носить при дворе парадное бархатное платье в русском стиле "а-ля бояр" со шлейфом и "долгими" рукавами. Чехлом служило платье из белого шелка. Общество того времени талантливо запечатлел А.С. Пушкин в романе "Евгений Онегин" — энциклопедии русской жизни.

Женщины развивали свои таланты — пели, рисовали, вышивали, читали (как Татьяна Ларина). Знать приглашала в свои салоны поэтов, композиторов, живописцев. Разговоры и диспуты велись на русском языке. В парках стали популярны многолюдные гулянья. Жилище дворянина украшалось персидскими коврами, картинами, зеркалами в позолоченных рамах, дорогой мебелью из красного дерева. Стало модно выезжать на природу и проводить лето в усадьбах. "...На прогулках и в деревнях часто встречаются модные дамы в платьях из кисеи, жаконна и батиста, цвета голубого, розового..." (журнал "Московский телеграф"). Утонченность, бледность, меланхолия считались модными у женщин того времени. Для выражения этого образа стал меняться и силуэт платья: постепенно линии талии вернулись на место, корсет вновь туго охватил стан светских красавиц. "Здесь вы встретите такие талии, какие даже вам не снились никогда: тоненькие, узенькие талии никак не толще бутылочной шейки, встретясь с которыми вы почтительно отойдете к сторонке... чтобы как-нибудь от неосторожного даже дыхания не переломилось прелестнейшее произведение природы и искусства" (Н.В. Гоголь. Невский проспект).

Фото. Платье дамское из жаккардовой ткани, Россия, 1840-е гг.

Рукава, похожие на бараний окорок — широкие в плечах, узкие к запястью, надулись воздухом. Подолы расширились, юбки стали короче и обнажили щиколотки. В моду вошли искусно вышитые чулки.

Мода на шелка и популярность шалей способствовала распространению жаккардовых машин - только в Московской губернии их насчитывалось до 2,5 тысяч. Входят в моду купавинские шали, которые ткали на одной из старейших мануфактур князя Н. Юсупова. Причем, их качество успешно конкурировало с всемирно известной лионской продукцией.

Резкие изменения произошли и в мужском костюме. На пристрастия сильного пола повлияли англичане — законодатели мод того времени. Процветал дендизм. Модный господин должен быть "как денди лондонский одет". Талии сильно подчеркивались корсетами! Цилиндры, черные лаковые штиблеты на каблуке, вышитые подтяжки, белые перчатки и изящная тросточка дополняли туалет джентльмена. Умеренность в деталях и кажущаяся простота в крое доводились до совершенства. Костюмы были темных тонов. Минимум аксессуаров - булавка для галстука и часы. Буржуазия стала диктовать миру свои ценности жизни — не сибаритство, а труд, не роскошь костюма, а респектабельность в одежде.

Фото. Платье дамское, набивная шерсть, шнил, оборки. Англия, конец 1840-х гг.

Фото. Платье дамское, шерстяная купонная ткань с отделкой из набивной ткани. Россия, 1860 г.

Фото. Платье прогулочное, репс, кружево Worth&Bobergh. Франция, 1859 г.

Долой сантименты и романтизм! Мир трещит по швам – рушатся границы, идет борьба за независимость. В 1853 году Россия, защищая балканские народы, вступила в войну против Османской империи. На стороне Турции выступили Англия и Франция. Началась интервенция в Россию и Крымская война. В поддержку героической обороны Севастополя дамы надели платья цвета зеленого "крымского" моря и накидки с башлыками (армейскими капюшонами). В 1851 году началось движение поездов на Николаевской железной дороге из Москвы в Петербург. Россия вставала на индустриальные рельсы.

19 февраля 1861 года император Александр II издал Манифест об отмене крепостного права. Увеличился приток крестьян в города. Царским двором широко пропагандировалось народное искусство, были выделены огромные субсидии ученым, изучающим Древнюю Русь. В итоге, после долгих и тщательных экспедиций по всем уголкам страны, москвичам было представлено грандиозное зрелище: 23 апреля 1867 года в здании московского Манежа открылась "Первая этнографическая выставка в России". Ее курировал великий князь Владимир Александрович и лично император Александр II. На выставке были представлены сцены из жизни крестьян, народные костюмы всех губерний Российской империи.

Фото. Костюм женский, холст, кружево, тесьма, ручная работа. Москва, нач. XX в.
Рубашка мужская, лен, вышивка крестом, Россия. 1910-е гг.

Появлялась и мода... Кузнецкий мост в Москве превратился в модную торговую улицу с лучшими ателье, книжными лавками и ресторанами. В 1865 году в Петербурге открылся первый русский Дом Haute Couture Бризак, основанный французскими эмигрантами. Там одевался императорский двор, и вскоре наряды с этим грифом стали самыми престижными в Восточной Европе.

Но мода не развивалась бы так быстро, если бы не революционные открытия! Американец Исаак Зингер выпустил первые швейные машинки. Они заменили ручной труд тысяч портных и ускорили смену фасонов платьев. Англичане изобрели искусственные анилиновые красители, и наряды приобрели яркость. Мода превратилась в приятную забаву для женщин.

Фото. Платье дамское, жаккардовый шелк, юбка на кринолине, Россия, 1848-1850-е гг.

Модные журналы и бумажные выкройки стали доступны. Жаждущих обновить гардероб поезда доставляли в обитель парижских мод. Властелином дам со всего мира стал парижский кутюрье Чарльз Фредерик Ворт – придворный портной Евгении, супруги Наполеона III.

Чтобы увеличить спрос на лионские шелка, Ворт придумал платья с немыслимыми размерами юбок. Настала эра кринолинов – нижних объемных юбок изо льна (фр. lin), переплетенного с конским волосом (фр. Krin). В конце 1850-х годов благодаря изобретению стальной проволоки возник легкий кринолин из тонких обручей, который складывался, как гармошка. "Без кринолина нет изящного туалета и нет хорошей фигуры. Кринолин так привился к современному костюму, что кажется и подумать нельзя обойтись без него. Представьте себе широкие и длинные платья, не поддерживаемые кринолином!" ("Модный магазин", 1862, №8). В конце 1860-х годов объем юбок достиг предельной ширины. Талия, напротив, сузилась до 30 см. Музей Москвы представил на выставке редкость - домашний "кринолинный" шлафрок (халат) 1860-х годов.

В женском гардеробе по-прежнему важное место занимали кружевные накидки, пелерины и жаккардовые шали. Росло и число предприятий, их производящих. Так Торговый дом Я. И. Лабзина и В.И. Грязнова стал выпускать знаменитые Павлово-Посадские набивные платки.

В мужской моде преобладала деловая одежда строгих, четких форм – сюртук, визитка, фрак. Костюм напоминал элегантную черно-белую униформу нового сообщества банкиров и промышленников.

Фото. Платье дамское, шелковый репс, отделка бархатом, оборки-плиссе из основной ткани, ленточное и игольное кружево. Франция, конец 1875 г.

Фото. Платье для приемов с турнюром, шелковый муар-антик, шелковый репс, отделка кружевом, оборка с бахромой. Европа, 1878 г.

Фото. Платье для приемов, шелк, отделка бахромой контрастного цвета из шелковых нитей. Россия, 1875 г.

Планету в этот период сотрясали войны и революции. Парижская коммуна 1870 года закончилась свержением Наполеона III и провозглашением Третьей республики. Буржуазное общество продолжало бурно развиваться, росли города. Вместо карет появился первый общественный транспорт - конка, которая передвигалась по рельсам помощью конных экипажей. В Лондоне пошли еще дальше – фирмой Metropolitan Raiway была построена первая ветка "внеуличной железной дороги", прообраз будущего метро. Носить объемный кринолин стало неудобно, и Чарльз Фредерик Ворт предложил вместо него турнюр (фр. "tournure" – "осанка, манера держаться"). Для придания выпуклости ягодицам под платье ниже талии прикреплялось специальное приспособление. Карикатуры на новую юбку не сходили со страниц журналов. Женщин рисовали в виде гусынь. Впрочем, новинки вскоре прижились во всем мире и в России тоже.

Фото. Конка в Пскове. Фото конца 1890-х гг.

"Теперь начинают носить двойные платья, так что первая юбка делается совсем без хвоста — только доходит до полу, а сверху надевается трен, открытый спереди, закругленный с боков; его можно грациозно драпировать на первой юбке или оставить расстилаться во всю длину и, наконец, подбирать на руку... Почти все платья сколько-нибудь нарядные подбираются сзади пуфом..." ("Модный магазин". 1869, .V" 3). Именно такие платья с турнюрами носила и Анна Каренина, героиня одноименного романа Л.Н. Толстого.

Турнюр постоянно менял свою конфигурацию: сначала он был в виде подушечки-полумесяца, потом стал очень узким - "русалочьим", затем огромным "каркасным", наподобие хвоста креветки. Рюши, оборочки, воланы, цветы, кружева, бахрома - все это могло сочетаться в одном платье. Дама напоминала бисквитный торт. "...Кити <...> в своем сложном тюлевом платье на розовом чехле, вступала на бал так свободно и просто, как будто все эти розетки, кружева, все подробности туалета не стоили ей и ее домашним ни минуты внимания, как будто она родилась в этом тюле, кружевах, с этою высокою прической, с розой и двумя листиками наверху" (Л.Н. Толстой. Анна Каренина).

Фото. Корсаж, желковая ткань, бархат. Москва, 1890 г.

В моду входили экзотические аксессуары из панциря черепахи, перьев страуса и райских птиц. Появились на прилавках товары из японского жемчуга и перламутра, китайские расписные веера. Мода стала многообразнее, отражала социальные сословия. Аристократия, крупные заводчики, финансисты одевались роскошно — на показ. Купечество и мещане - "по старинке", разночинцы и студенты - весьма демократично. В 1878 году победой закончилась вторая Русско-турецкая война, от османского ига были освобождены Балканские и Закавказские народы. Однако в самой стране было неспокойно, набирала силу революционная организация "Народная воля". 1 марта 1881 года император Александр II был смертельно ранен брошенной в него бомбой.

В апреле 1881 года новый император Александр III выступил с Манифестом о незыблемости самодержавия. Либерализму во внутренней политике он сказал "нет!" В период его правления Россия не вела ни одной войны, и государя называли Миротворцем. Страна переживала бурный экономический рост. Русский стиль утверждался в музыке, живописи, архитектуре. В 1881 году архитектором Шервудом был построен в псевдорусском стиле Государственный исторический музей. Началось строительство Великой Сибирской магистрали. В 1888 году начала работать первая московская городская электростанция. В торжественной обстановке были открыты 2 декабря 1890 года вновь построенные Верхние торговые ряды. Это был огромный комплекс – с подземной торговой улицей. Под стеклянные крыши этого дворца торговли приходили целыми семьями, чтобы полюбоваться одним из самых современных и изящных зданий в Москве.

Фото. Верхние торговые ряды. Фрагмент интерьеров. Меховой магазин П. Сорокоумовского. Фото 1899 г.

Конечно же, здесь продавалось все – заграничные и отечественные новинки, обувь, шляпы и одежда, предметы для дома, от крупных вещей до бытовой мелочи. В этот период наблюдается упрощение формы женского костюма: исчез турнюр, его заменил трен – длинное заднее полотнище женской юбки. "Длина трена сзади значительно превышала длину всего платья, часть его лежала на полу. Когда женщине надо было двигаться, она поднимала трен за специальную петлю, пришитую на уровне бедра. Петля надевалась на кисть руки. Дома или на балу при поворотах и ходьбе нужно было уметь движением ноги отбросить трен в сторону" (Р. Захаржевская "История костюма").

На выставке можно увидеть платье с треном нежно-розового цвета из фонда музея. Оно из серии "благословенных": такие шили к помолвке, и потом они становились частью приданого невесты.

Но ритм жизни влиял на моду: именно в это время в женском гардеробе появилось много действительно удобных вещей - дорожные костюмы с жакетами, комплекты (блузки с юбками), пальто. Головные уборы превратились в маленькие шляпки, прикрывавшие вычурные прически.

На выставке представлены очень интересные теплые вещи той поры: "труакар" (полупальто), пелерины, ротонды, мантильи. Среди них вещи, изготовленные в московском ателье Е.С. Щеславской, оно специализировалось на верхнем ассортименте. Вся ее продукция могла конкурировать с лучшими модными шедеврами из Европы.

Практицизм и желание одеваться роскошно привело к тому, что в России стали открываться модные дома, салоны и мастерские, где шили вещи на заказ. В 1885 в Москве открылась мастерская Надежды Ламановой – выдающейся русской портнихи. Ее модели пользовались огромной популярностью, и очень скоро она стала поставщиком императорского двора. Она одевала в роскошные туалеты знатных дам двух столиц и соперничала с лучшими модными домами Парижа.

Фото. Блузка с пышными рукавами (лиф от платья), тафта в полоску, саржа, х/б ткань. Москва, сер. 1890-х гг.

Постепенно среди дворянства и интеллигенции нарастало критическое отношение к западной моде. Славянофилы широко пропагандировали возврат к народным истокам. Женщины увлекались "парочками" (так называли платье из двух частей - лифа и юбки) с русскими вышивками и кружевами. Надевали их летом, на пикник или на дачу, в них фотографировались на память. Так наши соотечественники осознавали необходимость обращения к своим истокам.

Фото. Платье дамское (лиф и юбка), шелк, х/б ткань, кружево. Россия, конец 1890-х гг.

Фото. Тальма (Пелерина), мех горностая, отделка хвостиками горностая. С.И. Белкин - придворные поставщик. Россия, 1900 г.
Юбка, шелковый репс, атлас, вышивка гладью, тесьма. Дом моды Worth, Франция, Париж, 1890-е гг.

Фото. Платье дамское (лиф и юбка), атлас шелковый, стеклярус, кружево. Торговый дом "Бризак", С-Петербург, 1900-1905 гг.

автор текста: Азарова Надежда для портала Осинка.ру

Наряды прошлых эпох – это ведь так интересно и необычно…. И сегодня мы хотим познакомить вас с выставкой Александра Васильева, посвященной моде 40-х и 50-х годов. Выставка "От войны к миру. Мода 1940-1950 годов" проходит сейчас в Риге, в Музее декоративного искусства. Вас ждет увлекательная экскурсия в Европу прошлого века…

От войны к миру. Мода 1940-1950-х годов в женском костюме из коллекции Александра Васильева

Совсем недавно мы рассказывали про выставку в Москве, которая освещает 2 века истории моды. Большая часть экспонатов выставки "Мода в зеркале истории, XIX — XX века." - из коллекции Александра Васильева, известного коллекционера и историка моды. Сегодня мы хотим познакомить вас с другой выставкой Александра Васильева, посвященной моде 40-х и 50-х годов.

Выставка "От войны к миру. Мода 1940-1950 годов" проходит сейчас в Риге, в Музее декоративного искусства. В ноябре выставка переезжает в Вильнюс, где продолжит свою работу.

Жители этих городов могут лично посетить выставку и полюбоваться на уникальное собрание костюмов прошлой эпохи. А для остальных, у кого такой возможности нет, мы публикуем свой специальный репортаж с мероприятия.

Видео-знакомство с выставкой

Выставка освещает два уникальных периода в истории моды, когда особенно заметно, как события в мире и политике влияют на костюм и предпочтения большинства людей.

Как вы знаете, 40-е годы прошлого века отмечены широкомасштабной войной, в которую были вовлечены многие страны. Наша война 41-45 годов, названная с легкой руки Сталина Великой Отечественной, является, на самом деле, продолжением Второй Мировой войны. Войны, которая потрясла все устои жизни, разрушив жизни миллионов людей и унеся с собой огромное количество мужчин. Разве могло такое событие не сказаться на моде? Разве можно было жить прежней жизнью? Конечно, нет. Голод, всеобщий дефицит, законодательное ограничение возможных фасонов одежды, допустимых цветов и нормативы на расход ткани - все это напрямую повлияло на то, что носили женщины 40-х.

Фото. Белое летнее платье 1943-45 годов, перешито из старой столовой скатерти. Тулуза, Франция.

Но, как это не удивительно, война, лишения и необходимость осваивать не-женские занятия ничуть не повлияли на желание женщин быть красивыми! Напротив, дефицит пробудил оригинальность мышления, нестандартные решения и определил уникальность костюма этой эпохи. В ход шли любые подручные материалы (начиная от дерева и заканчивая столовыми скатертями), ткани от старой одежды комбинировались в новом платье или пальто, газеты шли на оригинальные шляпки. А как искусно рисовали стрелки на ногах, имитируя отсутствующие чулки!

Залы выставки, посвященные моде 40-х годов

Модели 40-х годов

Когда началась война, многие дома мод в Париже закрылись или были эвакуированы в Америку. Центр создания модных образов переместился в Голивуд. На экранах появились невероятно красивые женщины, дивы 40-х, которые до сих пор удивляют своей изысканностью и рафинированной красотой. Они показывали на экране тот гламурный мир, которого у остальных женщин уже не было. Бомбежка, раненые, все для фронта, все для победы, нищета и тотальный дефицит... Однако, в кино люди все равно ходили! И там получали возможность отвлечься от ужасной реальности.

Фото. Одна из кинодив 40-х - знаменитая Марлен Дитрих.

Кинодивы 40-х - Лорен Бэколл, Марлен Дитрих, Ава Гарднер, Рита Хейворт - были настоящим воплощением идеалов своего времени. На них хотели быть похожими все женщины! Брови вразлет ниточкой, подчеркнутые скулы, таинственный взгляд с богемной усталостью и бесконечными обещаниями.

Кинодивы были настоящими царицами грез! А какие роскошные платья в пол они надевали!

Кинодивы 40-х и 50-х

Но позволить себе стать такой дивой в жизни многие не могли. Новый уровень обязанностей, суровые условия, мужская работа и военная атмосфера требовали от женщин соответствия в костюме. Крой и модные фасоны стали сужать бедра и расширять плечи. Погоны, подплечники, летучая мышь, горизонтальные линии кокеток в сочетании с узкими, малообъемными юбками определили новый характерный силуэт моды 40-х.

Аксессуары 40-х годов

По правде говоря, первые признаки моды 40-х появились еще во второй половине 30-х. Предчувствие войны ощущалось в воздухе и уже оказывало влияние на моду. Женский костюм изменялся под влиянием новой пропаганды, которая активно велась во всех странах, готовящихся к войне. Женщины стали заниматься мужскими видами спорта - стрельбой, альпинизмом, их социальная активность сильно повысилась. И к концу 30-х годов образ новой самостоятельной женщины с активным мужским началом нашел свое естественное отражение в костюме. Однако, финальная точка развития силуэтов 40-х пришлась конечно на конец войны.

Фото. Костюмы 40-х - начало стиля милитари. Серый костюм - Дом моды Баленсиага, бежевый костюм - Дом моды Гилберт Адриан.

Кстати, вы не находите удивительным, что несмотря на войну, так много женщин носило юбку? Мы сейчас все чаще делаем выбор в пользу брюк и удобных джинсов. А наши предшественницы между окопами смело перемещались в юбке. Зачастую, короткой и узкой. Причем, в это же самое время гламурную Марлен Дитрих в мужском костюма выгоняли из приличных заведений... Так что, путь к законным брюкам в нашем современном гардеробе был действительно непростым и долгим.

Но вот многолетняя война наконец закончилась, мирные соглашения подписаны, выжившие возвращаются по домам. Что же происходит с модой? Женщины, не задумываясь, простились со своим мужественным костюмом и обратили все свое внимание на новую коллекцию Кристиана Диора.

Модели 50-х годов

Знаменитая коллекция "Королла" 1947 года в одночасье утвердила новый модный силуэт New Look! Долой подплечники и летучую мышь! Да здравствует талия, грудь и пышные бедра! Конечно, пышных бедер после голода военного времени ни у кого не осталось, но пышные покрои юбок на подъюбниках искусно создавали нужное впечатление. Женщины как никогда хотели снова быть женщинами. Слабыми, красивыми, уточненными и ни за что не отвечающими. И Диор показал им самое подходящее платье для этого.

Фото. Пышные юбки 50-х - это настоящий праздник жизни после тяжелых военных лет. На фото - платье Дома моды George Mandell, 1955 год.

Пока одни критиковали Диора за расточительство (уж слишком много метров ткани надо было на его наряды!), а другие старательно копировали новый фасон, женщины с упоением примеряли новый силуэт на себя. Спустя несколько сезонов Диор предложил дамам еще один новый силуэт, но он не был принят широкими массами. Женщины не собирались так быстро расставаться с образом цветка. New Look продолжал жить!

Тем не менее, за 50-е было создано несколько новых силуэтов, которые позволили женщинам с разными фигурами подобрать самое подходящее платье. Пожалуй, впервые в истории моды одновременно развивались разные силуэты.

Вечерняя мода 50-х годов

Другой особенностью нового времени стало появление промышленной моды. За время работы Домов моды в эвакуации они переняли американскую практику создания более доступной промышленной одежды. Так "от кутюр" повернулся лицом к людям, и дизайнерская одежда стала доступна широкому кругу дам.

На выставке Александром Васильевым были представлены костюмы повседневные и вечерние, обувь, шляпки и другие аксессуары. Наряды прекрасно дополняли крупные фотографии кинозвезд 40-х и 50-х, которые с неподражаемым шармом смотрели на посетителей со стен. Кроме того, из фондов музея в зале транслировались старые фильмы, позволяя еще глубже окунуться в атмосферу этой эпохи.

Фото. Коктейльное платье с драпированным корсажем, Дом моды Lanvin, Париж, 1955 год.

У кого есть возможность посетить выставку, от души желаем вам это сделать и получить удовольствие!
В Риге выставка продлится до конца сентября 2013.

А мы на этом заканчиваем. В скором времени вас ждет еще один репортаж с выставки "Мода в зеркале истории". На этот раз речь пойдет про весь 20-й век.

Следите за анонсами на главной странице!

Аксессуары 50-х годов

Залы выставки, посвященные моде 50-х годов